西斯莱著名代表作品

西斯莱著名代表作品，印象派三个时期？

印象派分以下三个时期：

1、产生期

在巴黎的咖啡馆里经常聚集着一些年轻的艺术家，他们常聚会在一个名叫盖尔波瓦的咖啡馆里，由于这个咖啡馆在巴提约尔街，所以人们把他们叫做“巴提约尔集团”。这个所谓集团并不是一个固定的组织，其成员也没有一个统一的思想。他们大多对学院不满，有时也流露出对社会的不满，他们所关心的不是政治，主要还是艺术问题。1871年，在巴黎公社时期，他们当中大部分画家离开了首都，公社失败以后，这些人又回到巴黎并重新聚集在一起。在1874年，他们决定自己举办一个“无名画家展览会”。

这个展览会在1874年3月25日开幕，有29名画家参加，共展出165件作品。展览会吸引了不少观众，在参观的人当中，有不少保守派的批评家抱着嘲笑与批评的态度说：“看到最后不禁恼火，你会懊悔没有把买门票的钱送给一个穷要饭的。”《喧噪》杂志的批评家路易·勒鲁瓦借着莫奈的一幅《印象·日出》，不无嘲弄地把这个展览称作“印象派画展”。印象派从此得名。

2、鼎盛期

新印象派又叫点彩派，它的主要代表人物是修拉、西涅克和毕沙罗。新印象派画家对印象派不满，认为印象派在用色上还不够科学。于是他们提出新的主张：一是废除在调色板上调色。主张把原色一点点地用科学的规律排列在画面上，让人眼的水晶体去混合色彩，从而产生对色彩的感觉，这就是毕沙罗所说的“以光学的调色代替颜料的调色”。所以，也可以把这种印象主义叫做科学的印象派。

3、后期

后印象派是由于对印象派的不满而产生的。他们认为印象派过分重视客观世界的描绘，只是停留在表面的现象上，所以主张艺术应该区别于照相，要揭示主观世界，重要的不在于写形而在于写意。他们的这种写意的手法是和日本版画及东方艺术的影响分不开的。他们的理论近似中国的画论所说的艺术要“吐胸中之造化”。

后印象派重视自我的表现，强调变形和夸张，为后来的野兽派、表现派和立体派的发展提供了一些经验。正是因为这样，人们才把塞尚看作是“现代绘画之父”。应该说在形式上后印象派要比印象派走得更远，使艺术脱离现实生活。后印象派的主要代表画家是梵高、高更、塞尚。

把美术摄影比喻为姐妹艺术？

美术是摄像技术诞生之前就出现很久的艺术形式，把两者作为姐妹艺术可以说是生动有趣但不贴切。

美术的源头追溯到文字诞生之前，远古时代的人们用木炭、植物颜料、甚至是石头为工具，在岩石、洞壁、陶罐、墓砖等材质上进行绘画，最初是用于记录生活、狩猎或者部落的重大祭祀场景。现在还可以看到一些洞窟的岩画、壁画、汉砖等等。

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远古的人们在进行绘制时，受限于材质的表现力和人脑的认知程度，运用了极为简练的线条、形状、颜色来表达。

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随着画笔、颜料的的出现，人们表现的语言丰富起来。

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西方绘画着重于对比例、色彩、光线、体积的表现。

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中国的绘画则注重于线条概括、色彩、神韵等等表现。

殊途同归，两者都在自己的材质基础上达到了自我的高峰期。

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东西方绘画最初的地位多数是服务于宗教、皇家王室、贵族等，从创作的内容、题材上都是这类题材。

随着纸张、笔墨、颜料等技术的提高，绘画成本降低，才出现了更多的大众题材作品。

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照相技术的产生，从某种程度上替代了绘画技术的市场。也经历了从最初的高成本到现在的人手一机随便拍拍拍的普及化。

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从功能上看，照相技术可以迅速的记录并表达出来。绘画相对时间成本要高一些，当然也有一些江湖人士的快速创作。

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从技术上看，照相技术抹杀不了科技的优势，人的创作更受限制；绘画技术则对人的素质要求更高。

确实会有画家借助相机照片来收集创作素材，但也有画家更愿意借助绘画中的速写、写生形式进行素材整理，甚至是直接创作。

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也有些画家会把作品画的比照片还写实。像中国的冷军，被称为人肉相机。

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摄影技术除了有大众应用的一面，也有其独特艺术表现的一面，摄影师运用光影，达到绘画的某种效果，都是存在的。

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理清楚绘画和摄影的渊源，你会发现，“姐妹”两个字来形容美术和摄影，只能是唐突了。但为了科普，还是可以接受的。

如果对二者的认知止步于此，则远离了这个比喻的初衷。

西方绘画艺术的开端是从什么时候开始？

想要了解真实的绘画艺术的开端其实几乎是一件无法完成的事情，因为在过去的漫长时间长河里，我们现在能留下来被我们看到的图像也许微乎其微。历史的真相与我们了解的真相之间总是会存在差异，但是就我们所知道的历史资料来看我们可以从下面的一些例子中了解到一些关于西方绘画的史实。

19世纪在西班牙和法国南部的洞穴中发现了一些约在公元前15000-10000年前的一些动物图案。但是我们能不能认为这就是绘画的源头呢？以后我们还能不能有新的考古发现比这个更古老呢？更重要的是也许画下这些图案的远古人根本也没把这种行为当成是绘画，他们也许是为了别的目的而在洞穴的墙壁上留下这些图案。

贡布里希在他的《艺术的故事中》说在大约5000年前的古埃及艺术与我们现在的艺术之间存在一种直接联系的传统。通过对各时期的各地域艺术之间的对比我们现在可以普遍认为说西方绘画艺术可以从古埃及的绘画开始说起。

但是同样的，在古埃及绘画的目的也与现在我们所说的绘画艺术有所不同。他们之所以绘制图案是基于保留肖像可以帮助他们获得永生，与他们制作木乃伊是同样的目的。所以我认为，虽然去规定一个具体的时间来确立这就是西方绘画艺术的开端是不太可能的，但是如果我们把我们现在对艺术的理解与过去的艺术做对比的话。我可以做出一个比较主观粗略的时间——古希腊时期。

在古希腊时期陶器上，我们发现了一些制作精美的图案。这些图案有具体的故事情节，有画面的构图，还有一些装饰的花纹图案。更重要的是在当时的雅典城，绘制花瓶已经成为重要的行业。我们可以认为说已经比较接近我们现在所说的艺术家，艺术的功能也开始有了体现。所以我主观的认为古希腊时期可以比较接近我理解的，你问题中的“西方绘画艺术的开端”吧。

以我的学识去讨论一个如此专业的问题，确实是能力不够的。但是根据自己的学识发表意见，相互讨论、发现错误然后日益精进不也是学习的一部分么？所以斗胆发表一点看法，如有不对的地方欢迎留言指出。谢谢大家

印象画派的德加的绘画风格是什么？

德加（1934-1917）是印象派的奠基人之一，他的作品曾多次参加印象派画展，但他自己却不喜欢被人称为印象派画家。

别的印象派画家，如莫奈、雷诺阿，更喜欢描绘自然风光，表现光影的变化。而德加不同，他本质上是一个城市画家，喜欢的主题是芭蕾舞表演、人们的日常休闲活动和一些室内场景的描绘。

德加最著名的画作是他1876年完成的《苦艾酒》，这幅画现存于巴黎奥赛博物馆。

画面描绘的是巴黎一家咖啡馆内，一男一女，虽然肩并肩并排坐在一起，却双双陷入沉默的孤独中。他们的眼神空洞而悲伤，下垂的五官凸显了凄凉感。

画面给人的印象是一个旁观者在附近的桌子上抓拍的一张快照。这种偏离中心的取景设计，引入了空旷的空间。两个人物的影子在他们身后的长镜中被描绘成剪影，富有很强的表现力。

德加描绘都市人生活场景的绘画还有很多，一起来看一下。

在1873年完成的《新奥尔良棉花厂的办公室》这幅画中，德加描绘了他叔叔米歇尔·穆森(Michel Musson)的棉花生意。画面上正在读报的是德加的表弟，他的另一个表弟则戴着礼帽悠闲地靠在窗户上，其他人则有条不紊地继续着他们的日常工作。

《新奥尔良棉花厂的办公室》是德加被博物馆买下的第一幅画作，这标志着他职业生涯的转折点，不仅让他收入稳定，还给他带来了官方的认可和承认。

从19世纪70年代一直到去世，德加不断地探索他最喜欢的题材——芭蕾舞演员。她们在排练、演出和休息时的不同场景都被德加画入画中，从不同角度，以数百种不同的姿势描绘她们。

德加善于在这些画作中捕捉舞蹈的动作，营造出画面的动感，这是其他印象派画家从未涉及的。

印象主义风格起源于哪里？

“巴比松画派”就是“印象派”的起源前生前身。印象派代表画家有:莫奈、马奈、毕沙罗、雷诺阿、西斯莱、德加、科罗、莫里索、巴齐约以及保罗·塞尚等。

印象派的诞生:

1874年一群年轻的画家在巴黎卡皮西纳大道的一所公寓里举办了第一届印象派画展，有31位印象派画家参展。来向官方的沙龙挑战。包括莫奈、雷诺阿、毕沙罗、西斯莱、德加、塞尚和莫里索等在内的画家们不仅有各异的性格和天赋，而且在某种程度上他们还具有不同的观念和倾向，但是，他们诞生在同样的时代，有着同样的经历，并且向同一的反对派斗争过。他们欣然接受一些杂志的讽刺文章作家封给他们带着嘲笑味道的称号——“印象派”。

19世纪的时候，法国巴黎是欧洲油画的中心。这个时候的风格是以学院派的新古典主义为主导的，他们每年都要举办官方的展览，叫做“沙龙”，多数人都出自于皇家美术学院，他们有着深厚的素描基础，并且精通人体解剖，画风严谨、细腻。

而在这个时候，还有着另外一大批充满着理想的年轻画家，他们来自于各个阶层，大多数都是自由人，很多人对学院派的教学方式及绘画风格有着不同的看法，认为古典主义千篇一律，缺乏个人风格，他们更崇尚现实主义，并提倡户外写生。由于大家有着共同的理想和观点，他们逐渐地聚集到巴黎郊外的一个名叫巴比松的小村庄，来描绘那里迷人的风光，他们被称为“巴比松”画派。“巴比松”村就是现在巴黎的卫星城之一的枫丹白露镇。“巴比松画派”就是“印象派”的起源前生前身。

如何欣赏现代主义美术？

要拿出一套完全不同于传统古典美术的欣赏方法，

才是欣赏现代艺术最基本的态度。

下面，

小玉就和大家通过几幅经典绘画，

来聊聊如何欣赏现代美术吧！

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传统美术中的女人

现代美术中的女人

我们先来直观感受下传统美术和现代美术的区别，

上面两幅作品，

画的都是两个正在坐着的女人的画像，

前者为法国唯美主义画家布罗格的作品，

后者为立体主义画家毕加索的作品。

很明显，

前者的传统绘画和后者的现代绘画完全不同，

布罗格的很容易看出来画的就是一个女人，

因为他使用的也是非常严谨和理性的写实手法，

而毕加索的已经将人物进行了抽象变形，

他运用的是抽象非写实的手法进行描绘。

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因此，

在欣赏现代艺术的时候，

第一个规则就是：

不要在试图把画中的物体和现实世界进行无缝对接，

记住，

现代主义绘画不是写实的。

这是现代主义美术野兽派马蒂斯的代表作，

画中表现了一个穿紫衣服的女人靠在一个花瓶旁边，

人物进行了抽象画得像简笔画一样，

所以我们不能再欣赏它画的像不像，

而是要欣赏它的颜色使用和简单线条；

这幅是抽象主义康定斯基的作品，

如果我不说这是幅画着房子、天空、月亮、树木和人的风景画，

你能看出来吗？

抽象主义认为绘画应该放弃现实的简单描绘、用抽象表现世界的本质；

这是幅抽象表现主义画家波洛克的作品，

无论是谁也应该不会在从这幅画里找到任何现实对应物了，

而且它的名字叫做《无题》，

可以说画中的一切都与现实无关了，

我们要欣赏的是一种构图和色彩线条的节奏律动，

以及在其中表达的哲学哲思。

现代绘画，

需要我们发挥想象力和文化底蕴。

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现代艺术欣赏的第二个规则：

记住，

艺术不完全等于美，

艺术表现的就是一种“存在”而已。

看这一组对比，

右面是英国伊丽莎白女王本人照片，

而左边是画家弗洛伊德的《女王像》，

按说即使不进行过度的美化也不应该丑化女王吧，

但这个当代英国最伟大的画家，

却要把女王画成满面沧桑的样子。

因为现代主义画家从来不是要表现美和理想化，

而是要真实的表现情感。

这组对比中，

左边的是传统巴洛克画家委拉斯贵支的教皇肖像画，

而右面的是现代主义画家培根的作品，

后者把教皇化成了“魂儿”一样怒吼着的恶魔。

毫无美感的绘画意义在哪里呢？

花花世界本来也不是只有美这一种东西对不对？

绘画可以展现世界万物或者内心世界甚至形而上的东西，

所以绝不不只拘泥于“美”。

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最后，

希望大家能够破除偏见、展开想象力，

感受现代主义艺术的乐趣。