国画最著名代表作品，当今画坛有哪些杰出代表人物？
当今画坛杰出代表人物：
王涛，著名人物画家，1943年生于安徽，原名王守信，中国画学会副会长，国家一级美术师。
王明明，著名人物画家，1952年生于北京，中国美术家协会副主席，国家一级美术师。
孔维克，著名人物画家，1956年生于山东，中国美术家协会理事，国家一级美术师。
冯远，著名人物画家，1952年生于上海，中国美术家协会副主席。
张松，著名山水画家，1952年生于安徽，中国美术家协会理事，国家一级美术师。
李乃蔚，著名人物画家，1957生于重庆，中国美术家协会理事，国家一级美术师。
易洪斌，著名国画家，1943年生于湖南，中国美术家协会理事。
施江城，著名山水画家，1946年生于上海，中国美术家协会会员，国家一级美术师。
姚少华，著名画虎名家，1942生于北京，中国名家书画研究院名誉院长，国家一级美术师。
钟纪明，著名国画家，1945年生于四川，中国美术家协会理事。
郭怡孮，著名美术教育家，花鸟画家，1940年生于山东，中国画学会会长。
董继宁，著名山水画家，1955年生于湖北，中国美术家协会会员。
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四川国画大师孙竹篱先生作品？
孙竹篱（1909—1986），名守仁，河北滦县人。他是著名国画家，中国美术家协会会员，原任四川省市政协委员，县政协常委，四川诗书画院副院长，一生从事美术教育，晚年钻研诗画创作，擅意笔花鸟画，常作荷花、梅花，作画近千幅，书法二百余件，作诗六百余首，受到文化艺术界的推崇，著有《孙林书画集》、《竹篱诗文集》等。
哪种艺术和哲学的关系最密切？
我个人感觉早期时中国画与哲学比较密切些，这和绘画的材料和中西文化都是有一定关系的。油画颜料是比较完美的一种绘材料，可以薄画，厚画，堆积，晕染，可以反复修改，更适合塑造不同物体质感和形体。西方艺术始盛于宗教，宗教也是西方科学的旦生处。随着科学的进步和发展，西方绘画也比较趋向科学，从西方画家作品里的人体，比例，骨格，结构，焦点透視，质感和色彩，是比较科学的写实绘画。
中国画，国画颜料和墨水，是水性的，作画主要运用颜料的透明度和墨水浓淡來作画，颜料覆盖比较差，出错不能反复修改，虽然熟宣上工笔可以画的相对精细些，但和油画在物体质感的刻划上还是无法比的。中国画受中国文字的影响，是建在线条上的。中国画是讲究外物造化，终得心源，就是说中国早期的画家是把看到的东西通过想想画出来的，更偏向写意，作品上画家意向的东西程现的比较多，相对油画，科学性比较少，就是所谓的散点透视，感觉也是乱说，画山水画谁会去考虑散点透视，用平远法，深远法，高远法就可以了，这些也就是个绘画表现方式。如果说近大远小，近实远虚，这个和透视是有关的，。中国画有些东西比较玄妙，从作品中可以体绘到画家的休养和品质，和哲学很类似都是思想层面的东西。
现在随着社会的发展和艺术的交流，中西绘画在理念上己经在相互融合，比如西方的抽象，表现，已经趋向自我，和中国画绘画理念己经相近，比如大画家赵无极的作用，就是用西方绘画材料，和东方的理念，来绘画作品，毕加索，蒙克等。中国画家何家英等偏写实的现代画家造型透视也己经趋向合理。
有得必有失，这可能是目前让中外画家感到困惑的事。怎样达到平衡点需要智慧，未来大师做的事吧！
为什么普通老百姓看不懂国画？
这亇说法是不完全正确的！国画包括的内涵太多了！如有工笔画，写意画（又分小写意，大写意）从勾勒上讲又分有骨，无骨画。又有半工笔半写意……可谓气派万千，雅俗共赏，老少咸宜的画太多了。如花卉虫鸟画家田世光，于非闇，王雪涛，画的牡丹，梅花，紫藤等花卉鲜艳夺目，曹克家画的猫，娄師白画的小鴨等如同活的一般，徐悲鸿画的马气势雄偉，其次他画的鹰，画的鸡、喜鹊也栩栩如生，刘文西画的陕北农民、陕北的妇女孩子们个亇表情丰富……自然这仅举了千分之一的例子，你说谁能看不懂呢！自然國画也像书法一样，有些楷书或行书如柳公权，欧阳询，赵孟頫工正的让你似乎穿着才熨过的西装，庄重静穆而美，没有看不懂的，但有些狂草真如狂风暴雨，满纸风云，似乎一般人就欣赏不了了！又说到画齐白石的工笔虫鸟精细到和真的一样，如虾、蝉、螳螂、松鼠，小鸡觅食画的稚嫩，憨态可爱，这些大家无疑都是能欣赏的。油画也是一样西方中世纪的油画人体结构那么严谨，肌肉，衣服的质感表现的那么准确，你简直想用手去摸一摸，这亇布料的手感，但以后的抽象派一般人就欣赏不了，凡高的画现在一幅能卖上亿，可是他在世一幅也没卖出去，穷的靠哥哥補贴生活。毕家索许多画，连专业画家也欣赏不了！所以齐白石、崔子范、黄宾虹等等画家有些创意画，一般人就欣赏不’了。可以说认任何文化艺术品都存在
欣赏层次问题！所以不仅是国画如此，音乐也是一样，“阳春白雪和者盖寡”就来自春秋战国时代对音乐欣赏的典故。
你心目中画风最大胆的油画是哪一幅画呢？
马奈作品
在我印象中，“画风”最大胆的油画，马奈的这幅《草地上的午餐》，应当是其中之一。这幅画一经展出，便引起当时西方社会与艺术界的哗然，针对《草地上的午餐》展开的批评与讨论，不绝于耳。
《草地上的午餐》这幅画，给后来印象派画家莫奈、塞尚许多画家，很大的冲击和启发，虽然马奈自己认为不属于印象派，但他却被人们尊称为“印象派之父”。
这里，默默就带大家回到马奈那个时代，从具体的时代背景切入，浅谈《草地上的午餐》这幅画，
分为两方面：
1.马奈另辟蹊径，一改西方裸女画的规则
2.马奈推陈出新，探索全新的绘画技法
马奈《草地上的午餐》
马奈的这幅《草地上的午餐》，是一副风俗画，规格比较大，约有2.7米宽，2米高，这幅画描绘的是，几个人坐在树林的地草坪上，一同野餐的情景：
在画面的左前方，有一个倾倒着的水果篮，篮子里装着各种食物；在画面的中心，有两个身着西装革履的绅士，他们一左一右相对而坐，正在悠闲地聊天。
与他们坐在一起，画面中最引人注目的，是一个全身赤裸的女人，这个女子是当时人们非常熟悉的风尘女子；而在不远处的水池里，还有一个穿着薄纱的女子，正在汲水嬉戏玩闹。
马奈作品
1.马奈另辟蹊径，一改西方裸女画的规则在当时的西方，无论是马奈那个时代或是之前，在绘画作品中出现的裸女，一般分为两类：一类是神话中的女神，比如说女神维纳斯；而另外一类，虽然不是女神却胜似女神，看起来是不食人间烟火的样子，比如安格尔笔下的大宫女，这些女子不仅非常漂亮，而且看上去很纯洁、有超凡脱俗的美感。
而《草地上的午餐》中的这个裸女，是现实生活中的真人，而且她还是个风尘里的女子。马奈这样画，人们认为严重破坏了当时的社会风气，这个赤裸着的风尘女子，却和两个衣冠楚楚的男人坐在一起，给人的感觉很不协调。
这位女子的姿势也很耐人寻味，她的右腿蜷起，手肘靠着膝盖，轻轻托着下巴，转过头来对着人们露出一丝笑容，女子毫不羞怯，反而用一种平静坦然的神情，淡定地轻笑。
这对当时，对当时主流的艺术，简直就是公然的挑衅，引起了社会和艺术界的哗然，针对这幅《草地上的午餐》，展开了剧烈的批评和讨论。
马奈作品
2.马奈推陈出新，探索全新的绘画技法《草地上的午餐》这幅画，马奈从色彩、造型和笔触等几个方面，采用了跟当时艺术界的主流，相违背的、完全不同的处理技法，颠覆了传承悠久的古典学院派绘画风格。
首先说画面尺寸，《草地上的午餐》将近2.7米宽、2米高，尺寸这样大的画幅，在当时都是用来画历史画或者宗教画的，这类神圣、庄严题材。马奈却用来画以裸女为主角的风俗画，这给当时的人们，带来了极大的、观念上的冲击。
接着说技法，从文艺复兴开始到马奈那个时代，画家们总是以自己极高的功力，将画面处理的，让人看不出笔触的痕迹，而人们也乐于欣赏这类“毫无瑕疵”绘画，这也是当时社会的审美主流。
而《草地上的午餐》，无论是画面中前面的树、后面的风景，马奈都是以粗犷、大刀阔斧的笔触来描绘刻画的，马奈留下的笔触、痕迹非常明显，在当时的人们看来，《草地上的午餐》是莫奈技巧不够、没有处理好，不符合当时的流行的审美观。
马奈作品
最后来说光线，之前的艺术家作画，都是在一个有故固定光源的室内进行的，画画时打个光，这样一来，物体的明面和暗面十分明显清晰，这样画出的画，就会显得非常立体。
而《草地上的午餐》中的人物，都是处于室外自然阳光下的。阳光下看到的东西，不会像室内光那样有非常清晰的明暗面，除了自然的太阳光，还有水面的反光、草地的散射光，树叶的遮挡泄漏的很多不规则的光，所以这幅画给人感觉，两边都是光，画中的人物，看起来也就不是特别有立体感。
马奈作品
马奈的《草地上的午餐》一经展出，便遭到了社会上的诸多反对和嘲讽，很多人都评价马奈，说他不懂色彩、画得太潦草随意、简直有伤社会风俗……
但如果我们回到马奈的时代，结合当时的时代背景，便会发现：
马奈对于光线的处理，对于色彩的运用，马奈追求的是更加纯粹的光影效果，他颠覆传统的绘画技法，对于裸体和人性，有着自己独特的思考，和坦荡直白的表达，这为人们开启了、一个全新的艺术观察的角度。
马奈的绘画理念，极大启发了印象派的莫奈、塞尚等，以及这之后的立体主义的毕加索，还有其它诸多的现代画家。
有位美国著名的艺术批评家，称马奈为：当之无愧的“现代主义之父”。
马奈的这幅极为大胆的《草地上的午餐》，是对传承已久、僵成固化的古典学院派，重重的一击，让人们看到了，绘画更多的表现方式和可能性。
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宋代著名的十大名画？
据说日本人只跟中国学三样东西，那就是：“汉朝的武功，唐朝的经济，宋朝的艺术”，那么宋朝为什么能在艺术上达到如此高的地步，从10幅画中，来详细的了解宋朝的画作为何无法超越，每一幅都是经典之作。
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