抽象画代表作品介绍

抽象画代表作品介绍，毕加索的画有什么特点？

年轻时的毕加索毕加索是一位真正的天才。20世纪正是属于毕加索的世纪。他在这个多变的世纪之始从西班牙来到当时的世界艺术之都巴黎，开始他一生辉煌艺术的发现之旅。在20世纪，没有一位艺术家能像毕加索一样，画风多变而人尽皆知。毕加索的盛名，不仅因他成名甚早和《亚威农的少女》、《格尔尼卡》等传世杰作，更因他丰沛的创造力和多姿多彩的生活，他留下了大量多层面的艺术作品。毕加索完成的作品统计约多达六万到八万件，在绘画、素描之外，也包括雕刻、陶器、版画、舞台服装等造型表现。在毕加索1973年过世之后，世界各大美术馆不断推出有关他的各类不同性质的回顾展，有关毕加索的话题不断，而且常常带有新的论点，仿佛他还活在人间。

毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用。

30岁以后毕加索进入一个又一个不安分的探索时期，他的作品和他的生活一样没有丝毫的统一，连续和稳定。他没有固定的主意，而且花样繁多，或激昂或狂躁，或可亲或可憎，或诚挚或装假，变化无常不可捉摸，但他永远忠于的是——自由。世界上从来没有一位画家像毕加索那样以惊人的坦诚之心和天真无邪的创造力，以完全彻底的自由任意重造世界，随心所欲地行使他的威力。他不要规定，不要偏见，什么都不要，又什么都想要去创造。他在艺术历程上没有规律可循，从自然主义到表现主义，从古典主义到浪漫主义，然后又回到现实主义。从具象到抽象，来来去去，他反对一切束缚和宇宙间所有神圣的看法，只有绝对自由才适合他。

毕加索一生中画法和风格几经变化。也许是对人世无常的敏感与早熟，加上家境不佳，毕加索早期的作品风格充满了早熟的忧郁，早期画近似表现派的主题。在求学期间，毕加索努力地研习学院派的技巧和传统的主题，而产生了象《第一次圣餐式》这样以宗教题材为描绘对象的作品。德加的柔和的色调，与罗特列克所追逐的上流社会的题材，也是毕加索早年学习的对象。在《嘉列特磨坊》、《喝苦艾酒的女人》等画作中，总看到用罗特列克手法经营着浮动的声光魅影，暧昧地流动着款款哀伤。毕加索十四岁那年与父母移居巴塞罗那，见识了当地的新艺术与思想。然而正当他跃跃欲试之际，却碰上当时西班牙殖民地战争失利。政治激烈的变动导致人民一幕幕悲惨的景象，身为重镇的巴塞罗那更是首当其冲。也许是这种兴奋与绝望的双重刺激，使得毕加索潜意识里孕育着蓝色时期的忧郁动力。

迁至巴黎的毕加索，既落魄又贫穷，住进了一处怪异而破旧的住所“洗衣船”，这里当时是一些流浪艺术家的聚会所。也正是在此时，芳华十七的奥丽薇在一个飘雨的日子，翩然走进了毕加索的生命中。于是爱情的滋润与甜美软化了他这颗本已对生命固执颓丧的心灵，笔下沉沦痛苦的蓝色，也开始有了跳跃的情绪。细细缓缓地燃烧掉旧有的悲伤，此时整个画风膨胀着幸福的温存与情感归属的喜悦。

玫瑰红时期的作品，人物表情虽依然冷漠，却已注重和谐的美感与细微人性的关注。整体除了色彩的丰富性外，已由先前蓝色时期那种无望的深渊中抽离。摒弃先前贫病交迫的悲哀、缺乏生命力的象征，取而代之的是对人生百态充满兴趣、关注及信心。在《穿衬衣的女子》中，一袭若隐若现的薄纱衬衣，轻柔地勾勒着自黑暗中涌现的侗体，坚定的延伸，流露出年轻女子的傲慢与自信。鬼魅般地流动着纤细隐约的美感。整体气氛的传达幽柔细致，使得神秘的躯体在氤氲中垂怜着病态美；拼贴艺术形成的主因，源于毕加索急欲突破空间的限制，而神来一笔的产物。实际上拼贴并非首创于毕加索，在19世纪的民俗工艺中就已经存在，但却是毕加索将之引至画面上，而脱离工艺的地位。首张拼贴作品《藤椅上的静物》与1913年的《吉他》，都是以拼贴手法实现立体主义的最佳诠释。

后期画注目于原始艺术，简化形象。1915-1920年，画风一度转入写实。1930年又明显的倾向于超现实主义。第二次世界大战时，毕加索作油画《格尔尼卡》抗议德、意法西斯对西班牙北部小镇格尔尼卡进行狂轰滥炸。这幅画是毕加索最著名的一幅以立体主义、现实主义和超现实主义手法相结合的抽象画，剧烈变形、扭曲和夸张的笔触以及几何彩块堆积、造型抽象，表现了痛苦、受难和兽性，表达了毕加索多种复杂的情感。晚期制作了大量的雕塑、版画和陶器等，亦有杰出的成就。毕加索从十九世纪末从事艺术活动，一直持续到二十世纪七十年代，毕加索是整个二十世纪最具有影响力的现代派画家。毕加索的作品对现代西方艺术流派有着很大的影响。

毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。他有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。在他一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。

有人称之为原生态艺术你怎么看？

说民间自学者的画是瞎画，并不恰当，这主要在于个人的审美感觉，我没上够什么院校，小时侯就喜欢画，写意、工笔、书法、所谓原生态的民俗画也画过。

花鸟画参加过全国第六届当代著名花鸟画家作品展，农民画获过中美协优秀奖。

一些书法大师们都在玩重墨？

谢谢你的提问和邀请。如果书法就是玩肌理、空间构图、搅扭线条、冲击力真是是穷途末路了，书法当然要死亡的。

艺术必须有两个特色

第一，美的感染力

第二，不朽性

如果艺术没有感染力，也没有不朽性，还能是什么艺术？

那些口口声声打着艺术二字的艺术家，整天花样翻新，也没有什么艺术内涵，艺术感染力何来？

我看他们的“艺术”还没有不朽已经速朽了。没有艺术承传，艺术的源泉也就枯萎了。

清代一位学者，在谈到唐代楷书的时候说，唐代楷书丢掉了隶书的丰富多样性，过于单调统一，后来的书法学者，也不去追溯探源，结果楷书越来越没有生气了。

今天的所谓现代派书法家，完全不要传统，甚至传统都没有彻底吃透，就开始大搞什么“创新”，让书法有“肌理”、“搅扭线条”、“冲击力”不是没有一点道理，但是，书法不是绘画，不是设计，而是汉字艺术。

汉字艺术必须追求汉字的基本精神，在这个基础上，可以引进一些绘画思维。

但是，不是所有的书法作品都要这样去做。

我们利用汉子之美，可以设计和再创造的汉字之美。但是，这个比例不应该很大 。

如果汉字不是汉字，而是一些艺术设计，这就没有汉字艺术的不朽性了。

因为艺术的不朽性是建立在高度的经典美的承传的基础是的。

如果没有高度的经典性，就不会有承传，没有承传，艺术就一世而亡，只有自己玩一把而已。

书法艺术的承传，是建立在深厚的承传基本上的。

现在的现代书法，根本没有自己的独立创造性，也没有经典的美，我们很难想象怎么承传。

例如，王冬龄的“竹书”、“乱书”有什么意义？

对王冬龄本人的书法，我写过一个文章《王冬龄为什么在楷书的路上逃跑了》，这篇文章主要是说，王冬龄的书法从楷书到行书，都没有完成创新，也没有超越什么。然后就去搞他的所谓“创新”书法了。

结果是什么？在楷书和行书中没有完成的书法美问题，在他的“创新”里继续存在，例如笔法的起笔、行笔、收笔、接笔这些基本笔法，如果没有达到完美境界，你是很难有经典的书法之美的，更何况还有墨法之美。因为，墨法之美是建立在笔法之美基础上的。王冬龄并没有在这些基本的书法美学元素里有建树，他怎么会创造经典？他的作品怎么会是经典？

既然不是经典，那么你是作品肯定就是历史的废品了。

即使有人收藏，那也等于是收藏废品而不是宝贝。

最近我看到一个视频，就是王冬龄主持的。我们看看以上这些作品都是什么经典。

此外，像所谓的名人签字，也是一种书法搞笑。

例如下面这个“奖状”上的签名，就是舞蹈家杨丽萍的“书法”。

本来好端端的一个签名，写上自己的名字就可以了，偏偏她要花里胡哨地搞什么“名人签字”体的“书法”，感觉不伦不的。

这都是我们对汉字艺术的错误认识，导致的书法垃圾盛行。

书法是艺术，艺术必须有品味。肌理，空间，这些都是绘画思维，尤其是“肌理”还是油画的笔法词汇，都用到书法来了，真是，没有故弄玄虚，好像就没有学问一样。

书法的有“肌理”吗？其实就是用油画的用笔词汇，代替中国书法的墨法。你直接说墨法，不久可以了吗？为什么墨法成“肌理”了？

再说，所谓的空间感，只是我展览作品，提供的说辞而已。与书法没有什么关系。

如果是展览作品，现在需要作品尺幅大一些，甚至大很多，那么，字也要写大一些，这是现在书法展览的需要，有一定的道路，所以，以前没有到“空间感”和视觉冲击力的问题就出来了。

但是，我们应该有清醒的认识，空间感和视觉冲击力代替不了书法之美的基本原理，也就是说法的起笔、行笔、收笔、接笔这些基本原理不够，只有肌理，线条搅纽，那就有些别扭了。

如何欣赏立体派绘画作品？

感谢邀请：立体派绘画源于一百多年以前的法国，主要是借助透视和光学现象原理还原描绘对象的立体展现。难度在于在一个平面需要展现出三维空间的画面呈现感。

立体派绘画的杰出代表是毕加索和布拉克，从画面上讲大多利用了绘画对象的多点重叠以及几何之美。个人认为立体派绘画应该属于抽象画，但是又有别于一般意义的抽象画。。。

欣赏立体派绘画作品有一个很简单的方法比较适合不是特别懂画的人。那就是欣赏者在脑海里将画面进行充分地再加工，把应该用曲线表述的直线做成曲线。把光线色彩全部撤走重新布局，你就能欣赏到立体派绘画作品之美了。

只有像波洛克的那种画法才叫行动绘画或抽象表现主义吗？

抽象表现主义绘画，或称行动绘画，也称纽约绘画。抽象表现主义是从1910年开始，到1950年左右普遍使用这个术语。代表人物有波洛克、德·康宁、克莱因等。他们的绘画风格采用大幅画布“在画中”创作抽象表现主义绘画作品。

一、抽象表现主义绘画，是在二次世界大战后，流行于美国的非几何性抽象艺术，强调物理性动作的重要性，他们认为造成艺术家真正捕捉自我的过程，并非来自一件绘画作品的完成，而是来自艺术家创作行为的本身潜能。

二、波洛克（1912—1956）是美国画家。抽象表现主义绘画的代表人物之一。波洛克创作绘画作品的方法，是在地板上铺上内框的画布，提着颜料围着画布走，把颜料甩在画布上，然后用棍子、泥铲子、刀子作工具，在颜料中掺进沙子和碎玻璃，形成绘画作品。

三、抽象表现主义绘画，是凭着画家任意甩洒颜料在画布上，或者用特制的画笔蘸上颜料在画布上涂抹线条、几何图形、各种符号，所形成的涂鸦绘画作品。在作品创作中，画家用巨大的画布，画布的任何部分都被认为同等重要，构图是没有中心的“满篇幅”，既没有绘画技法，也没有主题内容。欣赏者很难理解和看懂抽象表现主义绘画，就连画家也说不清楚，自己创作的作品是表现什么主题内容。

灵遁者这幅油画作品你如何理解？

二八理论的抽象表现！

看这副画其实是在抽象地表达上述的理论：世界上20%的人掌握这80%的财富，住的闲适自在，生活得无忧无虑。而世界上的80%的人整日里为了生活奔波操劳。无休止的劳作却只为了细碎的几钱银两，可这细碎的几钱银两却可解世间的万种哀愁，可以带大孩子，可以赡养老人，寻找人生的另一半，在这拥挤的人世间苟活。

画中间的白练像一条鸿沟，又如一把双刃剑，如果想跨越阶层，提升自己到另外的20%人群中，就要跨过这把刀。

这把刀的名字就叫“现实”

细看这幅画，“现实”这把刀已经开始往下推进了，最左下角的几人其实是不得已才用自己的身体硬生生的抵住现实的这把刀，因为他们下边是一条湍急的河流，他们退无可退了，可结果却是被“现实”这把刀伤的支离破碎，不堪重负。刀的右上角有人离着刀锋还远，所以还能闲适的坐着，悠闲的看戏。

倒是也有人寻到了如何跨越双刃剑的路，那就是走中间的那个“S”，“S”中间加上双刃剑，其实是美元的一个国际通用标示“$“，此处泛指钱。

要跨越阶层，就要通过中间弯弯曲曲，充满血腥的“S”，这也可以理解为，资本的原始积累都是血腥的。

“S”下端的人已经寻到了弯弯曲曲充满血腥之路的入口，但是如果要通过这条路，必须要出卖灵魂，从画上看去，他的灵魂正在被“S”吸收掉。傍边还有两人也看到了这条入口，在兴高采烈的奔过来，要加入跨越阶层的血腥之路。

这就是我对这幅画的理解：世界上20%的人掌握这80%的财富，住的闲适自在，生活得无忧无虑。而世界上的80%的人整日里为了生活奔波操劳。两个阶层之间只有唯一的一条路，那就是钱。

画既现实又扎心！

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