印象派摄影代表作品

印象派摄影代表作品，观众喜欢写实手法的画面还是超级写实手法的画面？

只因那一句“艺术来源于生活”，就已经说明了，生活中的一切事物、人物都可以用作于艺术创作的题材，特别是对于绘画艺术来说，各种题材用之不尽，问题来了：用油画表现的人体艺术，观众喜欢写实手法的画面还是超写实手法的画面？

在油画艺术中，人体艺术虽然存在争议，但人们欣赏起人体艺术却是“乐不思蜀”，别有一番滋味在心头，嘴里说人体艺术不好，心里却恨不得马上见到人体艺术，哪还有时间去思考什么风格的人体艺术呢，对吧，当然了，超写实手法的人体艺术要比写实手法的人体艺术显得更“香艳”，

什么叫“香艳”呢？就是看起来更有情调的意思，因为超写实风格下的人体艺术追求的是一切细节完美，从内到外，形神具备，是被修饰美化的人体，肌肤纹理光滑细腻，试问一下如此惊艳、美轮美奂的人体艺术，有谁会不喜欢呢？是吧，

然而，写实风格下的人体艺术显得更加真实，值得注意了，是显得真实，没有任何修饰的成分，就比如，写实主义艺术大师库尔贝笔下的人体油画《世界的起源》描绘的就是没有任何修饰过的女性人体形象，现实中的人物是怎样，画作里的人物也是怎样，

说到这里就更容易明白了，超写实风格的人体艺术犹如被美颜过的人体，非常精致；写实风格的人体艺术就是素颜的人体，可以看到脂肪和赘肉，甚至毛孔，这就是前后两者不同的画面，那么作为一个观众喜欢欣赏哪种风格呢？就只能凭借个人的口味了，总之，有人喜欢超写实风格的完美，有人喜欢写实风格下的真实。

为何发明摄影？

世界最早的一部电影摄影机是由法国生理学家居勒.马莱伊在1880年10月发明的

历史上最早出现的几种电影摄影机

1874年，法国的朱尔·让桑发明了一种摄影机。他将感光胶片卷绕在带齿的供片盘上，在一个钟摆机构的控制下，供片盘在圆形供片盒内做间歇供片运动，同时钟摆机构带动快门旋转，每当胶片停下时，快门开启曝光。让桑将这种相机与一架望远镜相接，能以每秒一张的速度拍下行星运动的一组照片。让桑将其命名为摄影枪，这就是现代电影摄影机的始祖。

1882年，法国的朱尔·马雷发明了一种摄影机，用它可以拍摄飞鸟的连贯动作，由此诞生了摄影技术。这种摄影装置形状像枪，在扳机处固定了一个像大弹仓一样的圆盒，前面装上口径很大的枪管，圆盒内装有表面涂有溴化银乳剂的玻璃感光盘。拍摄时，感光盘作间歇圆周运动，遮光器与感光盘同轴，且不停地转动，遮断和透过镜头摄入光束。整个机器由一根发条驱动。可以用1/100秒的曝光速度以每秒12张的频率摄影。马雷于1888年又发明了一种新的摄影机，他用绕在轴上的感光纸带代替了固定感光盘，当感光纸带通过镜头的聚焦处时，两个抓色机构固定住感光纸带使其曝光。后来，马雷又用感光胶片代替了感光纸带。马雷的摄影机不断改进，最终可以在9厘米宽的胶片上以每秒60张的频率拍摄。

1889年，美国的爱迪生发明了一种摄影机。这种摄影机用一个尖形齿牙轮来带动19毫米宽的未打孔胶带，在棘轮的控制下，带动胶带间歇式移动，同时打孔。这种摄影机由电机驱动，遮光器轴与一台留声机连动，摄影机运转时留声机便将声音记录下来。在此基础上，又发明了一种活动摄影机。摄影机中有一个十字轮机构控制胶片做间歇运动，另有一个齿轮带动胶片向前移动。摄影机使用带片孔的35毫米胶片。1891年，爱迪生获得了这种活动摄影机的专利。

马雷制造的人类第一架电影摄影机

爱迪生的活动电影观赏机，内部可装16米长的胶片，每次供一人观赏

1879年，麦布里奇设计出这种活动放映机，用它可以放映活动的画面

爱迪生发明的第一台电影放影机，胶片卷在圆筒上，要从目镜观看。

以下作品全部原创请勿盗图。

现实主义画家伦勃朗的写实女人油画如何影响西方艺术史？

现实主义画家伦勃朗的写实女人油画

伦勃朗是17世纪的荷兰黄金时代的伟大画家之一，他以创新的光影效果创作肖像画、自画像、圣经与历史题材的作品，其中，伦勃朗的写实女人油画在西方艺术史上有很深的影响力，比如，19世纪的荷兰画家梵高看了伦勃朗的那幅《犹太新娘》女人油画之后说，“如果让我看着伦勃朗画，我愿意两天不吃饭，只吃面包屑。”梵高被画中简洁清新的构图、略微粗糙写实的笔触、亲切又温馨的人物深厚情感深深的吸引迷恋着。

在伦勃朗的整个艺术生涯里，女性一直是他不可或缺的素材，他笔下具有代表性的女人油画有《扮作花神的萨斯基亚》《手拿大卫王信沐浴的所罗门王》《犹太新娘》《沐浴在溪流中的女人》《扮作花神的汉德瑞克》等等，这其中也包含了裸体女人油画，比如那幅《手拿大卫王信沐浴的所罗门王》这是通过《圣经》人物展示的形象，伦勃朗和威尼斯画派，尤其是委罗内塞展开了对话，确立了一种裸体女性美的准则，还营造出一种平和、均衡的构图方式，

伦勃朗作品

除此之外，伦勃朗在作品中使用了自由的创作技巧，避免了画面细腻的浓缩，这深受提香的影响，让整个画中女人显的具有世俗气息，而又不情色。伦勃朗从卡拉瓦乔那里汲取了意大利巴洛克艺术的营养，创作了那幅《沐浴在溪流中的女人》，在黑褐色的背景上使用有限的颜色作画，使图好像从黑暗淳现到光明中，这黑褐色的背景效果，影响了19世纪高更的创作，笔下的有关“塔希提岛的女人”油画几乎都用黑褐色作为主色调，

伦勃朗的女人油画还有一个共同特征，那就是画中背景的所有无关紧要的细节都被掩盖在阴影里，这就是伦勃朗的创新光影效果，被世人称之为“伦勃朗式用光”，着重突显了画面主体人物的形态特征，瞬间吸引了观赏者的注意力，即使整幅画面看起来黯然无光，却也不影响主体人物的写实逼真，这也是画作构图看起来简洁清新的原因，而且也拉近了观赏者和画面人物的情感距离，这“伦勃朗式用光”对于女人油画而言非常有戏剧效果、感染力，影响了后世的许多写实油画家，甚至跨界到人像摄影照片。

伦勃朗作品

伦勃朗的精神、性格、生活、工作和绘画的方式都充满了神秘色彩，其中金赭色的色彩与厚实的笔法相结合，是伦勃朗后期作品的特点，画家用一种特殊的方法阐述了这一主题——把内化人物感情放在首要地位，而不是描绘故事的轶事，毕竟故事显的复杂化，没有人物感情那样直率、直接，具有一致性，值得注意的是，无论是什么主题，伦勃朗的作品都既反映不公平的现象也反映高尚的现象，这是喧嚣人类社会不可避免的后果，毋庸置疑，伦勃朗是继卡拉瓦乔之后的又一个伟大的现实主义画家，他的写实女人油画着重强调人物感情，对外在的形态特征仅仅是追求“形准”，并没有过度修饰美化，这风格态度影响了19世纪的法国写实主义画家库尔贝。

伦勃朗作品

哪个画派可以称为西方艺术史上的一个转折点？

印象派

油画出现于欧洲几百年以来，一直推崇的是学院派的画风，他们总是只在画室里面作画，讲究的是老套的构图形式，作品总是缺少变化的的阴暗色调，直到19世纪后半叶，这种和大自然隔绝的做法终于受到了新一派画家的唾弃，以莫奈为代表的一批年轻的法国画家提倡走出画室，奔向大自然的怀抱。由于他们的作品追求的是光线和色彩的变化，色调明亮灿烂，造型松散，不求严谨的笔法，所以被称之为“印象派”。

印象派的代表画家较多，有莫奈（1840—1926年）、马奈（1832—1883年）、毕沙罗（1830—1903年）、雷诺阿（1841—1919年）、德加（1834—1917年）、修拉（1859—1891年）等人。

莫奈的代表作《日出》（又名《日出·印象》）成为宣告印象派诞生的标志。画面中，一轮冉冉上升的朝阳喷薄而出，水天共一色，都被暖色的云霞和淡淡的晨雾浸染得轻盈和神秘，近处的水倒映出似乎透明的橙黄、淡紫、淡蓝象是神奇的魔术师在编织光与影的色彩篇章。近处的两、三叶轻舟，远处的吊车、林立的烟囱、厂房依稀可见。长短不一、富有活力的笔触生动活泼地描绘了海边小城阿尔及尔港口富有朦胧诗意的早晨。

由于对官方沙龙的抗议，印象派画家从1863年起举行了落选画展，共举行了八次，这八次画展使得人们对新艺术、新画风的惊讶、嘲讽逐渐走向对真正艺术的接受、欣赏和喜爱。莫奈的《鲁昂大教堂》、《柳树下的女人》、马奈的《阿善特拉的桥》、毕沙罗的《休息的农妇》、德加的《芭蕾舞女》等等画作都是其中的优秀作品。莫奈在晚年眼睛几乎失明的状态下，还创作了他的最大的一组油画《睡莲》。

印象派的影响是巨大的，一代又一代的画家甩掉了学院派沉重的“酱油色调”，奔向大自然的怀抱，描绘阳光与色彩的永恒魅力。19世纪下半叶至20世纪上半叶，俄国出现的三位优秀画家也曾受到印象派的影响，对印象派的作品进行了深入的研究和学习、吸取，他们在日后也对中国的美术界产生了较大的影响，这三位就是现实主义的绘画大师列宾（1844—1930年）、风景画家列维坦（1860—1900年）和列宾的学生谢洛夫（1865—1909年）。

伊里亚·列宾有着深厚的绘画底子和高超的艺术天赋，他的很多作品都以现实主义手法深刻地刻画了众多的人物形象，在他的笔下，拉船的纤夫、坚强的革命者、残暴的沙皇都栩栩如生、有血有肉地再现在观众面前。列宾的优秀作品有《伏尔加河上的纤夫》、《拒绝忏悔》以及众多的写实肖像。

谢洛夫擅长表现阳光和空气下的室内景色，作有《少女和桃》、《阳光下的少女》等。

列维坦活了不到40岁，却创作了大量的优秀风景油画，他性格忧郁，创作出来的风景作品却色调明朗，犹如优美的旋律，画家的作品饱含了对生命的无限热爱之情和对祖国广袤土地的热情讴歌。《墓地上空》被视为他的力作。

（伏尔加河上的纤夫）

后印象派

印象派对光与色的潜心研究，以及不管贫病疾苦仍然追求健康、光明和欢乐的精神深深影响了很多画家，如凡高、塞尚、高更、毕加索、马蒂斯等伟大画家在早期都曾经深受影响。凡高、塞尚、高更便是在印象派影响下的产生的后印象派的三位先驱。

荷兰画家凡·高（1853—1890年）一生坎坷，大部分时间都在穷困潦倒的状态中度过，但是一切都无法阻挡这位天才画家对光明和美好的追求和憧憬，在他的很多作品中，都把稻田、向日葵甚至星空都描绘成红色的，橙黄色的，画家手中的笔象是急促运动的波浪，总是满怀激情地描着阳光下灿烂的景致。

凡高一生都处于一种狂热的创作冲动之中，所以在他自成一派的作品中，我们会很容易被他充满激情的、甚至有些痉挛的狂热所感染。如《向日葵》，瓶中一簇怒放的向日葵，从橙黄到淡黄的，各种丰富的黄色调子，鲜艳灿烂，充分展示了阳光下的蓬勃的生命力；

而《村庄》、《有房子和农夫的风景》中红色的田地、云朵流溢的天空，表现了作者对自然、对生活的关注和热爱；即使是在描绘夜晚景色时，凡·高也情不自禁地将星云笼上太阳的光环，在《星月之夜》中，流动的星云斑斓多彩，象一朵朵彩色的梦，哪里还有黑夜的荒凉和恐惧。

凡高在不过十年左右的绘画生涯中，共创作了1400幅油画和素描，这位艺术史上并不多见的用自己的心灵和生命作画的天才画家，在37岁的时候，由于精神失控用手枪结束了自己不平凡的一生。

有着秘鲁血统的高更（1848—1903年）生于巴黎，当过水兵和和交易所金融职员，25岁开始启蒙学习绘画，35岁时为了艺术毅然抛弃了所拥有一切。家庭生活的失败、都市文明生活下掩盖的虚伪使高更先是远离法国到了偏远的大洋州上的塔希提岛，后来更是远涉重洋，去到尚未受到所谓“文明”熏染的热带岛屿，去寻找他追求的“原始、纯洁、自由”的世外桃园，最后病死在孤岛上。高更在塔希岛上的创作时期是他一生艺术生涯中最辉煌的时期，他吸取了中世纪的彩色玻璃画、壁画、日本版画等各种创作元素，创造了“综合”画法。高更很重视形式美，在他的后期作品中，都可以看出他对色块之间的关系和布局已经抛开了早期印象派那琐碎的笔法表现，显得纯粹得多了的色块与色块之间表现出一种接近平面的装饰美。

在高更的作品中，强烈体现出他对土著人原始自由的生活状态、黝黑健康的皮肤的热爱，体现出他对工业文明的强烈憎恶。高更的作品具有强烈的象征主义色彩，被后人称之为绘画史上的“象征主义之父”。其代表作有《游魂》、《姊妹俩》未完成的大型油画《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》

塞尚（1839—1906年）是一个喜欢孤独的人，其作品大多以妻子的肖像或苹果、面包等静物为题材。早期作品受到印象派的影响较大，后期专注于表现物体的质感和体积，摈弃了印象派过于琐碎的造型笔触和受自然限制的束缚，更加注重自身主观意识的表现，并着重解决色彩与结构之间的关系。其作品有《苹果盘》《玩扑克牌的人》《马赛湾》《圣维多克山》等等。在油画的里程碑上，塞尚是“完成了色彩——结构的革命”的“现代绘画之父”。

为什么有美术功底的人摄影会更好？

因为绘画和摄影画面的底层规律是相通的。

其实不仅是学美术，如果善于知识迁移，即便不学美术，但是摄影也不见得会差。

那就来看看学习美术和摄影有什么关系：

构图，指绘画时根据题材和主题思想的要求，把要表现的形象适当地组织起来，构成一个协调的完整的画面。

构图能力的学习，是学习美术必须不断注意还要持续提升的能力。

为的是呈现出来的画面和谐，也就是大家看到的舒服。

摄影实质上拍的也是画面，既然是画面，道理等同。

所以学习美术会练习构图能力，自然摄影时，能力会转换。

美感，指对于美的主观反映、感受、欣赏和评价。

我们欣赏绘画作品也好，摄影作品也罢，让人感觉“美”，才是重要的。

上面提到的构图，也是为了“美”做铺垫的方式。

学习美术，会主动或者被动的接触大量名师作品，能被拿来欣赏观摩的作品，总会给人“美的感受”。

长期在这种条件下熏陶，“美”的意识自然会提升。

运用到摄影时，思维方式可以借用。

灵感指创作活动中瞬间产生的富有创造性的突发思维状态。

学习美术，不管是创作，还是外出写生，都需要捕捉灵感，抓住瞬间记录呈现。

在摄影中，不管是摆拍，还是抓拍，需要我们快速捕捉画面的能力，学习美术时训练的能力自然可以用到摄影。

以上，构图，美感，灵感捕捉，都是摄影必备的能力，而这些能力，恰好可以通过学习美术获得。

核心：知识能力的迁移运用，是我们必须训练并且要有意识运用的学习方式，毕竟，很多事情需要的能力是可以互相转化的。

世界十大最昂贵的摄影作品？

top1

《莱茵河2号》（1999年）摄影师：安德烈亚斯·古尔斯基收购价：4338500美元

这个作品总共有六幅照片，照片中的结构非常和谐，草地与河流以及天空形成了一个平行线，这幅作品的收购价格更是高达434万美金。在谈到这一作品时，古尔斯基说：我对莱茵河不平常或者独特的景观没兴趣，而是关注它可能存在的那些最当代的景观。

top2

《无题#96》（1981年）摄影师：辛迪·谢尔曼收购价：3890500美元

2011年5月11日，在佳士得拍卖会上，著名摄影家辛迪·舍曼的摄影作品《无题96号》创造了当时摄影作品交易的最高纪录389.05万美元。这位女艺术家凭借扮演性的自拍照在世界艺术史上留名，并被称为殿堂级摄影师。辛迪·舍曼说过这样一段话：“我从来没有主动把我的作品视为一种女权主义或政治声明，我创作中的一切确实源于我作为一名女性在这种文化中的观察。其中一部分也取决于一种爱恨交织的关系——对化妆与魅力既着迷又厌恶。这种情绪来自于两个自相矛盾的感觉，既想尽可能地把自己打扮成窈窕淑女，又同时觉得自己被这种社会规范所囚困。”

top3

《女皇陛下的拼贴照片》（1981年）摄影师：辛迪·谢尔曼收购价：3890500美元

英国艺术家组合吉尔伯特和乔治的作品极具表现特色。这幅在1973年创作的拼贴照片，在2008年的拍卖会上被高价出售给一位不知名的买者。

top4

《死亡路上的对话》（1992年）摄影师：杰夫·沃尔收购价：3666500美元加拿大摄影师杰夫·沃尔以作品《名片》闻名于世。他最知名的作品《死亡战士的对话》受到阿富汗战争的影响。尽管这是一幅现实主义照片，但照片中的角色却都是被邀请的专业演员。

top5

《无题》（牛仔）（2001-2002年）摄影师：理查德·普林斯收购价：3401000美元

理查德·普林斯是他那一代美国艺术家中最著名的一位。照片是为万宝路公司的广告活动拍摄的。据艺术家介绍，画面上的牛仔呈现了标准的美国男人气概，就像西部片中歌颂的那样，但同时他又有些虚无缥缈，遥不可及。这幅照片在2007年的佳士得拍卖会上拍出。

top6

《99美分II》（2001年）摄影师：安德烈亚斯·古尔斯基收购价：3346456美元

这张显示层层叠叠超市货柜的宽幅照片，在2007年2月的伦敦索斯比拍卖会上竟以334.456万美元成交。这是历史上第一张成交价格超过300万美元的照片。照片于2007年被乌克兰商人维克多·平丘克收购。

top7

《洛杉矶》（1998年）摄影师：安德烈亚斯·古尔斯基收购价：2941755美元

在这幅照片中古尔斯基展示了洛杉矶的夜景。照片体现了现代世界和人类居住的环境。据艺术家称，每个人都是这幅照片的主角，每个人都生活在这个全球化的世界中。

top8

《池塘月光》（1904年）摄影师：爱德华·斯泰肯收购价：2928000美元

尺寸为42cm×40cm的《池塘月光》拍摄于1904年纽约的长岛，抓拍了树木倒映在池塘的梦幻般月下美景。业内人士说，作为斯泰肯早期风景摄影的经典之作，《池塘月光》带有早期摄影的印象派特征，尝试打破摄影感光板的限制，以细腻的层次感和对色彩与光线的精妙把握，充分证明摄影也可以像绘画一样表达出丰富的情绪与内涵。

top9

《无题#153》（1985年）摄影师：辛迪·谢尔曼收购价：2770500美元

辛迪·舍曼的另一幅作品《无题#153》展示了一个死去的女人，一缕缕泥泞的蓝灰色的头发，呆滞的目光凝望着天空，半张着嘴，她脸颊上的瘀伤清晰可见。照片给人恐怖的感觉，尽管如此，它依然拍出了七位数的高价

top10

《比利小子》（1879-1980）摄影师：未知收购价：2300000美元

比利小子是一名美国罪犯，谋杀了21个人，被美国西部各州州长悬赏通缉。这张照片的独特之处在于它是比利小子唯一的照片。它于2011年在第22届布赖恩·勒贝尔老西部展上被收藏家威廉·科赫收购。最初组织者没有想到这张照片能超过四十万美元。