雷东的代表作品有，法国印象派对油画艺术发展的主要贡献有哪些？
在西方艺术史上，如果说，十五十六世纪是意大利艺术史上的黄金季，十七世纪是荷兰艺术史上的黄金季，十八世纪是英国艺术史上的黄金季，那么十九世纪，绝对是法国艺术史上的黄金季，是法国艺术史上最重要辉煌最璀璨的一章。
十九世纪的法国，是西方乃至世界的艺术中心，巴黎是西方乃至世界的绘画之都。西方绘画史上从来没有像这一时期那样，云集了那么多的画技精湛的绘画大师，产生了那么多的风格迥异的艺术流派。新古典主义、现实主义、浪漫主义、印象主义等等，而最具突破性最具划时代开创意义的就是印象主义油画的产生。
十九世纪初，在西方工业技术革命大潮中，照像技术产生了。这时，一直主导西方绘画发展的古典主义写实油画已经走过巅峰，而照像技术的应用又使一向以还原客观物象本貌有着照像功能的古典主义写实油画受到前所未有的影响和冲击，一度陷入进退两难的处境。而这时印象主义油画的应运而生脱颖而出无疑给当时的西方绘画注入新的生机和活力。
以莫奈、马奈、德加、雷诺阿、梵高、高更、塞尚等为代表的法国印象派，对油画艺术发展的主要贡献突出地体现在以下几个方面：
一，打破了自油画诞生以后几百年来古典主义写实油画“一统天下”的局面，开启了油画从创作技法到创作形式到表现手法表现风格等真正意义上的多元化时代。
二，突破了古典主义油画在造型具象上十分注重“写实”的传统，画家的主观感受和自然状态下光影色彩变化成为印象主义油画侧重表现的内容，这是油画艺术史上一次具有实质性意义的重大突破和变革。
三，突出强调了写生的重要性，将户外写生提升到了一个新的高度，并将写生纳入绘画理论体系，列入美术教学基础课程。
四，顺应了社会时代发展潮流。在社会时代发生巨变的背景下，改变和丰富了油画的表现形式和风格，更有利于适应和满足人们精神文化上的需求，成为二十世纪以后现代油画的启蒙和前奏。
象征主义油画的画风如何？
象征主义油画
“象征主义”是法国评论家莫雷斯1886年发明的词汇，用来描述斯特凡·马拉美和保尔·魏尔伦的诗歌。运用在艺术上，它描述对神话、宗教和文学主题的使用，展现情感和心理内涵的艺术，尤其是对情欲、堕落和神秘的兴趣，19世纪的法国画家莫罗、雷东，以及比利时画家德尔维尔都属于象征主义画派，
从视觉效果来看，象征主义油画类似印象主义和拉斐尔前派的组合，画作的背景略带写实主义风格，但并不完全是，象征主义油画的色彩和笔触看起来似乎是“跳动”的，这是艺术家情感和想象力的体现，整幅画作充满了梦幻的意境及色彩，比如，德尔维尔的油画《撒旦的珠宝》，
画中赤裸的男男女女像树根一样在异境般的海底幻界中，恐怖蜷曲的生物乍然出现，仿佛能致命的扭体植物，以惊人的繁殖力不断生长，诡谲、危险的气息蹿升到顶点，令人非常不安，画家德尔维尔迷醉于梦与潜意识的解析中，写过探讨神秘学的著作，他是象征主义画家中最神秘的一个，
人类心灵深处所有复杂隐晦的情绪他都企图窥探，为了剖析人身上那不时蠢动的情欲，他创作了张力十足的《撒旦的珠宝》，这是存在于人内在原欲的图像，在黑暗的空间中，以盘根错节的裸体为象征的欲望与冲动，在人自身所不知的地方，激烈动荡着。
德尔维尔《撒旦的珠宝》
如何评价法国画家雷东笔下的女人画风？
法国画家雷东的画女人的画风和西方的油画写实，立体，逼真，外露，画剧惰，特写有显著不同。好象是油画艺术作品有浓浓的抒情意味。
有人称雷东的画女人画风有超现实的艺术特点。的确有点是。同时雷东的油画中的女人还是有点体现了西方油画的本质特征。是油画艺术作品的一种典型风格。
雷东的油画女人作品是有明显的浪漫主义特色的，很美，既写实，又有东方画的虚写，是东方写意画画风之再现。
雷东的女人油画艺术作品，是超现实的。
雷东的女人画显然与中国画的写意有契合。不管雷东的画女人艺术作品借鉴没有借钱鉴东方人的画风，但此种画风有明显的写意傾向是显而易见的。
浪漫也好，超现实主义也好，有写意特点也好。
雷东的画女人油画兼容了东西方画风，有明显的写意倾向也是一个正确的判断。
(认同请关注，诚谢)。
你曾经被哪位艺术家的画作所感动过吗？
曾经临摹最多的就是印象派大师莫奈的作品，他一生都在追逐光，最后还因此得了白内障，但是他从来没有停止追光之路！
给我触动最大的作品是还是莫奈的《干草堆》。印象派认为真实是转瞬即逝的视觉印象,冲破了以往的绘画成见,直接用色彩来表达视觉。
《干草堆》用的就是莫奈所擅长的纯色色点并置的技术，使观者获得色彩混合和震荡的独特的视觉感受.《干草堆》是莫奈的主题绘画系列之一，它记录了干草堆在一天不同时间光照下的色彩变化.印象派画家强调瞬间的视觉印象,其绘画表现的是一瞥的印象,一反以往那种追求精确逼真的绘画观念。倘若想在印象派绘画中寻找逼真的一面,那么就要远看。但印象派绘画吸引人的正是它的朦胧和色彩变化的微妙。
干草堆，它的光影效果做的非常漂亮，实际上它是一个色彩印象，乍看上去，这仿佛是一个五岁小孩儿的信笔涂鸦。没有细部.不代表那真的是涂鸦！ 莫奈不只满足于能够画他所看到的事物和按照他所看见的那种方式来做画；他想要创造一种独特的效果，达到一种在绘画上似乎是不可能达到的目的。
其实《干草堆》这一主题早在1888年时就已被想到。这种景物只有秋季才有。于是他从秋天一直画到翌年初春，不断观察其光的变化。前后一共画了24幅。既有单幅的，也有成组的。角度也都不同，表现在不同时辰和不同光线的变化下的草垛形象。
画面看似单调，面对几堆干草堆，画家却产生了深厚的色彩感情。开始他以为用两块画布去画这堆干草堆就可以了，一块阴天用，一块晴天用。可是，由于光线在草垛上不断变化，他不得不一次又一次地回家取新的画布。
他之所以如此热中于这个物体上的光的变化，用他自己的话来说，是要记录“某一特定自然景色的真实印象，而不是出去描绘一幅笼统性的风景画。“从莫奈画《干草堆》，看出了印象派画家的整个作画灵感的源泉，即光色的变幻激发了他的艺术热情。他曾对友人写信说：“太阳落下得那么快，我追不上它。”
这幅画的主角不是山，不是田野，甚至不是干草堆，而是那些灿烂明亮的光芒。作为印象派创始人的克洛德-莫奈，特别喜欢画光，甚至是终其一生都在找体现光之美、空气之美的方法。莫奈比任何画家都喜欢捕捉一瞬即逝的景象，然后用神奇的画笔记载下来。就像这幅画《干草堆》。
在阳光照射过来的那一刹那，天、山、屋、草垛都是什么样的？默奈通过自己细致地观察，画下的这些物体的变化。他并不注意物体本身的轮廓，因为光是主角。
与梵高同时代的画家？
1.达芬奇 作为文艺复兴时期作卓越的代表人物,达芬奇的成就和贡献是多方面 的.达芬奇出生在佛罗伦萨附近的一个小镇 芬奇镇.他小时侯曾经拜佛罗基 奥为师,佛罗基奥首先让他练习画蛋,一画就是几年,然后才开始教他作画.由 于达芬奇打下了坚实的素描基础,后来终于成为一代宗师.
2. 毕加索 毕加索,西班牙人,自幼有非凡的艺术才能.他的父亲是美术教师,又曾在美术学院接受过比较严格的绘画训练,具有坚实的造型能力. 他一生中画法和风格几经变化,分为这样几个时期: 蓝色时期" 玫瑰红时期" 黑人时期"
3. 卢 梭 由素人画家跃居为近代朴素绘画大师的卢梭，是一位自学成功的典型画家。他的作品糅和了现实与梦想，充满了自然原始的天真活力。
4. 雷诺阿 雷诺阿是著名的印象派大画家。他的绘画在追求光的感觉中，用鲜明丽透明的色彩，将古典传统和印象派绘画做了最完善的结合。不论是丰腴的女人、天真的孩子童，还是阳光照耀下人浴女，在雷诺阿的画笔之下，都充满了温暖、鲜明、迷人的梦幻般魅力。
5. 莫 奈 莫奈是印象派最具代表性的画家，不但长寿(享年八十六岁)，而且画作数量惊人。他常对同一画作主题在不同时间中写生描绘，画出不同的光景气氛，显出光与色的高明度及鲜明感，交织成光与色彩的华丽交响诗，创作出印象派的巅峰之作。
有哪些很恐怖的画？
这个问题下面可能有不少同学是抱着猎奇心理来看的，先友情提醒下大家：前方高能，十分恐怖！
不过在我看来，恐怖并不是绘画的直接目的和追求，纯粹的恐怖是属于猎奇了，我选取的这些作品都不是为了恐怖而恐怖，恐怖的视觉效果只是他们为了表达的途径，希望各位能感受恐怖的同时收获到更多的东西。 石田徹也的超现实主义日本超现实主义画家，享年31岁。留下200多幅惊世画作，他的遗作拍出412万港币，他的死亡，被猜测为自杀，留下一段未解的传奇；他的作品，屡屡在互联网上被刷屏传播，在他去世13年后，依然让人感同身受。毕业于武藏野美术大学视觉传达设计学系。作品内容大多以与蒸汽机车、塑料袋、便器等日常生活用品一体化的青年为主，借由超现实的表现手法，描绘并讽刺现代社会中潜藏于日常生活的不安。他就是石田彻也，这位日本艺术界公认的天才，他罕见的艺术感染力，直击每个活在现代都市文明的人。这种压抑到极致的恐怖，看着让人喘不过气来：这些作品往往会让人联想到被当代社会异化和解构的人们： 石田以对日本当代生活超现实主义的精确描绘而闻名，他的作品主要可归为三个主题：日本在当今世界中的身份及担任的角色；社会和学术教育的结构；以及人们为适应当代生活中和技术变化而进行的斗争。 一件件令人生畏的作品，展现出了那个社会大量裁员、经济萧条的荒芜时代，让人们得以一窥20世纪90年代日本最为焦虑的现实。1973年，出生于日本耀州的石田先生，是在日本“失落的十年”（一个持续到1990年代的经济衰退时期）成长起来的插画家，从他的作品中我们可以感受到这一时期人们面临的挑战和困顿不安。 弗朗西斯.培根的痛苦意识培根几乎全靠自学，运用多变的技法表现各种恐怖、愤怒和兴奋的形象；他最擅长运用粗犷强劲的笔触来表现画面中人物的恐怖、荒蛮、孤寂、兴奋和愤怒；培根的笔触中隐含着内心的想象和情绪，虽然人物的形象被肢解甚至扭曲，但依然保持着可以辨认的形象；在培根的笔下，形象不再是再现的重复，而是向人们展现了命运真实的面目；培根形容自己的作品是“试图把某种情绪形象化”。他喜欢表现孤独和苦恼的主题。他所绘制的人物在画面上变成了令人不适一种恐怖，巨大的苦痛感撞击着观者的心灵；正是这种敢于直视内心感受，毫不介意地表现在公众视野当中，引起了人们的内心关注，也让当时的画坛为之震撼，培根喜欢梵高，因为梵高是位具有痛苦意识的人，喜爱用激动的笔触传达内心的挣扎。在气质上培根与苏丁有相似之处，苏丁也是一位用痛苦的眼光看待世界的画家；他总是以人作为母题作画，他把人物描绘所传达的紧张、痛苦和恐怖的感受，上升到一种崇高的境界；他曾说过：“我希望我的画看上去仿佛是人类由此通过时留下的痕迹，是已经在消失的记忆。”他的画向人们揭示出生存中的痛苦和人类天性中既可怜又可怖的一面，能引起人们的思索。 济斯瓦夫·贝克辛斯基《死后的世界》济斯瓦夫·贝克辛斯基（Zdzislaw Beksiński，1929年2月24日－2005年2月21日）是知名的波兰画家、摄影师与雕刻创作者，擅长领域是空想艺术。经历过二战，他的绘画描述了一种末世的恐惧与黑暗，地狱描绘几乎是他油画的全部主题，他个人的心灵经验用恐怖的形式呈现给世界，有极强的造型感和隐喻力量。贝克辛斯基不幸于2005年遭谋杀身亡，而欧洲媒体对他的死，报道得非常低调。济斯瓦夫·贝克辛斯基的作品所体现的，不仅仅是匪夷所思虚无苍凉的大地和破碎颓败的景色，其作品的大气磅礴、深沉静谧古今所有画家无出其右。他的所有作品都没有名字，仅仅有一个作品编号：“死后的世界”贝克辛斯基排斥任何对他作品的具体分析与评论。他说：“我无法理解怎能对绘画做出理性决断的评论”，他尤其讨厌其他人对他作品的涵意提出单纯肤浅的解释。尽管他的画风狰狞、恐怖，但他宣称大部分的人都误解了他创作的意涵，他自认在他的作品中有许多乐观、幽默的成分在里面；因此他不为作品题名。此外，即使是他本人，有时也不晓得他的画是什么意思、该如何解释，这也是他不为作品命名的原因之一。1977年8月，在般到华沙之前，他在自家的后院焚毁了几张自己的作品，没有留下任何相关的文件或样品。他表示是因为这些作品太过个人化、令人不满意，因此他不希望别人看到这些作品。贝克辛斯基于2005年遭谋杀身亡当我们看这些画作的时候，我希望各位不要只追求那种单纯的恐怖，如果仅有恐怖，那便陷入了猎奇。要从恐怖之中找寻其深意，来感受作者想表达的那些难以言表的深刻。