夏尔丹代表作品及特点

夏尔丹代表作品及特点，你如何看待有些画看起来很丑？

美是不断变化的，每个时代都有每个时代的视觉追求，也许那些所谓的丑并不单纯是我们所看到的那样，眼见未必为实，需要我们仔细探索。明白这些作品背后的意义之后，也许就会发现美丑不是绝对的，而是相对的。那些看起来很奇怪的作品或者说丑的作品，有可能在另一种层面拥有不可替代的价值和意义，从而不妨碍这些作品成为一代名画。

纵观艺术史，在某种意义上，那些看起来丑的名画，大都经历了命运的这三步:

起初，作品从视觉上容易让人认为丑——然后，发现它有一定的历史意义，从某种价值上它已经不局限于画面表象了，因此转念之间又是美的——最后它的艺术、历史意义无可替代，独一无二，成为名画。（读上去有点像丑小鸭变成白天鹅的意思，但抛开物象看本质也许对于历史，这些作品其最初的本质就是白天鹅)

个人针对丑画与名作的现象，进行以下三个层面的讨论分析，并主以西方绘画为例:

1.相对于时代而言:时代的发展促使了艺术的进化，美也在发生不同形式的转换。

西方绘画发展到18世纪，19世纪末20世纪初，也逐渐从宗教题材、贵族题材中走下神坛，开始过渡到关注市民阶层，现实主义的人民生活当中，此时也诞生了一批名家大师如夏尔丹、米勒。他们的艺术或许相对于当时或之前的传统宗教与贵族的绘画而言也许便是新生事物，新事物的产生也不可避免会有争议。

就像夏尔丹的作品，当时他的作品与潮流中的“洛可可”完全背道而驰，可能对于大部分喜欢洛可可艺术的人来讲他的作品便是丑的，他们不会花大价钱买一幅色调如此沉郁的画挂家里。而相对于那些市民，看到夏尔丹的风俗画与反应市民生活的作品可能便会感同身受，从而感觉很美，并且夏尔丹的作品更影响了之后的塞尚等很多著名画家，被受欢迎。米勒同样也是。

随着时代进展，发现有些作品的画面是独特的，独特到有新的风格，有新的历史含义与绘画方向，有新的哲学观，细分析以后也确实让艺术得到了发展与创新，审美从感性趋于理性之后，这样的作品又被人所接受，当下人也许未发现它的价值但后者却如获至宝，奉为经典，然后成为名画。这就是丑与美的转换，站在不同人群不同时代意义与含义方面皆不同，历史上还有高更、梵高。尤其梵高，当时人们不理解他的作品，现在被奉之高阁，当然艺术没有对错，也许梵高的大部分作品对于那个时代与人来讲就是丑的，但对于后人却是美的存在。

毕加索虽然他有生之年已经颇负盛名，而至今他的作品仍有争议，也许相对于现在艺术多样化的时代来讲，立体主义或已经过时不稀罕，但在20世纪，毕加索的立体主义作品绝对是时代的宠儿，不管画面多么看似随性，但其背后的时代意义也是不可忽视的。站在表面他的作品也许会被认为丑，站在历史角度他作品的创造与发展的确丰富进化了艺术的表现语言，这便是美。如果把立体主义作品放在北欧风格的屋内它是融合和谐的，但放在中式古典的屋内相对也会格格不入。

所以在时间上丑与美不同，空间意义上也会改变人们对画的看法。再抛开艺术层面，单纯落实到对人的审美上。唐朝对美人的审美标准是以胖为美，那么现在呢，以瘦为美。当代人若看唐朝的美人肯定会不习惯，所以时代不同，审美自然不会统一，也会有它的时代局限性。

2.相对于艺术家作品而言:看似丑的作品上升到美的高度后，与名画的标准依然还有距离。而我们探讨的最终落实点是在“名画”上。

名画顾名思义，是几乎众所周知，很闻名的作品。

我们还以立体主义与毕加索的作品来举例说明。如果就艺术风格而言，我们把毕加索的看似古怪或丑的作品上升到了历史意义之美的高度，然而这还不能说他的立体主义风格的每一幅作品都是名画。名画相对于立体主义包括毕加索的所有作品中，又是脱颖而出的那么几幅作品。

这就与其背后的历史意义产生关系了，当艺术作品发展到一定的极限，所有的古典主义题材无论宗教、市民生活、现实主义等等都已经画过了。那么通俗点人们这时的视觉感观已经饱和，并需要新的营养与全新的视觉艺术，来刺激人的心灵诉求，那艺术就只有变了，不变若依旧是写实古典或奢华华丽，那么则难以满足人们的视觉与心理需求。

立体主义便是这“艺术之变”潮流中的一支，且符合了时代的期待。其中毕加索的《亚威农少女》这件作品被评价为立体主义的开始开端。这就好理解了，第一幅作品而且站在了历史开端之位置，就自然是旗帜标杆性的名画作品。而《格尔尼卡》则是毕加索艺术的高峰，这幅画不仅风格独特，而且记录了毕加索故乡西班牙格尔尼卡小镇被轰炸的惨痛历史，具有很高的时代历史意义。所以便不能单纯以视觉上的美与丑来评价这件作品了，而是站在历史的宏观角度去研究，那么这件作品又是划时代性的很重要的存在，从而铸就了它身为名画的价值。

毕加索的其它作品不能说不出色，只能说《亚威农少女》与《格尔尼卡》在创作的时机上占据了重要时间阶段，因此成就了这两幅作品，成为更加经典的世界名作。

3.百家争鸣，百花齐放:时代发展让艺术多样化，那些不容易让人感受到美的作品，站上了艺术的高峰。

不仅是古典、现实主义，立体主义，还有印象派，野兽派，抽象表现主义等等都是经过时代发展所必然产生的时代艺术。而这些艺术主义背后产生的名画，如莫奈的《日出印象》、塞尚的《圣维克多山》、蒙德里安的《灰色树》与格子画，经过历史考究也的确符合了时代意义上的创造标准，因此才让这些从视觉上不容易感受到美的作品，站在了人类的艺术高峰。

所以，如何欣赏一幅画，为什么看似觉得丑的画面仍不失为一幅名画，此时我们需要从历史纵深角度与时代横向标准去全面理解认识，才会寻找到答案。

哪种形式和画风的油画？

弗拉戈纳尔的《秋千》。

要聊这幅画，就得先说说那个连出轨都要可可爱爱的时代——洛可可风吹遍法兰西大地的路易十五统治时期。

路易十五这位皇帝在位期间，对于治理国家并没有什么想法。最大的乐趣，是一个接一个的找情妇。

无论人妻还是妓女，路易十五都来者不拒，高兴了连国家大事，都直接交给她们去处理。

有了当朝天子的带头示范，整个法兰西上流阶层，都沉浸在「享乐至上」的无节操快乐生活里。

你撩一撩我老婆，我睡一睡你老公，一片自由祥和其乐融融。

于是这一时期的绘画，也呈现出一独特的气质。画风甜美粉嫩，题材如狼似虎，史称「洛可可艺术」。

「秋千」就是洛可可绘画的代表作，作者弗拉戈纳尔的老师布歇，就是路易十五最宠爱的情妇蓬帕杜夫人的专属画师。

上面那幅绿色裙子的蓬帕杜夫人，就是布歇的大作。而除了给蓬帕杜夫人画肖像，布歇还画了超多尺度惊人的羞羞图片。

说回《秋千》，这幅画的委托人是个伯爵，找到弗拉戈纳尔并不是他的第一选择，只是这位金主的要求是在是有些拿不上台面，别的画家都不好意思画。

金主当时提出的要求非常明确，就是画里要有美人儿要有腿，要让我俩儿出个轨，最好还得有个神父在旁边见证，才算够大逆不道脸红心跳。

可弗拉戈纳尔也不是傻子，头再铁也不敢得罪宗教团体的人啊，就把设计要求里的「神父」，换成了个头顶一片欧亚大草原的，老实大爷。

然后安排伯爵和他的小情人，当着这位冤大头的面眉来眼去。

伯爵还能正好，看到心上人的裙下春光，要注意一下，那个时候的法国妇女，裙子下面通常是没有内裤的。

同时为了坐实偷情的行为，避免一些思想纯洁的朋友，把这个场景误解为，背着老父亲互诉爱意的年轻男女，弗拉戈纳尔也是埋下了不少伏笔。

左侧的小天使，原型是同时期雕塑家的作品《吓唬人的爱神》。

把它放在这场好戏的最佳观众席，就是为了提醒当事人：「不是什么光彩的事，可低调点吧。」

起到同样作用的，还有右下角与花花融为一体的狗。狗在西方绘画中，向来都是忠诚的象征。这小白狗叫得耳朵都飞起来了，当然是为了警告身后傻乎乎的主人，「别乐了，你都绿的发光了。」

再说个小彩蛋。

2010年的迪士尼动画《长发公主》，就是以这幅画，作为了场景部分的美术参考。

到了2013年的动画《冰雪奇缘》，《秋千》更是直接出现在了正片里，和安娜公主一起，奉献了一个经典镜头。

巧的是，长发公主还在冰雪奇缘里，客串了一把。不晓得主创大大们，在做这个彩蛋的时候，有没有考虑过两位公主，和这幅画的缘分呢？

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11月2日出生的历史名人？

1699年——夏尔丹，法国著名画家。（逝于1779年）

1739年——奥地利小提琴家、作曲家卡尔·狄特斯·冯·迪特斯多夫（Karl Ditters von Dittersdorf）在维也纳出生。他的代表作品有歌剧《医生和药剂师》以及与莫扎特同名的歌剧《费加罗的婚礼》。[2]（逝于1799年）

1755年——玛丽·安托瓦内特，最美丽的奥地利公主，法国和那瓦尔皇后，法王路易十六之妻。（逝于1793年）

1795年——詹姆斯·诺克斯·波尔克，美国第11任总统，生于 北卡罗来纳州，有“讲坛上的拿破仑”之称。（ 逝于1849年）

1815年——乔治·布尔，英国著名数学家及逻辑学家，布尔逻辑（布尔代数）的发明人。（逝于1864年）

1865年——沃伦·G.哈丁， 美国第29位总统。（逝于1923年）

1885年——沙普利，美国著名的天文学家，美国科学院院士，曾任哈佛大学天文台台长，美国天文学会会长。（逝于1972年）

1902年——胡风，中国诗人、文艺理论家。（逝于1985年）

你认为什么是艺术呢？

艺术即变化，艺术即是生活

有些人理解的艺术是看不懂，是让人看了一脸懵圈，其实不然，并不是只有毕加索、莫奈是艺术。抽象派和印象派只是表达艺术的一种形式而已，并不能把艺术说成就是抽象和不懂。艺术是生活之中的元素，是一种律动，是一种不同寻常，是一种美感，比如设计衣服的可以把两个袖子设计成两种不同的动物斑纹，这种区别于常规，就是一种艺术。再比如现在看到的大部分字体都是宋、黑、楷体，看到的大部分门头招牌都是标准字，看的多也也就不吸引人了，如果打破常规，设计出一种别人没有看到过的富有变化和美感的字体，那也是一种艺术形式。

字体的艺术在于整体性，一副作品就是一个整体，在统一的整体里又要蕴含着变化，不能出现笔画的雷同。每一个字的设计又都来源于标准字。

缺少了变化，艺术就缺少了灵魂，缺少了变化，字体就显的呆板无味。

什么样的油画作品是对物质世界的热情欢快的反应呢？

洛可可风格的油画作品是对物质世界的热情欢快的反应

如果说油画是“色彩”艺术，那么没有人会有异议，其实油画就是以“色彩”为载体，用色彩塑造形象、表现主题、烘托氛围。不同的氛围，会给人不同的情绪反应，比如，多愁善感、热情欢快，那么什么样的作品是对物质世界的热情欢快的反应呢？

洛可可风格的油画作品是对物质世界的热情欢快的反应，我们看其风格就知道了，洛可可是18世纪初期形成的艺术风格，其特色为轻巧华丽，使用C形、S形曲线，去除以往艺术的雄伟与仪式性，转而以轻快奔放、易亲近和日常性等充满现代艺术的特征来替代，追求色彩和线条的自在流畅，是实利主义的产物，致力寻求个人的快乐，

洛可可艺术家笔下的油画作品创造的是理想的世界，以此来讨取赞助人的欢心，这个世界对游手好闲的赞助人来说，确实触及了其生活中的某些方面，但又扩大了那有限的视野，艺术家可以在“田园聚会”中的士绅淑女和奥林匹斯山、西苔岛或阿卡迪亚的男女众神中任意选择，这就是对特质世界热情欢快的反应，

召唤显然是针对心灵的，但也基于一个理智的迷人想法：法国的宫廷世界就是宙斯神的世界，男男女女们都在追求理想世界，他们模仿这个世界，甚至想去那里居住，尽情享受热情欢快的物质世界，比如，18世纪的法国画家华托、布歇、夏尔丹笔下的油画都是洛可可画风，其中，布歇、华托的油画都是迎合贵族阶级的审美趣味，以神话、享乐题材为主。

1728年法国夏尔丹作品？

1728年静物画《鳐鱼》展出，一举成名 ，被接纳为皇家学院院士。他的画能赋予静物以生命，给人以动感。晚期以家庭风俗画为主，表现第三等级”小人物”的日常生活，画风平易、朴实，具有平和亲切之感，反映了新兴市民阶层的美学理想。

夏尔丹依据毫不修饰、却又非常缜密的观察描绘出极为平常的各种家庭用品，以及巴黎中产阶级的日常生活。但这远离了洛可可时代的巨匠布歇、弗拉戈纳尔等所代表的当时占主导地位的潮流。

相反，夏尔丹的质朴却似乎更加接近伏尔泰、狄德罗等法国哲人的先进启蒙主义思想。事实上，狄德罗是极力赞扬夏尔丹的批评家之一。夏尔丹通过他对日常生活这一主题的倾注，几乎完全依靠自己一个人的力量，将静物画领域从较低的地位提升到较高层次。静物画曾经单单是学画者作为练习而描绘的内容，而后，它变成了与装饰欧洲各个宫廷画廊相称的主题。