文艺复兴之父乔托代表作品

文艺复兴之父乔托代表作品，文艺复兴初期的第1位画家是乔托还是米开朗琪罗？

文艺复兴初期第一位画家是乔托。

乔托（1267—1337）意大利文艺复兴运动的启蒙者，一生从事壁画与建筑设计。乔托的壁画虽然也在描绘圣经故事，但在创作中开始采用真人做参照。乔托尊重人性和人生的价值，使得他的作品开始出现人文精神的萌芽。从他开始，意大利绘画逐渐摆脱中世纪拜占庭宗教画风的束缚，直接推动了欧洲文艺复兴运动的蓬勃发展。

文艺复兴时期的艺术大师如何在作品中体现人文主义思想的？

达·芬奇:为了认识人类自身，达·芬奇亲自解剖了几十具尸体，对人体骨骼、肌肉、关节以及内脏器官进行了精确了解和绘制。

《蒙娜丽莎》的绘制前后历时四年。据说模特是佛罗伦萨人，刚刚丧婴，为解除她的痛苦并露出自然的微笑，列昂纳多便请人来为她奏乐。她的微笑是人们津津乐道的话题，有时似乎严肃有时又很温柔，有时略含忧伤有时又显讥讽。蒙娜丽莎的右手更被称为“美术史上最美的一只手”。这是一种人性的美，不比以前画的都是圣像。

《最后的晚餐》绘制在格雷契修道院饭厅的墙壁上。达·芬奇一改前人绘制“最后晚餐”围桌而座的布局，让所有人物坐成一排面向观众，而耶稣基督坐在最中间。《最后的晚餐》中的人物都没有光环，都是以自然光代替圣光，这一表现了人文主义。

拉斐尔：他画的圣母具有母爱，慈祥不再是那种圣神而不可侵犯的了，也具有人文主义精神。

米开朗基罗 ：他的艺术作品具有人体美。

终结：现实与人文。文艺复兴所有的创作大都围绕着这个主题。这包括了人的感观，人的信仰，人的性欲，以及人的世界观。这时期的作品都要求打破封建神权，打破封建的禁欲主义。打破封建制度对人精神甚至是肉体的封锁。这时期有很大部分的作品以宗教为主，许多评论说是借宗教作为盾牌

而文艺复兴时期艺术技法上的特点，主要体现在以写实传真为首务，开创了基于科学理论和实际考察的表现技法，如人体解剖和透视法则等。在风格和技法上更注重色彩的协调和自然，不拘一格。在建筑艺术方面，它以恢复古典建筑传统为首任，同时着重探讨建筑美感的理性法则。

文艺复兴的分期及其主要代表人物：

意大利文艺复兴的开端（13世纪末－14世纪上半叶）：这一时期是艺术家们对新的艺术精神和元素的探索阶段。这时的艺术还不成熟，尚未形成理想化的规范，却能体现出艺术家们对新的艺术技法的追求。如何更真实地反映画面上的内容？成为当时意大利艺术家所关注的核心。于是他们开始着手研究古代雕刻，研究希腊罗马的绘画风格，形成了崭新的写实风格。对这种新风格起决定性影响的人，是佛罗伦萨画家乔托(Giotto di Bondone1266—1337)；其代表作有：《逃亡埃及》、《犹大之吻》等。乔托被视为西方绘画的开创性大师，他是第一个把写实风格和明暗远近法结合起来的艺术家，迈出了绘画中关键性的一步。此外，他还把优美的叙事同忠实的观察结合起来，使绘画不再是文字的简单图解，具有了独立的意义。但无可否认，乔托作为文艺复兴初始期的探索者，其对构图的空间关系，对色彩的处理，甚至对明暗对比等等技法仍然是比较幼稚的，但作为开创历史的先河，乔托对后世的影响还是受到世人的肯定的。

意大利早期文艺复兴的美术（15世纪）：意大利早期文艺复兴美术的进展构成了非常错综复杂的场景。这是一个许多地域性艺术流派诞生与繁荣的时期折射一个各种思潮积极地互相影响与展开斗争的时期。在这个百花争研的时代，注重空间透视表现和人物坚实造型，以及善用线条则是他们共有的特色。其中最著名的三位大师是建筑师布鲁内斯基、雕塑家多纳太罗和画家马萨乔。这里主要介绍画家马萨乔。马萨乔Masaccio（1401—1428）， 其代表作《出乐园》和《纳税钱》等；马萨乔的艺术成就标志着意大利文艺复兴时期绘画的繁荣期的到来。是文艺复兴时代绘画中现实主义的奠基者。马萨乔以科学探索的精神，将解剖学、透视学的知识运用于绘画。它的人物较之乔托的更加真实有力，同时他也是文艺复兴画家中第一个掌握透视法的人，第一个能在衣纹之下隐显人体结构的人和第一个广泛运用明暗对比手法的人。马萨乔还把风景放进他的构图，使风景具有壮丽的、概括的、真实的性质，他借助于风景来扩大画面范围，赋予画面以辽阔的空间感。他的贡献，其一在于以科学的态度对画面（人物）进行更真实的描写与刻画，其二在于把风景与人物互相配合，相得益彰。这为文艺复兴高潮的到来奠定了坚实的基础。

意大利文艺复兴盛期的美术（16世纪上半叶）：盛期文艺复兴是意大利文艺复兴的全盛时期，这时由于种种的社会及政治原因，艺术家们已不再满足于个人技巧和手艺，竞争激励他们在自然科学和文化艺术各领城中广泛探索，力争获取更大的成就。他们在前辈艺术家探索的基础上进行了概括和总结，使艺术在16世纪初达到了高度成熟完美的境界。不但题材从宗教内容扩大到现实生活，而且对自然景色也开始加以观注，他们塑造的形象更完美，更具有复杂的个性和心理待点。如果说早期文艺复兴艺术家主要探索透视、解剖等科学法则，那么盛期大师在把握了这些法则后不再受其限制，而是更强调视觉效果，探索作品的戏剧性和新的艺术语言。可以说，盛期的美术是艺术与科学的完美结合。这时期出现了许多经典的大师，如达．芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、布拉曼特、提香等等。他们不但把美术技法发展到前所未有的高度，而且对于美术理论的建设，也建下了不朽的功勋。这里选取画家达·芬奇（Leonardo Da Vinci 1452-1519） 作为主要介绍的对象，其代表作有《蒙娜·丽萨》和《最后的晚餐》等等，达·芬奇的天才不限于艺术，在数学、机械工程、医学、地质学等方面也有所反映。在美术方面，达·芬奇总结了15世纪艺术家的研究成果，在绘画构图、明暗、透视、色彩等方面都有所建树。他最独特的艺术语言是运用明暗法创造平面形象的立体感。，达·芬奇曾说过：“绘画的最大奇迹，就是使平的画面呈现出凹凸感。”他使用圆球体受光变化的原理，首创明暗转移法(亦称明暗渐进法)，即在形象上由明到暗的过渡是连续的，像烟雾一般，没有截然的分界，《蒙娜丽莎》是这种画法的典范之作。而《最后的晚餐》的惊艳之处，更在于大师在画面中对人物表情的掌握，这是历史的创举，过去的美术作品，无论构图或画面的技巧如何，但对人物的表情刻画总显得僵硬呆板，大师作出这种历史性的创举，正是得益与大师对人体解剖学的深厚认识，对人体面部表情肌活动的掌握，以及对人体解剖及人体比例的深厚功底。此外，达·芬奇在美术理论方面也有许多卓越的见解。他认为：绘画优于其他任何艺术，因为它包容了世间的一切，画家的心就象镜子一样能真实地反映这个世界，把普遍的自然变为第二自然。可以说，达·芬奇不仅是整个文艺复兴时期最卓越的代表人物之一，也是世界美术史最卓越的代表人物之一。

此外还有另一个伟大的艺术家：米开朗基罗 (Michelangelonaroti 1475-1564年)。 过往在诺贝尔文学奖得主罗曼罗兰的《巨人三传》中，对米开朗基罗的人生有过深刻的描写。作为一个文艺复兴鼎盛时期的大师，他除了拥有绝顶的天才，超卓的成就，其与众不同之处，正是他生命中的悲剧色彩（这在罗曼罗兰的《巨人三传》 中自有详述，此处不再多提）。他经历人生坎坷和世态炎凉，使他一生所留下的作品都带有戏剧般的效果、磅礴的气势和人类的悲壮。其雕刻方面的代表作有《大卫》、《摩西》等等，绘画的代表作有《创世纪》、《末日的审判》。在他的两幅经典壁画中，人物的繁多、磅礴的气势是一个显著的特征。但既便如此，每个人物所表达的故事仍然错落有致。充分表现了人物本身的性格特点，多而不乱。

佛罗伦萨大教堂是什么风格的代表作？

哥特式

这是一座哥特式的建筑，高106米，其外部以绿、白、红三色大理石装饰，应用建筑学、几何学原理设计修建。

建筑特点是：形制很有独创性，虽然大体还是拉丁十字式的，但突破了教会的禁制，把东部歌坛设计成近似集中式的，预计用穹顶。

历史意义如下：

佛罗伦萨大教堂的落成和落成盛典，被史学家们视作一个新的文化时期的开端。平等的激情在平民中汹涌。

空气中洋溢着人文主义的精神，佛罗伦萨开始了崭新的历史。

佛罗伦萨大教堂标志着新的时代精神的莅临，但这并不意味着文化情绪与中世纪历史的彻底隔绝与分离。佛罗伦萨大教堂依旧延续了哥特式后期风格的余脉。

代表作品：《末日审判》、《乔凡尼·阿古托纪念碑》。

外部特点

教堂外部用黑、绿、粉色条纹大理石砌成，辅以精美绝伦的雕刻，石刻花窗，大教堂的风格华丽而浪漫。

而红、绿、白外观装饰精美，三色花岗岩贴面的美丽教堂将文艺复兴时代所推崇的古典、优雅、自由 诠释得淋漓尽致，显得极为华美鲜艳。

形形色色的雕像加上丰富多彩的绘画，佛罗伦萨大教堂，如同一部百科全书，使进入这里的人们得以一窥文艺复兴时期意大利艺术家们震惊世人的作品，感受着这片土地上浪漫的艺术气息。

即使忽略了收藏的数之不尽的艺术品，他本身也是建筑史上杰出代表。

乔托和达芬奇是啥关系？

没有关系，乔托和达芬奇都是画家

乔托·迪·邦多纳（Giotto di Bondone 1266年－1337年），意大利画家、雕刻家与建筑师，被认定为是意大利文艺复兴时期的开创者，被誉为“欧洲绘画之父”。在英文称呼就如同中文一样，只称他为Giotto，乔托。艺术史家认为乔托应为他的真名，而非Ambrogio (Ambrogiotto) 或Angelo (Angiolotto)的缩写。

启蒙运动时期的代表人物有哪些？

１.但丁２.达芬奇Vinci３.拉斐尔Raphael４.米开朗基罗Michalangelo意大利与其代表人物 意大利佛罗伦萨作为文艺复兴的发祥地，在诗歌、绘画、雕刻、建筑、音乐各方面均取得了突出的成就。佛罗伦萨著名的美弟奇家族是当时最重要的艺术赞助人。著名的文艺复兴三杰全部诞生在意大利。 代表人物：诗人：但丁、彼特拉克； 哲学家：伊拉斯谟、马基雅维利；作家：薄伽丘、马基雅维利; 画家：乔托、波提切利、列奥纳多·达·芬奇、拉斐尔、提香； 雕刻家：米开朗基罗；建筑师：伯鲁涅列斯基； 音乐家：帕斯特里那、拉索等。 西班牙与其代表人物16世纪后半叶和17世纪初西班牙文艺复兴进入“黄金时期”，在小说和戏剧方面成绩显著。 代表人物：作家塞万提斯、戏剧家洛卜·德·维加 德国与其代表人物 在德国：主要成就则表现在宗教改革、农民战争、讽刺文学以及科学技术发明等方面。 代表人物：马丁·路德、丢勒等。 法国与其代表人物在法国：自由思想和怀疑思想相当发达。 代表人物：散文家：蒙田、小说家：拉伯雷等。英国与其代表人物在英国：诗歌和戏剧空前的繁荣。 代表人物：作家莎士比亚等。哲学家： 托马斯·莫尔

你认为意大利画家乔托的画风特色如何？

乔托·迪·邦多纳（Giotto di Bondone）（约1267-1337）题主的困惑来自于贡布里希的描述，那么首先，我们来看看贡布里希是怎么在《艺术的故事》里，让乔托登场的：“……我们还记得有多少希腊化艺术成就一直隐藏在图88（见下文中《弯曲宝座上的圣母和圣婴》一图）那样冰冷、严肃的拜占庭绘画之中，那面部是怎样用明暗造型，那宝座和脚凳是怎样表现出对短缩法原理的正确认识。有了这一类方法，一个解开拜占庭保守主义符咒束缚的天才就能够奋勇前进，到一个新世界去探险，把哥特式雕刻家富有生命的形象转化到绘画中去。意大利艺术就出现了这样一个天才，那就是佛罗伦萨画家乔托·迪·邦多纳。”既然题主所读的书籍是《艺术的故事》，那么我们就用贡布里希爵士这本最为著名的艺术史入门书籍中的线索来解答题主的疑惑，事实上，乔托作为所谓“欧洲绘画之父”，贡布里希在书中已然花了大量的篇幅来描述他在艺术史上的位置。现在我们来看看这位艺术史上举足轻重的天才的作品：乔托《圣母子》约1320-1335年观者面对这样的绘画作品可能会有强烈的疑惑，盛名天下的“欧洲绘画之父”，显然在描绘自然事物人物的能力上比不上诸如伦勃朗，委拉兹贵支，提香，鲁本斯等人。甚至，公元前一世纪被创作的诸如《拉奥孔》等的雕塑，在描绘真实自然的能力上已经足以让人惊叹：阿格桑德罗斯 《拉奥孔》 约公元前100年相信不少人对这尊雕塑很熟悉，它不仅将拉奥孔及其两个儿子惊恐受难时的动作神态刻画得惟妙惟肖，更是展现出一种悲剧式的戏剧感，艺术成就极高。显然，雕塑家们在掌握希腊式“完美化”的人体和表现真实的方面，已经颇有心得。然而即便到了公元500年，平面的二维艺术还是如下图风格：

《面包和鱼的奇迹》 约公元520年

《弯曲宝座上的圣母和圣婴》 约1280年 祭坛画，可能画于君士坦丁堡

贡布里希是这么描述这幅画的：“……它可能显得跟希腊艺术的成就相去很远。可是，衣服上的皱褶裹着身体并且绕肘和膝辐射的方法，标出阴影以塑造脸部和手部的方法，甚至还有圣母宝座的弯曲，不掌握希腊和希腊化的绘画技术就画不出来。尽管有些生硬，拜占庭艺术还是比后来一段时期的西方艺术要接近自然。另一方面，强调传统，要求沿用获准的方式来表现基督或圣母，这就使得拜占庭艺术家难以发展个人的才能。然而这种守旧性只是逐渐发展起来的，把那时的艺术家想像为毫无活动余地也是不正确的。事实上，正是当时那些艺术家把早期基督教艺术中的简单图解改为大套大套的大型庄严的图像，统摄着拜占庭教堂的内部。当我们观看中世纪在巴尔干半岛各国和意大利的希腊艺术家制作的镶嵌画时，我们就会看到这个东方帝国实际上成功地复兴了古代东方艺术的宏伟性和庄严性，而且成功地用它来赞美基督和他的威力。……”

这里所说的所谓希腊和希腊化的绘画技术，实际上主要体现在：1.阴影的塑造，早在公元前的希腊绘画艺术中，艺术家们已经知晓在某些情况下需要用阴影来表现体感；2.通过衣纹的辐射来表现隐藏在内部的身体的结构；3.短缩法的应用。

贡布里希不止一次在书中强调“短缩法”这一技术的应用，可谓是在15世纪透视法被发明之前对于绘画进步影响最大之处。所谓短缩法，简单而言便是“近大远小”这一自然物理准则的应用，如图：

在此作品中，位于中间的男子右脚便应用这项“堪称伟大”的发明，青年武士即将披挂出征，父母则在两旁为其准备。图画中我们也能看到艺术家们将希腊雕塑研究得可以说透彻的人体，表现在了画中。另一个方面，线条和单色的应用的技法甚至在今天的插画创作领域都颇为流行，我们从这幅2500年前的绘画作品中甚至能找到类似于比亚兹般的高级趣味：

我们不得不承认，早在几千年前的希腊艺术中，雕塑和绘画（显然，雕塑更胜一筹）的成就已经很高（还没有提到更为久远些的埃及艺术），然而到了中世纪，从表面上我们甚至看到了一种“倒退”的现象，绘画艺术在千年来一直处于《弯曲宝座上的圣母和圣婴》般的平面阶段，而根据古希腊古罗马时期艺术取得的巨大成就，看上去这是很不可思议的一件事情。

但是我们需要考虑到，任何事物的巨大发展都是源于需求。中世纪艺术，尤其是绘画，在刻画自然描绘真实的方面，正是因为不被需求而并没有取得巨大的突破。

我们需要从几个方面来分析中世纪时期绘画所处在的位置：

1.绘画最主要的功能，是向“不识字”的民众传递信息，比如，讲述基督的故事。贡布里希：“……艺术领域就可能发生古代东方艺术和古典时代艺术都未曾出现的事情：埃及人大画他们知道的东西，希腊人大画他们看见的东西；而在中世纪，艺术家还懂得在画中表现他感受到的东西。 （另一段）不牢记这个创作意图就不能公正地对待任何中世纪的艺术作品。因为中世纪的艺术家不是一心一意要创作自然的真实写照，也不是要创造优美的东西——他们是要忠实地向教友表述宗教故事的内容和要旨。在这一方面，他们可能比绝大多数年代较早或较晚的艺术家更为成功。”

我们可以大致了解到，画出真实可信的场景并不是当时艺术家们所致力追求的东西，而对于艺术创作极为重要的几个步骤（或者说方面）：知道，看见，感受，已经在历史中依次因需出现。

2.绘画的功能性决定了绘画的传承方式。这一段话，很说明问题：“正是在13世纪，艺术家有时会抛开他们的画谱，去表现自己感兴趣的东西，我们今天很难想象这一点有什么重大意义。我们认为一个艺术家是随身带着速写本，只要感到惬意，就坐下来写生作画。但是中世纪艺术家所受的全部训练和教育就大不相同。他起初是给艺匠当学徒，协助师傅工作，首先是按照指示，填充画面上比较次要的部分，然后才开始学习怎样表现一个使徒，怎样画圣母。他要学习怎样临摹和重新安排古书中所描绘的场面，并且把它们安置到各种画框之中。最后他对这一切相当熟练，甚至能够画出没有现成图样可据的场面来。但是他一辈子都不会带着速写本去写生。即使他受委托表现一个特定的人物，例如表现治国的君王或某个主教，也不会作出我们称为肖像的东西来。中世纪没有我们今天所说的肖像。艺术家不过是勾画一个程式化的形象，再给他加上职务标志——给国王加上王冠和权杖，给主教叫上发冠和牧杖——大概还要在下面写上姓名，以免弄错。……”

3.材料和技法的受限。统治整个欧洲近千年的油画在这个时候还没有被发明出来，直到乔托，他所最著名的还是我们所俗称的“湿壁画”，而雕塑家们则可以有据可循地根据古希腊罗马辉煌的雕塑艺术遗产进行学习和创作——将石头这一牢靠的材料转变成艺术品，比如说，13世纪雕刻家的主要任务是为教堂工作。至于技法方面，艺术家们很早就知道怎样在真实的空间安插物件，塑造真实感，而显然他们还没有找到能够很好将其“平面化”的技术，透视还没有被发明，绘画的空间感塑造上极大依靠了“短缩法”。

在介绍了整个大背景和中世纪绘画艺术的基本情况（事实上，我只挑了个脉络说说，例如拜占庭镶嵌画艺术虽然对于真实的塑造没有帮助，但仍然提供了许多新的风格。）下，我们再来看一张乔托的绘画作品：

我们看到了短缩法，看到了面部的明暗，流动的衣褶以及期间描绘得深深的阴影，这并不是多么伟大的发明，早在希腊艺术中我们就能看到它们的出现，然而已经有一千年之久完全没有使用过。而最主要的是，他改变了整个绘画的概念，他能创造出视觉上的错觉，好像画里的事情真实发生过，从而取代了用图画写作这一简单的模式。

我们试想一下，早之前中世纪的绘画，如同《面包和鱼的故事》中一样，故事表现颇为程式化，它仅仅作为一种文字的代替品。而乔托，显然，他在重塑甚至说创造出真实可信的场景，他在创作之前肯定仔细想象过，当一个真实的人物参与了这样的事件，他会做出什么样的反应，是个什么样的神态？在这样的安排下，每一个人物都鲜活起来，从而产生了如同《拉奥孔》中，高级的戏剧感。

这显然，震惊了欧洲，使得乔托的盛名到处流传，原来，绘画也可以这么做。而有意思的是，乔托似乎还开启了“艺术家”的明星模式，将整个艺术史真正变成了艺术家的历史，贡布里希如是说：“乔托的盛名到处流传。佛罗伦萨人为他而自豪。他们关注他的生平，叙述他聪敏机智的逸事。这也是一件新鲜事，以前还没有出现过类似的情况。当然，以前也出现过受到普遍尊重的艺匠，从一个修道院举荐到另一个修道院，有一个主教举荐给另一个主教。但是，人们一般认为没有必要把那些艺匠的姓名留传给子孙后代。人们看待他们就像我们看待一个出色的细木工或裁缝一样，甚至艺术家本人也不大关心自己的名声是好是坏。他们甚至不在作品上署名，所以我们不知道制作沙特尔、斯特拉斯堡和瑙姆堡雕刻的艺匠的姓名。毫无疑问，他们在当时受到赏识，但是他们把荣誉献给了他们为之工作的主教堂。在这一方面，佛罗伦萨画家乔托也同样揭开了艺术史上崭新一章。从他那个时代以后，首先是意大利，后来又在别的国家，艺术史就成了伟大艺术家的历史。”

当我们将某人看做一个时代新的篇章，意味着他出现后的历史开始了惊天的变化，仅仅在百年以后，来自北方的凡·艾克就依靠新出现的油画技术，画出了这样的作品：

再接下来，艺术史将进入群星璀璨的文艺复兴时期。