普罗艺术的代表作品，米开朗基罗的代表作品？
代表作有：
1、大卫：云石雕像，像高 2.5 米，连基座高 5.5 米，创作于公元 1501～1504 年，现收藏于佛罗伦萨美术学院。
2、被缚的奴隶：云石雕塑，高 215厘米 ，米开朗基罗创作于 1513～1516 年，现收藏于法国巴黎卢浮宫内。
3、摩西：云石雕像，高 255 厘米，米开朗基罗创作于公元 1515～1516 年，现位于罗马梵蒂冈圣彼得大教堂（实际存于罗马的圣彼得镣铐教堂“Saint Peter in Chains”）。
4、布鲁特斯胸像：大理石雕像，高 74 厘米，米开朗基罗创作于公元 1537～1538 年，现收藏于佛罗伦萨国立美术馆。
5、垂死的奴隶：云石雕塑，高 229厘米，现收藏于法国巴黎卢浮宫内。《被缚的奴隶》与《垂死的奴隶》相比明显是另一种风格。
茅盾是什么社团？
茅盾一生参加过的文学社团有：
文学研究会（20年代，他是这个社团的发起者之一）、“左联”（30年代）、中国作协（建国后）。
另外，楼上所说“他的作品的政治性及社会活动他属于革命加恋爱流派”是非常不恰当的，“革命加恋爱”是一种有缺陷的创作模式而不是流派，始于蒋光慈的《少年漂泊者》，在早期“普罗文学”作品（如胡也频等人的小说）里相当普遍，这种创作模式到30年代后才逐渐式微。
普罗科耶夫代表作？
（1)舞台作品:歌剧《马格达伦》《赌徒》《火天使》《谢苗科特科》《三桔爱》《修道院的订婚礼》《真正的人》;芭蕾舞剧6部，包括《罗密欧与朱丽叶》和《灰姑娘》
(2)乐队作品:7部交响曲，小交响曲，序曲，交响组曲，5部钢琴协奏曲，两部小提琴协奏曲，大提琴协奏曲，电影配乐多部
(3)室内乐4首;钢琴曲十几首以及声乐曲多首。
代表作:交响童话“彼得与狼”
D大调第一“古典”交响曲、第五交
响曲、第二小提琴协奏曲等。
汤显祖的牡丹亭是一部怎么样的作品？
汤显祖的《牡丹亭》在中国的戏剧史上具有划时代的意义，不仅仅在于对故事内涵的争论上，也体现在其创作理论对于中国古典戏剧艺术的推动上。
即在内容和形式上都是非常特殊的存在，围绕它的争论一直都非常多。
《牡丹亭》的主题到底是什么？有两种说法关于《牡丹亭》的主题，有人说是爱情，有人说是欲望，都有各自的道理。
这部戏的故事其实很简单，就是一个青春少女杜丽娘因为游园而触动了情思，梦见了一个叫做柳梦梅的书生，坠入情网，将其样貌画下来便郁郁而终。
但谁知这个世上真的有一个柳梦梅，而这幅画像被他看见之后，也喜欢上了这个叫做杜丽娘的女子。于是三年之后，杜丽娘还魂与之结好。
故事的主线就是这么一件离奇的事，所以《牡丹亭》又叫《还魂梦》。
那么就出现了一个问题，杜丽娘的故事到底是不是爱情？
这里有一个非常严重的漏洞，就是不符合生活逻辑。
试想一下，男女二人恋爱，是先知道对方然后再谈恋爱，还是先谈恋爱然后再知道对方？
很显然，杜丽娘的情况就属于后者，这是不符合生活逻辑的。
而在这个故事当中，也可以很明显地感觉到是以杜丽娘的感情为中心。也就是说，这个故事的基础是杜丽娘对柳梦梅的喜欢，而不是两人互相的倾慕。
这不是一种正常的恋爱关系。
那么，这样来看，这个故事就无关爱情了，而是欲望。
在豆蔻年华的少女因为诗歌和春景而触动了情思，产生了人在这个年龄段里本能的欲望和冲动。
这也反映了明朝社会上对于人性解放的萌芽思绪，他们尤为关注人天性的释放。所以这一时期的作品有一个特点：
且把道场做欢场。越是严肃的场合，明朝人越喜欢在这里谈情说爱。
而同题材的故事在此之前也有一部话本比较流行，就叫做《杜丽娘慕色还魂记》。
所以，认为《牡丹亭》的主题是写人的天性、欲望，也是可能的。
但是持反对观点的人也有理由，那就是《牡丹亭》属于“传奇”一类的性质，通俗文学写离奇事儿才能引起读者的关注，所以情节上的安排只不过是汤显祖为了吸引读者的手段而已。
汤显祖还为这部戏剧作了一篇《序》，比较著名：
情不知所起，一往而深。生者可以死，死可以生。生而不可与死，死而不可复生者，皆非情之至也。汤显祖是解释《牡丹亭》中杜丽娘是一个至情之人，所以情之一事感人至深，可以感动鬼神，令人死而复生。
所以，《牡丹亭》到底是不是一部爱情剧，到现在也没有一个定论。
但是可以肯定的是，他们这种爱情观是不符合传统礼制的，所以在很大程度上，无论《牡丹亭》的主题是爱情还是欲望，都代表着明清社会中反礼制的呼声。
《牡丹亭》在形式上的创新，反映了当时社会的精神诉求可能很多人不知道，中国古典戏剧在篇幅格式上有一定的要求，那就是“一本四折”。
简单来说，比如《窦娥冤》这部剧，一共只有“四折”，窦娥死在第三折，发下了三桩大愿，而第四折就是因为楚州大旱三年，其父窦天章来此调查，为窦娥平反昭雪。
我们经常说的折子戏，其实就是这样来的，戏剧分为一折一折的，每一折都有一个故事，有点像现在的季播剧，可以单独演出。
而《牡丹亭》一共分为了“五十五齣”，现在一般将“齣”写作“出”，用“一出戏”这样来表达，其实严格意义上是不对的。形容戏剧的“齣”目前还不能简化为“出”。
《牡丹亭》的篇幅很长，已经打破了传统的戏剧分折模式，是一种新的格式。
除此之外，在用韵上还不按照曲律来进行，这是汤显祖的习惯。
古代写作传奇、戏曲的时候，每一个地方用哪个韵、哪个牌其实都有规定，但是汤显祖不按照规定来写，比较注重故事性和传奇性。
这在当时引起了非常大的争论，最为著名的就是以沈璟为首吴江派与汤显祖临川派的论战。
面对吴江派注重戏曲形式格律的特征，汤显祖明确表露了自己的创作观念，认为内容要大于形式：
凡文以意、趣、神、色为主，四者到时，或有丽辞俊音可用，尔时能一一顾九宫四声否？如必按字模声，即有窒滞迸拽之苦，恐不能成句矣。汤显祖对于戏剧模式的发难是非常成功的，一举打破了之前对于戏曲创作的桎梏，在明清两朝有着非常多的追随者，也赢得了极高的评价。
比如沈德符就曾经这样说：
汤义仍《牡丹亭梦》一出，家传户诵，几令《西厢》减价。大有洛阳纸贵的韵味。
其实如果以明朝社会的状态来看，就很好理解为什么汤显祖能有这么多的支持者了。
这个时代正好处于社会经济变革的时期，民间对于流传已久的社会状态有着不满，尤其是宋明理学的压抑，使得这个时代的人心非常躁动，所以才出现了之前说的“且把道场做欢场”的状态。
这一时期的社会有着很明显地反秩序情绪，希望打破一些固有的成规，所以在文学批判这一方法总结的道路上远比诗文等作品创作更为出色。
在通俗文学中，有着大量的机遇存在。之前时代的忽视，给明朝文人留下来大量的可自由发挥的空间，所以就出现了很多让人惊叹的尝试。这与正统文坛上拟古风气有着鲜明的对比。
所以说，汤显祖《牡丹亭》之所以有如此高的声望，除去其故事的离奇、精彩之外，还因为契合了明朝市井中的浮躁状态以及希望打破成规的渴望。
未来在黑夜隐匿，于此静待晓光。我是待晓儿，专注于文化的科普与解读，欢迎关注与交流。如何正确地欣赏油画人体艺术作品？
西方绘画史里，有一半以上的作品都跟人体油画有关，因此，通过人体油画，完全能领会西方艺术家的那点心思。要正确欣赏人体油画作品，必须对西方美术史有一个较为全面的了解。简单一点来说，就是要明白各个时期的艺术思想和艺术审美是什么，才能看懂不同时期的人体油画的本质。
宙斯
西方文艺复兴从14世纪开始，到17世纪结束，在文艺复兴初期，因为此时人们受“中世纪”的影响，在思想、行为和习惯上还比较保守，还没有人体油画的概念。油画此时主要目的是为宗教思想来服务，同时，西方神话体系又很完善，诞生过三代神明，尤其以宙斯为首的第三代神明非常著名，包括宙斯，赫拉，阿瑞斯，阿波罗，维纳斯，雅典娜等，因此，油画一方面歌颂宗教思想，一方面又赞美各个神明。
波提切利《春》
人物肖像油画就是以赞美这些神明而诞生的，在造型和体态上跟现实中的人物一样。最初的关于神话人物的肖像油画，都穿着衣服，表现得中规中矩。宗教思想延续了中世纪的专制思想，编造各种谎言愚弄信徒，让信徒无条件接受各种教规。经过“人文主义思想”的启蒙，人们不再相信宗教思想，因此，就开始用艺术来反抗。
一些思想开放，不畏强权的画家，开始把神明画成了赤身裸体，旨在降低神明的权威，引导大众追求自由精神。
西方美术史上第一个画人体油画，并形成巨大影响力的是艺术巨匠达芬奇，代表作是《丽达与天鹅》。经过达芬奇的发扬，人体油画正式成为西方美术领域不可或缺的题材。达芬奇之后，米开朗基罗，拉斐尔，波提切利，提香等一个个画家都创作过精彩的人体油画，教廷或教皇想干涉，实际上已经不可能了，只能任由人体油画蓬勃发展。
实际上，在西方史诗中，他们的神明大多数是不穿衣服的，画家们只是画出了他们的真实状态而已。
如果说文艺复兴初期的人体油画是为了反抗宗教思想，那么，在文艺复兴以后，人体油画则成为画家表达普通大众生活形态和精神状态的很好媒介。
文艺复兴末期，在17世纪和18世纪相继诞生了“巴洛克艺术”和“洛可可艺术”，前者是借助人体油画表现人的生命激情，最终开启了“浪漫主义”风格。后者是通过人体油画来展现人性的欲望，旨在表现宫廷的奢靡生活。
到19世纪，人体油画发展更加成熟，不论是浪漫主义，新古典主义，还是写实主义和印象派，都想通过人体油画来传达本艺术流派的艺术理念。
浪漫主义延续了巴洛克风格表现生命激情的一面，同时注重发挥画家的主观想象力，颂扬个体生命的价值，并对色彩的对比和笔触的感觉有一定开拓。
新古典主义参照了文艺复兴时期“古典主义”的技法，是保守的学院派画法，对美术史推动作用不大。
写实主义通过人体油画来展现田园生活，表现人与自然的关系，以法国画家库尔贝为代表。
印象派是西方美术史上非常重要的绘画流派，具有承上启下的作用。主要通过人体油画来展现光怪陆离的光影世界，画家喜欢从不同角度和方向让光影挥洒在人体上，体现那种具有朦胧美的明暗关系，以及绚丽缤纷的色彩世界。
咖啡厅适合放那些浪漫的钢琴曲？
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