为什么阿尔丰斯·穆夏被称为一夜爆红的艺术家？
穆夏是我个人非常非常喜欢的艺术家。但首先纠正一下，他并不是一夜爆红的，他在生前就非常火了，但是由于画风过于超前，被当时的学院派认为是个商业画师，而不是一个艺术家。
我第一次了解到穆夏是因为《美少女战士》。有非常多受穆夏影响的痕迹。
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阿尔丰斯·穆夏(Alphonse Maria Mucha)，1860年出生于摩洛维亚的一个小镇Ivancice(现如今捷克共和国内）。身兼装饰画家、设计师、雕刻家的头衔，他的创作涵盖了招贴画、油画、书籍插画、雕塑、建筑设计、室内装饰、首饰设计和商品包装的各个领域。
他的画非常少女心。精致完美的脸庞，细腻柔美的曲线，乍一看似乎有点甜俗。
但实际上藏着东西方艺术融合交流的深层含义，不仅有波西米亚式的自由奔放，最重要的是有日本木刻画里的古典韵味。
穆夏风掀起全球潮流是在1890年，那年穆夏结识了一个著名的歌舞剧明星，并为她画了一些歌舞剧的海报。就是下面
在长度足足两米的海报里，穆夏把女明星塑造的就像希腊女神一样优雅。
当海报张贴到巴黎的大街小巷，一夜之间，穆夏声名四起，成为这个当红女明星的签约艺术家。
后来，“穆夏风格”也被推向了美国。越来越多的商业订单接踵而至，几乎涵盖了家具、产品包装、建筑设计、广告招贴、珠宝首饰。
“穆夏风”在当时，毫不夸张的说已经席卷了整个欧美，恰好日本当时处于全盘学习欧美的时间段，不可避免的受到了许多影响。
我们现在回头看这幅穆夏1912年创作的海报，风格是不是已经和今天的日本动漫非常非常类似了？
下面就是20世纪初，日本当时最有影响力的文学杂志《明星》里各种穆夏风的插图（其实也是一种抄袭）。
穆夏这种浪漫感性的曲线感和装饰元素的画风，不仅影响了《美少女战士》，同样影响了无数今天的日本动漫。
Clamp
天野喜孝
小畑健
其实现在想想觉得很感慨，当年受到日本影响的穆夏，现在又反过来影响日本和世界。
可虽然当时穆夏虽然创造出了这种浪漫唯美的画风，并且成功把这种题材和形式发挥到最高境界，获得了商业上的巨大认同和成功。但严肃艺术界从头到尾都看不起他，只当他是个商业画师。
当然穆夏令我非常感动的是，他功成名就都在法国、后来移居美国，先后在纽约美术学院、芝加哥美术学院任教，但他还是决定在1910年毅然返回自己的故乡，捷克。
1911年，穆夏把自己的工作室安置在布拉格近郊的兹比罗赫，便开始埋头绘制他晚年耗费近17年的巨幅历史画《斯拉夫史诗》。
这一组画主题源自斯拉夫的民族历史，20幅尺寸巨大的油画作品（约610×810cm），描绘了斯拉夫民族从史前一直到19世纪中，漫长历史进程中具有纪念意义的场景。就有点像一个艺术家画下了中华民族五千年来我们所曾经历过的每一个对现代中国产生过巨大影响的时刻。
《斯拉夫史诗》
《斯拉夫史诗》
《斯拉夫史诗》的风格也脱离纯粹装饰性而呈现出象征主义的特质，画面充满了斯拉夫民族的激情。他还为新成立的捷克斯洛伐克政府设计纸币、邮票、国徽等等，以实际行动表达对祖国未来的憧憬。
此时的穆夏不再单纯是一个插画艺术家，他不仅完成了历史画家的职志，更成为一个时代的缩影，称谓了捷克著入青史艺术家的重要代表。
阿尔芬斯穆夏作品？
建筑设计：一八九九年，穆夏为次年在巴黎举行的国际博览会设计了波黑展馆并因此获得了银牌奖;
油画：一九零六年移居美国之后，他创作了许多油画人像作品。
一八九七年二月，穆夏的首个个人画展在巴黎Bodiniere画廊举行，展出了他的一百零七件作品。一九零二年，穆夏出版了《装饰文档》(Documents
你最喜欢的艺术家是谁？
最喜欢的艺术家
艺术的种类很多，自然艺术家也就很多，古今中外的艺术家至少“成百上千”，当然了，不能用“数以万计”来形容，毕竟真正有艺术天赋和才华的人是极少数的，我们应该以文化修养及审美能力的角度去评定艺术家，就如当代画家吴冠中说的那样，“艺术家不是一种职业，是要靠作品养活自己的。”所以说，那些在艺校任教的画家教授之类的几乎都不是艺术家。
每个人喜欢的艺术都有所不同，最喜欢的艺术家肯定也不同。我最喜欢的艺术家是意大利文艺复兴时期的米开朗基罗，因为他是唯一一个走上艺术巅峰的人，他可以说是雕塑家，也可以说是画家，无论在雕塑还是在绘画方面，几乎没人可以和他相媲美，虽然，达芬奇、拉斐尔和米开朗基罗并称之为“欧洲文艺复兴三杰”，但这只是以绘画来考核的，在雕塑方面，达芬奇、拉斐尔远远不如米开朗基罗，
达芬奇的艺术创作是充满科学探索精神，这显然不够“人情味”，毕竟科学侧重点在于技术，然而，米开朗基罗笔下的作品情感强烈，充满了悲剧性的激情，彰显出强大的力量和气势，有一种雄浑的英雄精神，值得注意的是，“悲剧性的激情”形象的说明了在苦难的环境下才能诞生杰出的艺术家，艺术和人性息息相关，通人性，知世俗，才是一个有“人情味”的艺术家，其作品更能与人产生震撼的共鸣，引人深思。
米开朗基罗作品
如果单从技术层面来讲，完成一件雕塑作品的难度远比绘画作品更大，雕塑和绘画同样是追求线条感、空间对称感，可想而知，将坚硬的石头变成活灵活现、有生命力情感的艺术品，是有多难了。虽然在艺术史上，也有很多雕塑家，比如，贝尔尼尼、罗丹，但是他们的雕塑作品远不如米开朗基罗的作品，米开朗基罗的雕塑作品《大卫》气势磅礴，令人生畏，同时也具有古典风范，还有那件《摩西像》整件作品完全彰显出米开朗基罗对英雄的崇拜，作品人物目光坚毅威严，展现出巨大的力量，
米开朗基罗作品
可见米开朗基罗的精湛技法和丰富复杂的情感，人们难免会猜想米开朗基罗到底经历了什么样的人生。除此之外，米开朗基罗笔下的巨幅天顶壁画《旧约·创世纪》共9个场景，可想而知，创作过程中的艰难，还有绘制于西斯廷礼拜堂的《最后的审判》画面上的众多人物或升起或坠落，明暗交织，形成一种阴沉恐怖的末日不安氛围，将人性的“善恶美丑”寓意的入木三分。整幅画面空间立体感强烈。这样的难度是难以想象的。综上所述，这就是最喜欢的艺术家是米开朗基罗的原因。
米开朗基罗作品
如何看待人体艺术名画与低俗之间的关系？
并非每个人都具备相当的艺术审美能力，这个不能强求。事实上，大多数人都很难从作品直接分辨出何为高雅，何为低俗。但是，让普通大众提高审美能力，应该是艺术工作者的责任，也是艺术发展的需要。
无论是古典写实主义的端庄精致，还是拜占庭艺术风格的华美色彩，以及巴洛克、洛可可艺术中描绘女性时的细腻柔美感，高雅艺术的艺术魅力是需要内涵的，而这种内涵更多的体现在文化素养方面的表现。
比如说有“穆夏风格”之称的捷克画家穆夏的作品中，女性和植物是永恒的主角，极具古典浪漫色彩。体现出人与自然之间的和谐关系，各种线条在他的笔下如水般灵动。世人皆视穆夏为当之无愧的“新艺术大师”。但是，当时极有影响力的前卫派画家们却对穆夏冷嘲热讽，觉得他就是个商业插画家而已，甚至认为他的作品跟正儿八经的绘画没有可比性。
由此可见，就算是那些颇有些名气的艺术家，其作品也同样会面临很大的争议，很多时候甚至被说得一文不值。穆夏如此，印象派和后印象派的画家莫奈、高更、塞尚、梵高等等，莫不如此。一件作品能成为名画，可能并不都像《蒙娜丽莎》那样一出世便成为经典，更多的作品还是需要经过时间的考量。
尽管有着各种争议声，惊龙轩还是很欣赏穆夏笔下的女性。在他的画中，这些女性大多有着流动长发、着华美长袍、与自然和谐共存的绝美生灵，她们仿佛带有隐秘的能量，呈现出一种灵动而不乏虚幻的美。这样的作品总是能让欣赏者有更多想象的空间，或共鸣、或遐思，这便是艺术，尤其是高雅艺术所能营造的境界。
真正称得上艺术的人体绘画作品，其人物的形象应该是丰富、深刻的。作品中所描绘的女性美并非“长得好看”、“穿得好看”那么简单，应该赋予形象更多的内涵。艺术可以雅俗共赏，可以通俗易懂，却决不能低俗。换句话说，低俗与艺术是毫不相干的。
哪怕是那些急功近利的临摹照片的创作，哪怕是那些为了迎合市场需要的商品气息很浓的绘画作品，也应该坚守住艺术创作的底线。这个底线并非是美术功底，而是文化素养！
当然，这也只是惊龙轩一家之言，欢迎与大家一起交流探讨。谢谢！
穆夏是什么派？
阿尔丰斯·穆夏是“新艺术派”中最重要的代表之一,在这艺术哲学家喻户晓之前他就已经为此奉献自己的一生。
世界上有哪些绘画流派？全一点？
现实主义。代表作卢梭的《丛林漫步》
批判现实主义绘画指19世纪产生的艺术思潮，又称之为“写实主义”，起源于十六世纪末十七世纪初的意大利，开创者是卡拉瓦乔。这个流派从技巧、技法上讲是写实主义，从意识形态和观念上讲是现实主义，关注人生、关注生活、关注现实
印象主义。代表作莫奈的《日出》印象派绘画也叫印象主义，是西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪60—90年代在法国兴起的画派。“巴比松画派”就是“印象派”的前身。印象主义画家主要把身边的生活琐事和直接见闻作为题材，多描绘现实中的人物和自然风景，追求外光和色彩的表现。
野兽主义。代表作马蒂斯的《三姐妹》野兽主义是西方20世纪前卫艺术运动中最早的一个派别。他们继续着后印象主义V.凡高﹑P.高更﹑P.塞尚等人的探索,追求更为主观和强烈的艺术表现。野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩，往往用直接从颜料管中挤出的颜料，以直率、粗放的笔法，创造强烈的画面效果，充分显示出追求情感表达的表现主义倾向。
新艺术派。代表作穆夏的系列装饰画作新艺术派是19世纪末20世纪初在欧洲和美国产生并发展的一次影响面相当大的“装饰艺术”的运动，实质上是英国“工艺美术运动”在欧洲大陆的延续与传播，在思想理论上并没有超越“工艺美术运动”。新艺术运动主张艺术家从事产品设计，以此实现技术与艺术的统一。
表现主义。代表作蒙克的《呐喊》表现主义是现代重要艺术流派之一。最初是20世纪初流行于德国、法国、奥地利、北欧和俄罗斯的文学艺术流派。表现主义是艺术家通过作品着重表现内心的情感，而忽视对描写对象形式的摹写，因此往往表现为对现实扭曲和抽象化的这个做法尤其用来表达恐惧的情感，不重视细节的描写，只追求强有力地表现主观精神和内心激情。
立体主义。代表作毕加索的《亚威农少女》立体主义是西方现代艺术史上的一个运动和流派，又译为立方主义，1907年始于法国。立体主义的艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式，形成分离的画面，以许多组合的碎片形态为艺术家们所要展现的目标。立体主义的画面没有传统西方绘画的透视法造成的三维空间错觉。背景与画面的主题交互穿插，让立体主义的画面创造出一个二维空间的绘画特色。
未来主义。代表作翁贝特·波丘尼的《美术馆里的骚动》未来主义画派（简称未来派）(Futurism)，现代文艺思潮之一，是由意大利诗人菲利波·托马索·马里奈缔提出和组织的。。第一次世界大战期间传布于欧洲各国。以尼采﹑柏格森哲学为根据认为未来的艺术应具有"现代感觉"并主张表现艺术家进行创作时所谓"心境的并发性"。未来派画家表现的是「速度」和「进行」 ，现代生活的「动荡」的感觉。
抽象主义。康定斯基的《点线面》抽象绘画其实包含多种流派，并非某一个派别的名称，抽象作风是打破绘画必须模仿自然的传统观念，1930年代和二次大战以后，由抽象观念衍生的各种形式，成为二十世纪最流行、最具特色的艺术风格。抽象绘画是以直觉和想象力为创作的出发点，排斥任何具有象征性、文学性、说明性的表现手法，仅将造形和色彩加以综合、组织在画面上。因此抽象绘画呈现出来的纯粹形色，类似于音乐。
达达主义。代表作马塞尔·杜尚的《下楼梯的裸女》达达画派(Dada)，是20世纪初产生的西方现代主义绘画流派之一。1916年，一批逃避战争来到中立国瑞士的青年会聚在伏尔泰酒店，建立了名为达达的艺术团体。达达形成了一场文学与视觉艺术的运动。"达达"是个杜撰的词，本身并没有什么特定的含义。达达主义攻击以往的文艺传统，包括20世纪初的试验性运动，以批判的眼光重新审视以往文艺的指导原则和美学观念。然而，在艺术方法上，达达主义者接受了未来主义的喧闹、立体主义的并置和任何艺术创造中都存在的偶然机遇。
至上主义。代表作卡济米尔·谢韦里诺维奇·马列维奇的《飞机起飞》至上主义或译作「绝对主义」），现代主义艺术流派之一，二十世纪初俄罗斯抽象绘画的主要流派。创始人为卡济米尔·谢韦里诺维奇·马列维奇。马列维奇强调至上主义是艺术中的绝对最高真理，它将取代此前一切曾经存在过的流派。人类社会可以以至上主义的原则进行组织和构建，进入新的历史发展阶段。
形而上主义。代表作莫兰迪的《静物》1917年初，基里科与未来派画家卡洛·卡拉结识，他们提出用"形而上绘画"称呼自己的作品，因为他们的画面把真实与非真实犹如缠绵的梦境融合在一起，所以称得上"形而上"。他们二人组成了形而上画派，加入他们的还有画家乔治·莫兰迪等。这个画派深受叔本华和尼采唯心主义的影响，但其中带有更多的弗洛伊德思想的影响，事实上他们比后来的超现实主义画派更早的体现了精神分析学中关于直觉、幻觉和潜意识的应用，作品中充满了神秘怪异的气氛，描绘的多为物体的稳固、无时间性和不朽性。
超现实主义。代表作米罗·恩斯特等米罗·恩斯特的《女人和鸟》超现实主义是在法国开始的文化运动，直接地源于达达主义，於1920年至1930年间盛行于欧洲文学及艺术界中。由法国作家Andre Breton （布列顿）发起。在巴黎先后发表两次《超现实主义宣言》，形成了超现实主义画派。认为“下意识的领域”，如梦境、幻觉、本能等是创作的源泉，主张从潜意识的思想实际中求得“超现实”。作品主要描写潜意识领域的矛盾现象，把生与死、过去与未来、真实与幻觉统一起来，具有恐怖、离奇、怪诞的特点。
行动画派。代表作波洛克的画作行动画派二十世纪40年代中期出现在纽约，也称抽象表现主义、塔希主义。抽象表现主义豪放、粗犷、自由的画风，反映美国人崇尚自由、勇于创新的精神，却也隐含现代人内心焦虑和苦闷的悲剧情调。波洛克为创始人。画面效果有接近中国书法艺术的趣味及美感。行动绘画的法文的同义词是(TACHISME)滴色主义。
波普艺术 。代表作安迪沃霍尔的《梦露》波普艺术 一种主要源于商业美术形式的艺术风格，其特点是将大众文化的一些细节，如连环画、快餐及印有商标的包装进行放大复制。20世纪50年代初萌发于英国，50年代中期鼎盛于美国。美国波普艺术的出现略晚于英国，在艺术追求上继承了达达主义精神，作品中大量运用废弃物、商品招贴电影广告、各种报刊图片作拼帖组合，故又有新达达主义的称号。集合艺术和偶发艺术一般也认为是波普艺术的两个支系。
极简主义。代表作艾伯斯的《正方形的礼赞》极简主义缘起于1960年代出现于美国纽约兴起的一种非写实绘画与雕刻，其理念在降低艺术家自身的情感表现，而朝单纯、逻辑的选择发展。极简主义又被称呼为ABC艺术（ABC ART ），是现代艺术中简化倾向的颠峰。此艺术风格乃集结了俄罗斯的至上主义和荷兰的新造形主义。虽然其基础来自欧洲，但是具大的外形、未标示的主题，以及「艺术作品应为客观事实」的概念却是纯美国式的。他们设想了三种处理艺术构成问题的方向：使它普普，使它极简，使它去物质化。
莫奈是梵高的偶像吗？
不是。
莫奈和梵高的人生并无交集。相较于同时代的阿尔丰斯穆夏已经享誉全球，莫奈前半生穷困潦倒，而梵高一生穷困潦倒。在那个时代底层艺术创作者在没有经济实力和名望的前提下，压根不会有平台让他们社交。当然高更和者梵高那样的偶遇除外。至于作品上的交集，两者都深受印象派之父马奈的影响，并在后世成了近代艺术史上最具影响力的两位艺术家。
为什么感觉当代油画家很少描绘“群像画”？
当代画家很少描绘“群像画”
二个一伙，三个一群，所谓的“群像画”就是画中有3个或3个以上人物的画，要注意的是画中有2个人+1头牛，这样的画都不叫“群像画”，群像画的主体是人，而不是物，问题来了：为什么感觉当代油画家很少描绘“群像画”呢？
稍微喜欢油画艺术的人都会知道，从欧洲文艺复兴时期开始，就有画家描绘“群像画”了，比如，波提切利的《春》，拉斐尔的《美惠三女神》；17世纪荷兰画家笔下的《夜巡》，19世纪法国画家安格尔的《土耳其浴室》也是“群像画”，“群像画”的题材从宗教神话到历史人物，
“群像画”的价值特色是让作品人物故事情节更丰富，画面视觉效果更饱满，“群像画”在油画艺术史上的地位是不可估量的，画家可以通过“群像画”更完整的叙述自己的表达意图；之所以当代画家很少描绘“群像画”，那是因为“群像画”的构图比较复杂，既要将画中每一位人物刻画得清晰完整，又要重点突出主体人物，
群像画中人物的关系，好比电影故事中的主角和配角，画家如何安排主角人物在画中所处的位置这是很讲究的，并非只是主角站“C 位”。当代油画家在人物关系处理上，欠缺经验，构图技巧水平不够，还有就是“群像画”的模特成本高（多个人物，就要多份的花费），于是就干脆描绘“单人画”来的直接省事，无论技巧，还是成本。当代画家李自健笔下的《南京大屠杀》是一幅写实性很强的“群画像”，也堪称名画，画面的光影效果处理恰到好处、对比鲜明，具有很高的挑战性，很多模仿。
穆夏风格是什么？
穆夏的作品吸收了日本木刻对外形和轮廓线优雅的刻画，拜占庭艺术华美的色彩和几何装饰效果，以及巴洛克、洛可可艺术的细致而富于肉感的描绘。
他用感性化的装饰性线条、简洁的轮廓线和明快的水彩效果创造了被称为“穆夏风格”的人物形象。
插画属于哪个画系？
插画涵盖得范围太广了。在学校，它属于传媒了，介于纯艺和设计之间。说白点其实就是画画，然而在于你自己本身是偏向艺术还是设计。
插画可以自然地跟任何别的专业媒介融合，纯艺绘画版画，平设影视游戏。先弄清楚这一点，再去想插画的运用，你会发现哪里都会有它。
日常中我们身边的广告，海报，漫画的扉页，影视剧的分镜，游戏中的人物场景设计，时装插画，还有最传统的插画的定义：书本杂志的插画，绘本、儿童绘本，等等。
然而装饰画重点就是所谓的装饰性。插画除了装饰性以外，可能还要兼容到故事性，设计性，情感思想等。
简单粗暴地拿出范图你就会明白：以下的皆属于插画等等等等(CG，日系动漫系相册里没有就不发了)装饰性插画↓(其后三张来自William Morris，除此外穆夏、Harry Clarke其实也属于装饰性很强的画家)其实中间的边界非常模糊，甚至可以说没有。
看你自己怎么看了。绘画领域中klimit、schiele，插画领域中Aubrey Beardsley等人的作品中也装饰性很强。
往往都不只是一个头衔，可以即是插画师，画家，设计师，动画师，视觉设计师等等。
人在变，画就会变。