点彩画代表作品，什么是点点画？
点点画是一种美术创作方式。它是用点、线、面等元素，通过点与点、线与线、面与面的组合和变化来表现形象、意境、情感的艺术手法。点点画强调精细、细腻的表现手法，能够展现出画家独特的思想和审美情趣。在中国传统绘画中，点画的技巧运用非常广泛，如国画中的砚墨山水、花鸟画中的细节表现，都需要点画的技法来完成。点点画在现代的创作中也有着很大的应用空间，可以充分展现细节和形态的精确性，增强作品的艺术感染力。
水彩明度调色方法？
一、混合法
把不同色相的颜料在色盘中用水调和，可不完全调匀，画到画面上去，使其趁湿混合形成需要的色彩。但必须注意调色种类不宜太多，否则色性和 色度会减弱和浑浊，色性冷暖不同;对比色颜色互相调和时，不要等量相调
二、融合法
将颜色在画面上直接调配，使之相互渗透或融合，获得所需的色彩。这种调色比较生动，色彩鲜明，一般适合于画大面积的色块，如天空、背景等。
三、重置法
在画面画上一遍底色后，再在上面加上别的颜色。第一遍颜色可有意识地画暖一 些，待干透后使用较冷的颜色轻轻罩上一层，使其冷色中透出一些暖色。也可先画冷色，再罩上一层暖色，根据实际情况而定，这样可使色彩丰富有变化。如画阳光 下的天空，为了能表现一定的阳光感和空气感，避免把天空画成单调的蓝色，不妨用用这种方法。画人的皮肤也可用此法。
四、并置法
将不同色相的颜色，经水调和直接运用色点和小色块并置在画面上。整体看时可得出另外的一种色彩，如黄色与蓝色并置，从视觉上可得出绿色。这种方法可使画面色彩更为鲜明、活泼，产生一种闪烁跳动的感觉。
水彩画颜料的调配技巧
一、颜料的稀释
单色颜料提高明度的方法是加水稀释，水多则颜料的明度高。颜料稀释后纯度降低了，如深蓝加水后变成浅蓝，颜色亮了但纯度不如原来的深蓝纯净。任何一种原色、间色和复色均可以用稀释的方法来提高明度，但往往在两色混合时，同时进行稀释。
二、颜料的混合
两种以上的颜料加在一起调匀就是颜料的混合。这是一般画种共同使用的方法之一。混合后的颜料出现一些新的颜色，如蓝与黄混合后产生新的颜色——绿色。通常情况是邻近色混合后新的颜色接近原来的颜色，如深蓝与普蓝混合后新的颜色具有原两色的性质。所以混合后的颜料色相有的变了，有的接近原来的颜料色相，同时新颜色的明度和纯度都有不同程度的变化。
三、颇料的重置
这是根据水彩颜料透明性的特点在使用上的一种特殊方法，即在一种颜色上加盖另一种颜色产生新的颜色，如黄色上加盖蓝色出现绿色，继而加盖红色时会出现一种灰色。重置颜色时一般要在原来的颜色干后再重置另一种色，否则就成了混合了。重置后的颜色在色相纯度明度上都有不同的变化。颜料的重置不是无限制地重置，应根据需要进行。
四、颜料的并置
两种以上的颜色并列在一起使用叫颜料的并置。并置的颜料保持各自原来所有的属性，靠颜料色光的关系取得画面上的色彩效果。西方的点彩画作品是这一色彩效果的范例。可通过小实验来验证这一方法的特征：将三原色以相同的块面均匀地并置在一张纸片上，然后将其远放在地面上，当你眯缝起双眼再看时、纸片是一种灰色。
梵高马奈莫奈德加等印象派画家为什么都受到浮世绘的影响？
答此题须图片自鉴，看官耐心点，自己评判。
欧洲画像，没绘画；中国及中国影响的地区，有绘画，没画像。
像，顶级的是照镜子，次级的是摄影，再次级的是雕像，而后是画像。
画，没第级式，不论啥手法材质质地，高高手第一，并列，再第二三的分档次。甚至天然石头.木桩也可列第一档次。
（这是绘画）
（这是画像）
（这是绘画）
（这是塑像）
（这是画像）
（这是画像）
（这是照片）
（这是绘画）
（这是画像）
（这是绘画）
（这是泥塑像）
（这是照片）
（这是照镜子）
（这是画像）
绘画依据脑心记忆的物与事，而划出来的图。
画像依椐镜子或照片内情景，而划出来的图。
（浮世绘，放大局部为特征）
（放大局部的浮世绘的绘画）
（强调细节的古中国绘画）
（强调细节的古中国绘画）
细节求精微的绘画法，日本仿去转为浮世绘。
（强调细节在中国本土发展成工笔画）
（强调细节的另一支发展成白描简笔画，这又分支出剪纸式图案法）
（强调细节的另一支向繁杂笔法发展，这引出苏州双面绣）
（双面丝线绣品）
中国古绘画法影晌日本，共传入欧洲，从而毕加索在中国学画人拜其为师时，说画在中国，拜我干啥之语，而没拜成，
欧洲明白啥是画时，突然出现印象派与意识流画派等。
（从而油画画像不再呆板）
但另一支发展成碎片式，又另一支发展成怪诞。
（立体几何派）
（怪诞意识流派）
悟空问答看后咱也在其上留上点啥。
点彩画代表作？
《大碗岛的星期天》,这是点彩画派最著名的代表作,也是芝加哥艺术博物馆的镇馆之宝 保罗·西涅克的作品 毕沙罗的作品
马蒂斯和毕加索二人以及艺术的特征？
马蒂斯和毕加索， 这两位大师第一次见面是在1906年，尽管他们的个性、政治观点和艺术风格截然不同，但两人却成为终生挚友。曾在非洲长时间居住的马蒂斯把非洲艺术介绍给毕加索，这对毕加索立体派的画风产生了很大影响。马蒂斯也特别推崇毕加索的立体派画作。
马蒂斯（1869-1954年）是野兽派当之无愧的领袖人物。但“野兽派”时期只不过是马蒂斯艺术生涯中的一个短暂时期，马蒂斯的独特风格则主要是他在“野兽派”时期之后渐渐形成的。马蒂斯认为艺术有两种表现方法，一种是照原样摹写，一种是艺术地表现。他主张后者。他说:“我所追求的，最重要的就是表现...，我无法区别我对生活具有的感情和我表现感情的方法。”马蒂斯一生都在做着实验性探索，在色彩上追求一种纯单纯原始的稚气。他向东方艺术吸取了许多平面表现方法，画面富于装饰感。在学习东方艺术的过程中，他从原来追求动感、表现强烈、无拘无束的观点，渐渐发展成追求一种平衡、纯洁和宁静感。他后来自己评价自己的作品说:我的作品“好象一种抚慰，象一种稳定剂，或者象一把合适的安乐椅，可以消除他的疲劳。”马蒂斯认为无论是和谐的色彩或不和谐的色彩，都能产生动人的效果。他还认为，色彩的选择应以观察、感觉和各种经验为根本。“色彩的目的，是表达画家的需要，而不是看事物的需要。”
毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。他有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。在他一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。
《带绿色条纹的肖像》
充分反映了马蒂斯野兽主义画风的特点。虽然此画的色彩极其浓重和强烈，但整个画面却显得十分沉静。这里的色彩完全是主观感受的产物，而绝非客观的如实模仿。
在这幅画中，马蒂斯在人物面部的正中央画了一道绿色粗线；这条线成了全画的核心。不仅整个脸部的造型结构紧紧依附着这道绿线，而且，画中诸多要素都是靠着这道线而得到统一和平衡。
这道绿线，还将头像与绿色的背景联系起来，使头部不会因为其一道道的红色和橙色块面，与绿绿色背景拉开距离，而破坏画面的平面感。
毕加索《亚威农的少女》
这副画可谓是第一件立体主义的作品。画面左边的三个裸女形象显然是古典型人体的生硬变形，而右边两个裸女那粗野、异常的面容及体态，则充满了原始艺术的野性特质。
画面显示的空间其实非常浅，以致该画看起来好象表现的是一个浮雕的图像。毕加索有意地消除人物与背景间的距离，力图使画面的所有部分都在同一个面上显示。
毕加索《罗马尼亚人的上衣》
该画中具有罗马尼亚风格的花纹，以及很有韵味的女人，蓬松的上衣，虽然只是简单的几条线，想要画准并不是一件简单的事情，在执行的过程中，却是有了第一道坎，那就是女人的头发，右前后的叠加，也有层次的穿插。第二道坎是，女人上衣的外轮廓。看似简单的女人，铅笔稿却是反复修改的结果。
毕加索作油画《格尔尼卡》
毕加索作油画《格尔尼卡》抗议德、意法西斯对西班牙北部小镇格尔尼卡进行狂轰滥炸。这幅画是毕加索最著名的一幅以立体主义、现实主义和超现实主义手法相结合的抽象画，剧烈形变、扭曲和夸张的笔触以及几何彩块堆积、造型抽象、表现了痛苦、受难和兽性，表达了毕加索多种复杂的情感。
马蒂斯晚年一直受疾病折磨，但应坚持剪纸艺术的创作，或卧在床上或坐在轮椅上，专心致志地从预先涂好颜色的纸张中剪出各种形象，作品依然充满大胆、完美和开朗乐观的精神，很容易让人联想起野兽派时代他对形式美的热恋与执着。1907年野兽派经历了一场危机，面对伙伴们一个个背弃野兽派宗旨而去，马蒂斯反而坚定信念，并在尔后近半个世纪的艺术生涯中格守不渝，成为唯一终生保持野兽派画风的人。
毕加索毕生致力于绘画革新，利用西方现代哲学、心理学、自然科学的成果，并吸收民族民间艺术的营养，创造出了很有表现感的艺术语言；他的极端变形和夸张的艺术手法，在表现畸形的资本主义社会和扭曲了的人与人之间的关系方面。有独特的力量。很多时候他给人的感觉就是一个勇士，尤其是二战期间，他的大量作品都反映了他的政治立场和不畏强暴的反抗精神，这些无疑增添了毕加索的人格魅力。
康定斯基说： “马蒂斯：色彩；毕加索：形式。两个伟大的流派，一个伟大的目标。”这两位大师，不仅给我们留下了精彩的画作，还留下动人的故事。