波洛克代表作品赏析，有哪些重要的超现实主义画家？
众所周知，超现实主义作为一个文学流派，实际存在的时间并不很长，但在艺术领域，其作为一个重要的美学艺术流派，却产生了深远的影响。而在超现实主义艺术流派的发展中，艺术家也从中产生了重要作用。今天《艺术市场通讯》就为大家来盘点超现实主义流派中那些具有代表性的艺术家。
达利达利是西班牙的超现实主义画家，他在把梦境的主观世界变成客观的形象方面，为超现实主义、20世纪的艺术做出了巨大的贡献。作为西班牙超现实主义画家和版画家，达利一直以探索潜意识的意象而闻名。年轻时，达利曾经在马德里和巴塞罗那学习美术，其间，他的作品反映出多种的艺术风格，也显示出他作为画家的非凡才气。《记忆的永恒》直到20世纪20年代末期，达利的画风才日趋成熟。首先是他吸收了西格蒙德·弗洛伊德（Singmund Freud）的思想理念，弗洛伊德曾在关于性爱对于潜意识意象的重要著作说过：“当我们的清醒头脑麻木之后，潜藏在身上的童心和野性才会活跃起来。”其次是他结交了一群才华横溢的巴黎超现实主义者，这群艺术家和作家正努力证明着人的潜意识是超乎理性之上的“更为重大的现实”。《十字架上的基督》为从潜意识心灵中产生意象，达利开始用一种自称为“偏执狂临界状态”的方法，在自己的身上诱发幻觉境界。达利发现这一方法后，画风异常迅速成熟，1929－1937年间所作的画使他成为世界最著名的超现实主义艺术家。《内战的预兆 1936》在达利的作品中，我们还能发现一个特点就是：他把现实世界中不连贯的片断混合在一起。 达利喜欢描绘梦境中的景象，以一种稀奇古怪、不合情理的方式，将普通物像扭曲或者变形。达利对这些物像的描绘精细入微，几乎达到毫发不差的逼真程度，通常将它们放在十分荒凉但阳光明媚的风景里。在这些谜语一般的意象中，最有名的大概是“记忆的永恒”。《蜕变的永恒的记忆》在艺术创作上，达利毕生孜孜不倦地、准确地刻画着自己真实的内心世界。因为他相信，惟有借助于艺术创作，才能使他自己的潜意识恣意驰骋，才能使他自己摆脱人类理性的束缚。他沉醉于梦境和幻想的世界里，梦想与现实的落差常常引发的冲突，似乎引导达利走上了超现实主义的道路。正如他的作品《奇境中的艾丽斯》中的艾丽斯一样，达利经历了漫长的梦之苦旅，但是达利始终坚信，只有梦才能真实地、准确地、有意义地表现其个性。《奇境中的艾丽斯》
马格利特马格利特是比利时的超现实主义画家，画风带有明显的符号语言，如《戴黑帽的男人》，他影响了今日许多插画风格。马格利特出生于埃诺省莱西纳，是裁缝父亲内浦马格列特的长子，母亲则做女帽的销售。童年时常常搬家，10岁时就开始学画，1912年母亲投河（桑布尔河）自杀，原因不明。当其母亲的尸体被捞上来时，马格列特当时在场，母亲浮尸时被衣饰覆盖著脸部在他脑海中留下深刻印象，这令他在1927年至1928年所的画的人物也是被衣布覆盖著脸孔，包括《爱人》，但他本人并不喜欢这个解释。the lover马格利特青年时曾在布鲁塞尔艺术学院就学两年，1918年毕业后在壁纸工厂负责花纹设计。1919年，他开始对未来主义和奥费立体主义产生兴趣，并受到大他十岁的意大利画家基里诃的影响，开始了超现实主义的风格。1922年他与童年玩伴乔吉特·伯婕结婚。1926年，他开始全职绘画，并于同年画成《迷失的骑师》，为第一幅超现实主义作品。并在1927年在布鲁塞尔举行首次的个人画展，但遭到大量侮辱性的批评，这次失败使他感到郁闷，于是他决定移居巴黎。《迷失的骑师》《the double secret》1927年到1930年间，马格利特移居到巴黎。在这期间，他认识了安德烈比图，并加入了超现实主义者的行列，大量创造出具有神秘语意的迷人画作，同时也为许多时装海报或乐谱封面进行商业平面设计。1936年他的作品曾到美利坚合众国纽约展出，后来又在1965年现代艺术博物馆、1992年大都会艺术博物馆举行回顾展。《人类之子》《the key to fields 》晚年的马格利特定居在比利时布鲁塞尔。1967年8月15日因胰脏癌病逝，死后葬在苏哈比公墓。自1960年代起，马格列特的作品引起公众的高度兴趣，更影响普普艺术、简约主义及概念主义。在2005年，他被列举为“大比利时人”瓦隆区的第九位，在佛罗明区的第十八位。米罗米罗（Joan Miró，1893年4月20日—1983年12月25日），西班牙画家、雕塑家、陶艺家、版画家，超现实主义的代表人物。是和毕加索、达利齐名的20世纪超现实主义绘画大师之一。《蓝色二号》（1961年）《加泰罗尼亚风景》（1924）米罗的超现实主义绘画具有鲜明的个人风格：简略的形状、强调笔触的点法、精心安排的背景环境，奇思遐想、幽默趣味和清新的感觉。米罗的创作表现方式是有意的打乱知觉的正常秩序，在直觉式的引导下，用一种近似于抽象的语言来表现心灵的即兴感应。因此在它的作品中会有象征的符号和简化的形象，使作品带有一种自由的抽象感，也有儿童般的天真气息。主要的作品有《向鸟投石子的人》、《荷兰式家居室内》等。米罗艺术的卓越之处，并不在于他的肖像画或绘画结构，而是他的作品有幻想的幽默--这是其中一个要素。另一个卓越之处就是，米罗的空想世界非常生动。他的有机物和野兽，甚至他那无生命的物体，都有一种热情的活力，使我们觉得比我们日常所见更为真实。《向鸟投石子的人》《荷兰式家居室内》米罗是非常多产的，画风始终如一而又多样变化。以至想要一般性地追述一下都十分困难。早期作品受塞尚、梵高和毕加索及野兽派画家的影响，作品或带有极为精雅的色彩和线条的运动，或具有立体主义的作风。在1920年代中期，他在他的新天地中，探索了非常困难的一些方面，从《哈里昆的狂欢》的复杂性，到《犬吠月》和《人投鸟一石子》这类作品非常有魅力的单纯性。1928年，他访问了荷兰，受到荷兰少有的几个大师的影响。他制作了一系列的绘画，题名为荷兰的室内，那是从真实到幻想变形的实例。《哈里昆的狂欢》马克斯·恩斯特马克斯·恩斯特是德裔法国画家，雕塑家。恩斯特被誉为“超现实主义的达·芬奇”，他在达达运动和超现实主义艺术中，均居于主导地位。他的作品所展现的丰富而漫无边际的想象力，对世界的荒诞之感，汲取自日耳曼浪漫主义和虚幻艺术的梦幻般的诗情画意氛围，令全世界惊异不已。这位不知疲倦的发明家不断地更新着自己的表现手法：他运用拼贴画、摩擦法、拓印法和刮擦法，致力于创造一个多变、彩色的虚幻世界。被誉为具有颠覆性的创新艺术家。《Imperator, 1923》《Fish Fight, 1917》恩斯特的父亲是一位教师和业余画家，他的创作给了恩斯特以一定的艺术熏陶。恩斯特在童年时受到了古都怪异传说的影响，加上自身的敏感，产生了各种幻觉。这些都成为了他日后进行幻想性绘画创作的源泉所在。恩斯特曾在书中记录过幼时体验的幻觉及特质，幻觉是他艺术表现的基础，对他的艺术发展产生了重要的影响。恩斯特还曾在波恩大学学习尼采和弗洛伊德的思想、艺术史、以及德国文学。他对当时新兴的精神学极为感兴趣，经常出入于精神病院，对患者进行仔细的研究。《 Crucifixion, 1913》1919至1921年，恩斯特创作了达达主义的物件拼贴画、素描以及照片镶嵌画作品。他同让·阿尔普和约翰内斯·巴尔盖德共同创作出一种“集体拼贴法”，预示出了所谓的“优美的尸体”。1920年，他遇到了保罗·艾吕雅，并为后者的诗歌创作了插图，并将未来的超现实主义者们搬上了画布《在朋友的会面中》。自1923年起，他使用“意识流记述法”进行创作，力图展示出一个超现实主义的世界。上世纪20年代，出现了所谓“幻觉主题”，在恩斯特的作品中也产生了共鸣。他利用色彩和变形的手段，创造出了梦幻般的景致：“充满了植物与动物遗迹的凝结物。”同时，他还描绘被撕碎的形体，离奇的动物及幽灵般的女性形象。《Family Excursions, 1919》《Aquis Submersus, 1919》1925年，他首创擦印画法，用薄纸描摹出板材表面的凹槽，以此来“激发视觉的能力”。恩斯特逐步使用其他方法，创作了刮擦画、纸贴画和小说拼贴画及移印画等1942年，当他在美国时，通过《被一只飞起的非欧几里得几何的苍蝇所惊呆的年轻人》这部作品，创造出一种名为“浇筑”的技法，后来被杰克逊·波洛克所系统地使用。恩斯特还钟情于美洲印第安人的艺术和面具造型，将其形式融入于自己的作品之中，创作了如《星空下的舞者》等作品。保罗·德尔沃保尔·德尔沃属于第二代的比利时超现实主义画家。他的大半生是在布鲁塞尔度过的。第二次世界大战前，曾接受16世纪意大利风格主义绘画的影响，加上他早年画过一些古典建筑，使他后来在超现实主义这条道上，构成自己独特的表现风格。 大约于1935年，他参加了超现实主义行列。最初受西班牙画家萨尔瓦多·达利的影响，后来又全力追随意大利画家契里柯的梦游神式的幻景。此外，比利时人马格里特也是他崇拜的画家之一。他一生所画的题材总离不开两个因素：一是文艺复兴以来的透视表现；二是以维多利亚式的古典建筑为背景，把事物处理在不可思议的时间、地点和空间里，让人观后隐隐感到有一种幻想欲望。保罗·德尔沃 《民众的呼声》 1948年 比利时1962年 所有的灯他曾长期探索自己的艺术道路.直到1935年前后,他一直徘徊于新印象派和表现派之间。在该时期中,受乔治·德·基里柯和和内·马格利特的双重影响在使他明白自己处境的同时，还促使他加入了超现实主义派。从那以后,他的目的不再是重现外部世界,为它录下真实的形象,而是发掘自身生活深处的亲切、秘密方面.客观现实只有在作为他梦幻的环境时，才会引起他的兴趣。就是在梦幻之中,产生了地点和人物的奇特相遇.无论是它们之间的关系,还是它们的相互对比,都成为往往郁郁不乐的诗歌。庙宇，月亮城，马路或公共广场，无家具的房间，在这些环境中,我们看到同一类型的妇女。她们年青漂亮,时而裸体，时而穿着镶有花边和树叶的衣服，或者大褶长裙。这种人物形象时时萦绕在画家的心头。1951-1952 磔刑图1941年/月之位相II他的全部作品除去几幅草图都在满足他接近一个理想人物的要求。由于形势的反常和颠倒，这一理想人物似乎在追赶他，而未能与他会合。超现实主义，这一动员本能和下意识去进行的人的解放运动,在表现方法和绘画技巧上，因自称为该派成员的画家情况不同而存在很大差异。德尔沃的风格比马克斯·恩斯特或若安·米罗要现实很多，与基里柯相似。不过,基里柯的技巧是生硬的，朴实无华的，故意画得可怜巴巴的；德尔沃则是位抒情诗人，严守弗拉芒祖先对和谐之形的爱好。他画得很仔细,不过,过多的细枝末节，小故事,过分加工的背景，有时分散了他对鲜艳色彩的热爱。一些非常漂亮的水彩画使他的艺术可以说在方法上是古典主义，思想上是超现实主义变得更加完整。伊夫·唐吉伊夫·唐吉是法国早期超现实主义画家，他的作品对许多著名的艺术家和思想家都有影响，包括野口勇，David Hare和罗伯特·马塔。伊夫·唐吉，全名是雷蒙德·乔治斯·伊夫·唐吉，于1900年1月5日在法国巴黎出生，在年幼时与亨利·马蒂斯的儿子皮埃尔结识。Jamais plus (Never Again) 1939The Rapidity of Sleep 1945他的超现实主义风景，让人联想起乔治·德·基里科，将心理学和个人象征主义的主题与具体、精确的意象相结合。与其他超现实主义者不同的是，他呈现的是高度的自然主义和现实主义，实现了具有可信度的幻想的场景。他最著名的作品之一是《Mama, Papa is Wounded! (1927)》，这是一个灰蓝色的构图，上面描绘了一个神秘的荒原，表现了第一次世界大战后世界的焦虑。Mama, Papa is Wounded! 1927在谈到他的艺术创作过程时，他说:“这幅画在我眼前发展，在发展的进程中伴随着惊喜。正式因为这样，我才有了完全自由的感觉，因此我无法预先制定一个计划或做出草图。”怎样体现油画作品的神秘美？
谁说油画作品一定就是神祕美？这完全是非专业的问答！该怎么回答你呢？什么才称为“神祕美”？前四幅油画是广美油画系教授吴正斌先生的作品，我觉得颜色非常鲜明，造型准确。一点都不神祕。后两幅是已故诗人艾青之子艾轩画的藏女。他善于刻画藏女美丽的形象，忧郁而又清澈的大眼晴令人过目不忘。那些对油画不了解的人才觉得神祕，有许多很美的女裸体，我不敢发上来，怕又背上黄色，低俗之名，又要换画就麻烦了！国人对油画是看得少，才感觉神祕，油画的色彩丰富多彩，刻划精到，极具张力，色彩，造型是油画旳灵魂。而不是什么“神祕美”。
该如何选择性的欣赏呢？
毋庸置疑的事情，古今中外那么多艺术家，自然艺术作品也多的数不过来，我们不说有多少种艺术，就仅是绘画艺术这一类的作品，都可以让我们看到眼睛酸痛，以至于很多人常常会说，现在艺术作品那么多，该如何有选择性的欣赏呢？
欣赏名师名作当然了，这名师名作是有前提条件的，并不是那些类似于娱乐明星的“名人艺术”，比如某某明星画的画、写的书法，就没必要多花时间和精力去欣赏了，毫无夸张的说，几乎这些名人作品都没有什么艺术价值的，毕竟不是专业画家或者专业书法家，
如果一个十年如一日在练习书法和绘画的人的作品还不如那些“三天打鱼两天晒网”的名人艺术作品的话，那艺术就没得救了，专业还不如职业，那简直就闹出笑话了啊，不论你承不承认，艺术不像人一样可以装模作样，如果你是真正的热爱艺术，是绝对只会去欣赏专业画家的作品的，
虽然有些专业画家的名气并不是很大，但是笔下作品还是有欣赏的亮点的，至少，其作品的情感是实实在在的，对绘画艺术没有虚情假意，庸俗一点说，画画是一个专业画家的“饭碗”，没有人愿意弄虚作假导致把自己的“饭碗”砸掉吧，没有“名人效应”，只有依靠“真才实干”才行啊，
综上所述，欣赏艺术作品一定要有选择性、针对性，以欣赏专业艺术者的作品，如果有条件的话，尽量多去欣赏那些著名艺术家的艺术作品，比如，可以去博物馆里面欣赏，因为那些所谓的高仿赝品是不至于出现在博物馆里面的，当然了，最好去巴黎卢浮宫，都是时间悠久的世界名画。
艺术是不是只要艺术家才能创造出来？
艺术是通过塑造形象反映社会生活的一种社会意识形态。艺术形象地反映人们现实生活和精神世界，满足人们的审美需求。
艺术源于生活而高于生活，很多成功的艺术创作就取材于生活的点滴，但，艺术不仅是简单的创作，它很可能还是一种文化的传承形式，蕴含优秀的文化元素，承载深厚的社会背景，对一些社会现象的集中体现。
艺术的创作，不仅需要拥有一定的艺术造诣，还需要有好的文化涵养，还需要有别具一格的审美，还需要有对社会生活的敏锐洞察力，还需要有很好的创作灵感等，我想可以具备这些条件的也不一定都是艺术家，优秀的艺术创作并非都是自艺术家的手笔！
而且觉得艺术家精心创作的抽象画就像是随意的涂鸦？
抽象艺术主要分成两大类，一是几何抽象〔或称冷的抽象〕，以蒙德里安 (Mondrian) 为代表；另一为抒情抽象〔或称热的抽象〕，以康丁斯基〔Kandinsky〕为代表。如果你有留意，会发现在你身边有许多中高产阶层都会对抽象艺术有一种莫名的好感，时不时就会提到这两位艺术家的名字，而你却在欣赏或者听闻这些画时表现的一头雾水。今天，就要给大家敲黑板划重点了，以下几位抽象艺术的代表人物大家可要牢牢记性，他们的作品特点与创作理念有助于你了解学习抽象艺术的构成哦~
蒙德里安荷兰画家蒙德里安是几何抽象画派的先驱，与德士堡等组织“风格派”艺术运动。他提出自己的艺术是“新造型主义”，认为艺术应根本脱离自然的外在形式，以表现抽象精神为目的，追求人与神统一的绝对境界，亦即今日我们熟知的“纯粹抽象”。蒙德里安早年画过写实的人物和风景，后来逐渐把树木的形态简化成水平与垂直线的纯粹抽象构成，从内省的深刻观感与洞察里，创造普遍的现象秩序与均衡之美。他崇拜直线美，主张使用最基本的绘画元素(直线、直角、三原色)组成抽象画面，他认为透过直角可以静观万物内部的安宁。在生命的晚年蒙德里安移居美国纽约市，在这五光十色的大都会，蒙德里安感受到没有战事纷扰的世界，在纽约创作的作品比过去更为明亮、更为抽像，反映了纽约的现代经验。他融合了过去不同时期作品风格加以延伸，色彩、线条呈现轻快的律动，画面的音乐性在此达到至高境界。蒙德里安对之后抽象艺术的发展有非常大影响。康定斯基绘画由具象、变形，演变为纯粹的抽象，艺术主体从反映客观对象逐渐演化为表现主观意志。正是在这样背景下，俄罗斯的康定斯基发表了具有抽象主义宣言性质的理论著作《论艺术中的精神》。在这本书中，康定斯基第一次系统地阐述了抽象绘画理论。他一开始就宣称，时代的变化要求艺术形式进行相应的革新，20世纪的艺术已经不可能复原古希腊艺术，否则作品将毫无生气，因为时代在变化。他在书的卷首第一行就说：“任何时代的艺术品都是自己时代的孩子”。他认为，只有纯粹的艺术家，力图在自己的作品中只传导内在的和本质的东西，才能找到与这一时代精神相适应的艺术形式。在康定斯基看来，具象是“物质的真实”，而抽象则是“精神的真实”,完全等同于音乐中的真实。而物质只不过是蒙在精神表象上的一层迷雾。康定斯基在书中进一步指出：“艺术家必须对思想感情有所传达，掌握外形并非目的，而要代之以符合内涵精神的形象。”在这样一个精神领域中，康定斯基将抽象绘画中的色彩运用类比音乐中的音符，在他看来, 色彩同样具有音响和旋律效果，甚至具有交响乐般的震撼力量。用色彩来展现音乐中的心灵震荡的效果，并直接达到精神深处，是那些只将眼光盯着客观世界的艺术家们所不具备的能力。这是一种直接倾听和再现“内在声音”的能力。抽象绘画是超越于古典艺术之上的只表现“内在声音”的艺术新形式。在包豪斯期间，他进一步撰写了《形式问题》、《具体艺术》、《点、线、面》等有关抽象艺术的论文。有趣的是，他在莫斯科期间，曾有一位名叫马列维奇的学生听了他的课，受到康氏抽象绘画理论的影响，创立了“至上主义”。马列维奇1912年俄国艺术家马列维奇创立的“至上主义”，彻底抛弃了绘画的语义性及描述性成份，也抛弃了画面对于三度空间的呈现。那些平面的几何形，不具有丝毫的体积感和深度感。在马列维奇的作品中，那些几何构图自由而奔放，在画面上形成一种旋转的或离心的动感。对马列维奇来说，一个方形本身就具有一种独特的表现性个性，一切具有自身表现性特点的要素统统要排除在绘画之外，构图的全部重点是不带任何感情因素的直角系统。马列维奇倾向于选择最简单的形式，如方块。他不断探索着形体、色彩与空间的关系，并断言：“如果想成为真正的画家，那么画家必须抛弃主题与物象。”以这句箴言而付诸实践的至上主义代表作《黑色正方形》，成为了现代艺术的关键之作。这是一幅绝对抽象的油画作品。马列维奇自己视此为艺术中纯粹创造的第一步。这是一幅对客观世界进行否定的至上主义作品，从这幅绘画开始，马列维奇展开了构筑“无物象的世界”。在马列维奇的绘画中，真正做到“写实主义”，就是绘画要只为自身而存在。也就是说，创作仅仅存在于绘画本身，其所包含的造型并非借自于大自然，而是源于绘画的质与量。所有的至上主义艺术的基本造型都源自于方形，长方形是方形的延伸，圆形是方形的自转，十字形是方形的垂直于水平交叉。克利人们都说，喜欢克利容易，读懂克利很难。他被誉为二十世纪变化最多、最难以理解和才华横溢的杰出艺术家之一。“没有专制，只有自由的呼吸。”这是克利在论及康定斯基的抽象艺术时说过的一句话，克利在表现主义、立体主义、构成主义、未来主义画家的作品中汲取营养，但始终与各种主义和风格若即若离。他或许不属于任何一派，始终以清醒的自知保持独立。这个既浪漫又神秘的人。他把绘画或者创作活动，看作是不可思议的体验，在这个体验过程中得到启发的时刻，内心的幻象和对外部世界的体验因此结合起来。不管怎么看克利所使用的艺术语言，或具象形象或抽象符号，都是来自他对客观事物的感受，是从客观形态的认识中提炼加工而成的。在创作过程中，画家自身各种素质起了作用，他企图运用创造的语言表现自己的思想情感。威廉·德库宁威廉·德·库宁，简称德·库宁，荷兰籍美国画家，抽象表现主义的灵魂人物之一，新行动画派的大师之一。在他创作生涯中，人体成为其绘画创作的主体，加以风景及书写的符号来发展他的抽象世界。他将欧洲立体主义、超现实主义与表现主义的风格融于自己大而有力的绘画行为之中，把激进艺术的理念融化在自己的艺术世界里。即使是极端的绘画作品也具有艺术美感，试图唤醒人们心中一种与所有生命事物的内在关联感。但是严格来讲，德库宁不是“纯粹抽象”画家，即使在他一些最抽象的风景画中，我们也能感受到“自然”的痕迹。但他也许是美国“抽象表现主义”画家中最名副其实的一位。在他晚年的作品中流线性笔触终于替代了自然痕迹。马克·罗思科马克·罗思科的作品通常是几个空白的长方形画在涂了色的背景上，边缘并不明确，因而它们的空间位置也是模棱两可的。这种空间感也是我们在波洛克的作品中所熟悉的，找不到有深度的空间，而这种很浅的空间忽远忽近，不可捉摸。色彩之间的相互关系因为长方形空间而起作用，造成一种温和而又有节奏的脉动感，不清晰的交界处隐隐地藏住很多耐人寻味的东西。罗斯科认为自己不是抽象画家，他更注重精神的表达。他说：“我对色彩与形式的关系以及其他的关系并没有兴趣……我唯一感兴趣的是表达人的基本情绪，悲剧的、狂喜的、毁灭的等等。”他要在西方的传统文化中找到今天西方文明的根。他认为现代人的内心体验没有离开从古至今的传统，因此要表现精神的内涵需要追溯到希腊的文化传统中去，尤其是希腊文明中的悲剧意识，这是最深刻的西方文化之源。在他画出成熟的抽象画之前，他对希腊、罗马艺术投注了很多的注意。从希腊传统中他吸收了希腊悲剧精神中的人与自然的冲突，个人与群体的冲突的矛盾状态。在他看来这些冲突概括了人的生存的基本情形。由于他追求表达的清晰，追求去掉一切与观念无关的东西，他最后发展出了一种全黑的画面，在黑色中他找到了和他的悲剧意识完全吻合的形式，而且是不可再简的形式。波洛克波洛克生于怀俄明州，是20世纪美国抽象绘画的奠基人之一。他的作品被视为二战后新美国绘画的象征，也是美国艺术脱离欧洲文化以后最具新美国方式的代表。波洛克的创作过程与众不同，他一改过去艺术家在画布上的描描画画的传统，他把自己的作品题材解释为绘画自身的行动。他的创作并没有开始的草图，而只是由一系列即兴的行动完成作品。他把棍子或笔尖浸入盛着通常是珐琅和铝颜料的罐子中，然后把颜色滴到或甩到平放于地面的画布上，凭着直觉和经验从画布四面八方随意在画布上泼洒颜料，任其在画布上滴流，创造出纵横交错的抽象线条效果。波洛克有时还用石块、沙子、铁钉和碎玻璃掺和颜料在画布上摩擦。他摒弃了画家常用的绘画工具，绘画时完全摆脱受制于手腕、肘和肩的传统模式，行动即兴、随意，这些留在画布上纵横交错的颜料组成的图案具有激动人心的活力，记录了他作画时直接的身体运动，于是观众可以分享到创造这些色迹的经验。这种方法被称为行动绘画或抽象表现主义。波洛克最辉煌的时刻开始于1950年，单是这一年他就创作了《秋天的韵律》、《第32号》和《第1号》三幅作品。但波洛克并不以一位成功者自居，反传统创作的精神激发了他的灵感，但自我封闭的个性加上对社会、对文化的不满，将他一次次推向痛苦的深渊。他一生穷困潦倒，终日以酒为伴。1956年，在一场车祸中，44岁的波洛克走完了短暂的一生。弗朗兹·克兰弗朗兹·克兰的作品也是如波洛克一样属于动态性的。40年代，他热衷于线描，特别习惯于画小幅的黑白速写和细节，他在细节中研究单一的母题或空间关系。1949年的一天，他用幻灯机放大一些速写，这启发他发展了自己特有的风格：在白色画布上，一些大尺度的黑色线条，除了线条，别无其他，更没有具象的东西。画面中的空白与强有力的黑色笔触一以生动，甚至某些飞白看起来更有意味。人们看他的作品，也能理解“行动绘画”的含义，笔的运行在作品中显得十分重要，徐、疾、通、滞、进、退、转、折，这一点与中国的书法产生了暗合。不管他有没有受到东方书法的影响，他的画在“计白当黑”的原则上与东方的书法是一致的。而且在削尽冗繁，只取黑白两色，以少胜多，达到更有深度的美--这样的美学趣味与东方的书法艺术十分接近。克兰最初的大规模的黑白抽象画作于1950年，特点是笔触大而粗犷，但由控制，还有强有力的建筑式结构。他的结构对60年代构成主义雕塑家产生了重大影响。他在50年代后期开始尝试使用色彩，在他去世前的那一年(1962)，色彩才开始在他的作品中起重要作用，但结果不一定可喜，似乎色彩在他那由构图表达的意念中无关紧要，而只是一种装饰罢了。巴内特·纽曼纽曼是抽象表现主义画派中色域绘画的代表人物，也是“极简艺术”的先驱。他的画通常是在大片色块上画一两根垂直的线条，这种线条犹如拉链，将平坦的底子分割为相互呼应的色块。纽曼的这种画风始于1948年。当时，他创作了一幅由深红底子和红色线条所构成的作品，并深受启发，“我意识到这里很有些名堂，使我可以有一个新的开始。”色块的大小、明暗、色彩，线条的位置、粗细、肌理，可以形成无数种可能性。纽曼在这无数种可能性中费尽心机，有时，花在推敲线条位置上的时间，竟会长达好几个星期。那看似简单的画面其实非常复杂，体现了他的哲学观念。在《新美学前言》中，纽曼这样写道：“除空间以外，最喧嚷的是什么？……我的绘画既不关心空间的摆布，也不关心形象，而是关心时代的感觉……”赛·托姆布雷托姆布雷以绘画与书写的角度提供了一种对于现代艺术理解的方式。托姆布雷的绘画，其实只是一种表征，其内置的气质实质上是来自书写的。即，书写才是一切表征所来源的内容。托姆布雷把文字书写归入图形圈画，他不像中国古人将对文本承载内容的体悟，融入书写的线条和文字的结体。在托姆布雷的圈画中，他所动用的文字，只能被辨认出是文字，却没有具体意义。它们清晰晓畅，在视觉上没有任何模棱两可的难以识读感，却没有实质意义。托姆布雷的书写是一种对意识的极度降解，书写和绘画的“有意识”同时被降到最低，以服从于直觉。于是，在人的行为进行过程中，在人的意识的最低处，写作和绘画这两种行为汇合起来——这个汇合点，却处于直觉的最高处。这类形式的降解，甚至使当年宣称的“无意识行为”的20世纪超现实主义的“自动写作”和“梦的图像”，成了其自身的反动，成了极有意识的清醒活动。托姆布雷的绘画对文字（或者文学）的乡愁，不是深入的，而类似表面摩擦。当他反复书写某位古代诗人的名字或者某行古老诗句时，他在呼唤，这种呼唤在松散的书写和松散的摩擦声中单调重复，好像是对某个极大极空的文化观念的呼唤。摩擦声传至各处的回响交至为不稳定隆隆杂响，肃穆而衰败，好像圈画出的墓文。如何欣赏世界名画？
感谢邀请回答
十大名画贾明
世界拥有许多作为杰作而建立的艺术作品。每一部杰作都有它的追随者和崇拜者。此外，也许这些画作的标价可能更高或更低，但艺术价值是无价的。
因此，很难选择前十名，因为每一幅名画都有自己的遗产和独特性。但是，被迫选择，这里是世界十大名画之一。
10. 惠斯勒的母亲詹姆斯·麦克尼尔·惠斯勒
惠斯勒的母亲在罗文·阿特金森的电影《豆》中亮相，很容易被人们认出。这是1871年美国出生的艺术家詹姆斯·麦克尼尔·惠斯勒的油画。它的官方名称是安排在灰色和黑色，但成为著名的当前名称。这是艺术家的母亲安娜·麦克尼尔·惠斯勒的描写。艺术作品在美国文化中非常流行，在众多的展览、电影和嘲弄作品中都有出现过。美国邮局发行了一枚印有惠斯勒母亲形象的邮票，成为"母亲"和"家庭价值观"的象征。由于其名气和艺术成就，它有时被称为美国图标和维多利亚蒙娜丽莎。目前，它位于巴黎奥赛博物馆。
惠斯勒的母亲
9. 埃德瓦德· 蒙奇的尖叫声
《尖叫》充满了沮丧、悲伤和敬畏，是挪威画家埃德瓦尔德·蒙奇于1893年创作的一幅画。最初，它有四个版本，一个涂和其他三个蜡笔。
除了艺术和情感价值外，金钱价值也很高。2012年，第四款柔和的唱片在一次拍卖会上以破纪录的119，922，600美元成交。这就是许多艺术品盗窃者对这幅画感兴趣的原因。过去，不同的版本被盗，但现在所有版本都安然无恙地被找回了。还有一幅代表这幅画的挪威邮政邮票。以它在一般文化中的名气，有一些电视连续剧和书籍，其中包括他们的故事中的绘画。
尖叫声
8. 美国哥特式格兰特伍德
受美国哥特式房屋概念的启发，艺术家格兰特·伍德描绘了他认为应该住在这种房子里的人。它被认为是二十世纪最知名的绘画之一。这幅画的模型是艺术家的妹妹和牙医。在肖像中，有代表作为女儿和父亲。人手里的草叉是辛苦劳动的象征。它在美国文化中的受欢迎程度是可以看到的，当像许多其他的绘画一样，这一幅画也出现在许多电影，电视连续剧和许多其他类型的媒体作为嘲弄的作品。
美国哥特式
7. 格尼卡由巴勃罗·毕加索
格尔尼卡是著名的20th世纪艺术家巴勃罗·毕加索。这是西班牙格尔尼卡镇臭名昭著的爆炸的示威。毕加索想引起全世界对小镇上那些不人道的爆炸事件的注意。在这张3.5×7.8米的油画油画中，有一种元素的混合物，如公牛、一匹马、一个带着死去的孩子的女人、一个灯泡、一个士兵的手臂和一些隐藏的物品。所有这些都代表了爆炸的混乱和暴力。这幅1937年的肖像画是巴勃罗·毕加索最著名的作品之一。
格尔尼卡
6. 第 5 号由杰克逊 · 波洛克
1948年第5号，1948年，美国画家杰克逊·波洛克以他自己的滴水画风格创作的一幅纤维油画。他过去把帆布撒在地上，然后用刀子、棍棒、毛巾和其他不常用的异物来画画。由于其独特性和艺术价值，2006年，这幅画以1.4亿美元售出，成为第二高的价格支付任何一幅画。画家杰克逊·波洛克通过这幅肖像画给我们留下了一种新的抽象表现主义风格。
5号
5. 女孩与珍珠耳环由约翰内斯 · 维米尔
有时被称为"荷兰蒙娜丽莎"，女孩与珍珠耳环是荷兰画家约翰内斯·维米尔描绘的女孩的肖像。它画于1665年左右，当时只描绘一个头不被认为是一幅肖像画。在他这个时代，约翰内斯·维米尔卖不起这幅画，但今天，它是艺术界最受推崇的画作之一。目前，我们可以在海牙的毛里求斯画廊找到它。
戴珍珠耳环的女孩
4. 雅典学校由拉斐尔
雅典学校是梵蒂冈使徒宫的一张壁画，由文艺复兴时期拉斐尔·桑齐奥的著名艺术家创作。两年后，他在使徒宫的墙上制作了这一壁画。绘画展示了学校所有主要人物，包括著名的哲学家和天才，如柏拉图、亚里士多德、苏格拉底、毕达哥拉斯等。每个人物都在不同的活动。这幅画的中心人物是左边的柏拉图和右边的亚里士多德。在这个宏伟的画面中，拉斐尔已经作出了巨大的努力。在现代世界中，这种作品和艺术知识给新艺术家以极大的启发。
雅典学校
3. 米开朗基罗的亚当的创造
榜单上的第二件壁画艺术《亚当的创造》是由著名的文艺复兴时代艺术家米开朗基罗创作的。它是西斯廷教堂天花板壁画的一部分， 它包含许多事件从圣经。这是整个壁画中最受欢迎的部分。
它代表了亚当，第一个人，从上帝那里获得生命的时刻。亚当躺在地上，上帝一触即食就献出生命。虽然，触摸没有在场景中描绘。据说这件作品的名气只有蒙娜丽莎才实现的。正如每一幅名画一样，这幅作品在现代文化中也具有模仿和模仿。
2. 达芬奇的最后晚餐
《最后的晚餐》是著名艺术家达芬奇在意大利米拉的圣玛丽亚·德尔·格拉齐修道院的墙上画的壁画。据称，它是在1495年画的。这幅画描绘了耶稣和他的十二个门徒正在吃晚饭时的最后一顿晚餐的行为。当时，耶稣透露他的一个门徒会背叛他。在这则新闻中，每个门徒的反应都用这幅壁画来描绘。这一艺术作品引起了许多争议和猜测。他们中的大多数四处旋转， 据称是描述耶稣和玛丽。这幅画已经修复了三次，最后一次修复花了三年时间完成。目前，它向公众开放。
最后的晚餐
1. 蒙娜丽莎由莱昂纳多·达·芬奇
《蒙娜丽莎》是达芬奇的第二件作品，是历史上最伟大、最著名的艺术作品。没有其他一幅画像这幅500年一样出名和受欢迎。承载着《最模仿》的世界纪录，大多数是有关和嘲弄的艺术作品;它是一直最著名的肖像画。其成名的原因是其描写中的革命作品和女人的"微笑的秘密"。每个人都对女人是否微笑令人费解。这就是谜团。它仍然没有解决。甚至有一个故事，一个名叫LucMaspero的法国艺术家自杀，留下一张纸条，说他更喜欢死亡后，多年努力理解背后的神秘女人的微笑。没有这个杰作，任何名画的名单都是不完整的。
蒙娜丽莎