拉斐尔代表作品素描肖像

拉斐尔代表作品素描肖像，古希腊画家巴哈修斯的故事？

休斯出生于伦敦。1846年，他进入萨默塞特宫的艺术学校，后来进入皇家学院的学校。在这里，他遇到了约翰·埃弗雷特·米莱斯(John Everett Millais)和霍尔曼·亨特(Holman Hunt)，成为拉斐尔前派画家之一。

1855年，休斯与他为《四月之恋》创作的模特特里菲娜·福尔德结婚。休斯1915年在伦敦的邱格林去世，留下了大约700幅已知的画作和素描，以及750多幅图书插图。1921年特莱菲娜·休斯去世后，他们的女儿艾米丽不得不搬到一所小一点的房子里。因此，空间不足。结果，她销毁了父亲剩余的准备草稿，以及他所有的私人文件和信件。他是英国画家阿瑟·福德·休斯的父亲，也是另一位画家爱德华·罗伯特·休斯的叔叔

他最著名的作品是《四月之恋》和《漫长的婚约》，这两幅画都描绘了一对陷入困境的夫妇在思考爱情和美丽的转瞬即逝。它们的灵感来自约翰·埃弗雷特·米莱斯(John Everett Millais)早期的“夫妇”画作，但与大自然的再生能力相比，它们更强调的是人类无法保持年轻感觉的新鲜感。

如何将油画作品表现出美哒哒肉嘟嘟的画面感？

在油画作品中表现出“美哒哒、肉嘟嘟”的感觉，实际上是“以胖为美”的审美趣味的外在体现。如果把油画比喻为一个人体，那么，素描就是人体的骨架，只要掌握了精湛的素描技巧，完全能画出肉嘟嘟的感觉，同时，画家根据主观意愿，想把造型画成胖瘦高矮都能游刃有余。

安格尔《拉梅尔夫人》

纵观美术史，东西方画家在不同时期都有以胖为美的审美倾向，像我国唐代，就是以胖为美的典型，不论是传世名画韩干《牧马图》，韩滉《五牛图》，还是阎立本、吴道子等大师的一些仕女画，都喜欢把动物和人物画成丰腴、圆润的造型，看起来肉嘟嘟的。

西方人由于体型和骨架都要大于东方人，因此，在视觉造型艺术上，他们从来没有脱离以胖为美的审美要求，从西方那些传世名画中完全能看到。

伦勃朗·莎拉

像绘画巨匠达芬奇笔下的《蒙娜丽莎》和丽达系列作品，都是肉嘟嘟的，巴洛克大师鲁本斯，以及伦勃朗笔下的女性几乎都很丰满健壮，新古典主义大师安格尔，印象派大师雷诺阿等人，都善于刻画丰乳肥臀的女性造型，画面始终洋溢着阳光、欢快的感染力，把女性乐观、活泼的天性挖掘的非常突出。

鲁本斯·维纳斯和丘比特

根本原因是这些画家拥有高超的素描功夫，以及独特的观察视角。在造型时，他们常常选择在模特的半侧面来刻画，这样审视的好处是，比在正面、侧面或背影能更好体现出人物的空间感。因为从正面和背面来观察，目光跟人物是垂直的，看到的人像是一个平面，不容易看到立体造型。

鲁本斯·芙尔曼与孩子们

从侧面又难以全面地观察到人物的面部造型，因此，从半侧面来观察是最好的选择，既能看到整体，又能看到局部。更重要的是，能清晰看到光线在人体上的变化，通过素描技法的运用，把阴影在人体上的明暗对比关系如实表现出来，不但能让人物造型更立体，还能增加色调的面积，给观者产生饱满、丰腴的印象。

伦勃朗·花神

另外，表现以胖为美的感觉，还跟画家自身的审美品位有很大关系。如果画家喜欢丰腴的模特，以写实手法把模特如实刻画出来，肯定是肉嘟嘟的感觉，就像鲁本斯，连选择妻子时，都喜欢那种稍显肥硕的身材，他的许多作品也妻子为原型来画，自然就体现出肉嘟嘟的感觉。

为什么有人认为米开朗基罗的艺术创作是西方美术史上一座难以逾越的高峰？

我始终以为，文艺复兴是神为人类世界文明开启的一扇窗户，他让人文之光与人对神的信仰重新回归，相互交织，以艺术个体的不同审美认知与自我的审美实践，展开了艺术与神明的对话，从而把神界的信息重新带给人类，使人类在神对人以黑死病的惩罚中，明白生命的重要与人的无能为力。因而，文艺复兴时期一个个具有创造性的艺术大师，就是带着神的使命而来的，他们在人类的道德沉沦中，以对人性复苏所给予的希望，以对神明的再次憧憬与虔诚之心，以文化与艺术的形式，展开了人类与神明的重新链接。而米开朗基罗就是神的代言，神的使者之一。他的作品以宏阔的历史观、神明观、道德观及艺术观，虔诚的展开了与神明的对话，再现了神的国度、神的风采，为文艺复兴以前人对神的误区，澄清了一个概念；为文艺复兴之后，人对神的远离，埋下了大审判的预言。

丽达与天鹅

最后的审判

他的艺术创作，贯穿了文艺复兴时期最辉煌的时代，无论是天顶画的创作，还是雕塑，都以自己劲健有力的笔触，触动了生命的脉络，灵魂的神经，并沿着神为之所选定的道路，一步步在自己的艺术上，建构着自己的艺术形式。他的作品带着神性的光辉，以对人神魔的完美刻画，让《创世纪》《最后的审判》，成为人类艺术史上最辉煌的杰作。但它不仅仅是杰作这么简单，而简直就是一种寓言，一个预言，一个带有启示性的一幅不世之作，他颠覆了人类的认知，使人通过对神的信仰的重新回归，明白了神对人的期冀人的厚望。但人不争气，人的堕落也不配见到神。为此，人与神之间的种种误会，便在文艺复兴之后所有大艺术家的笔下，逐渐的演变，最终，让神成为一种符号，而不是一种真实的存在，从而说神的存在就是神话故事神话传说。

《最后的审判》局部

《最后的审判》局部

《最后的审判》局部

按理说，他本是一市之长公子，早年应该任性自然，可他没有这样，而是选择了艺术之路。而这，也是宿命对他的安排，他是无法拒绝的。为此，当西斯廷教堂《最后的审判》完工后，他就完成了神对他赋予的使命，并在对神的虔敬中，雕塑出一组组珍贵的作品，寄予了神对他的期望。因为，神造人是按照自己的形象而来的，而他雕塑的完美性，岂不是神对他最大的期许吗？有故事说，当时西斯廷教堂的天顶画，是教皇对他设置的陷阱，据说教皇本来是想让拉斐尔画的，但看到教堂的工程量巨大，且创作起来非常艰巨，教皇爱惜拉菲尔，便把这个艰巨的任务交给了他。而这也是命运的使然，更是他作为神的使者，在行使着自己的艺术生命职责。他费时巨大，无论在体力、精力、心力、智慧、脑力上，都是对他生命的考验，但他之所以能完成，完全依赖于神明对他的佑护。写道这，我不由想起《血战钢锯岭》中的主人公道斯的遭遇，如果没有神明对他的护佑，他能在一夜之间，连救75人，其中还有两个日本兵，并把他们一个个从近乎400公尺的高度放下，那绝对靠人力是不可能的。他抱着救人之心，所以，对自己的战友及日本兵，是一视同仁的。因为战争虽是敌我双方的战斗，但反映的更是对生命概念的理解。所以，米开朗基罗的《创世纪》《最后的审判》，就是神对他赋予的创作灵感，更是神对他生命最大的关照与恩赐。

所以，作为世界艺术史上的一大链接，米开朗基罗绝对是一座无法逾越的高峰，前无古人后无来者，即使有人现在比他还具有表现力，也只不过是他的跟班而已。

你如何看待笔触在油画艺术作品中的作用？

油画中的“笔触”其实是直接画法相对古典技法层层罩染的制作方法而言的， 直接画法中“笔触”的运用，使油画相对古典技法来言，更能体现不同画家的不同绘画风格、艺术个性和画面气氛，也使运用不同“笔触”绘画出的油画更具有了观赏性。比如印象派莫奈的横扫大笔触绘制的《印象》，点彩派新印象主义马奈用小色点小笔触完成的《大碗岛的星期天下午》，野兽派马蒂斯的油画作品《阿尔及利亚人》中线条笔触的运用等等，使油画更具丰富性、艺术性和观赏性。

不同画家不同绘画“笔触”的运用，可以体现不同画家的绘画功底以及画家绘画过程中画笔与油画布接触时的情感体验、对画面的情绪宣泄和画家的艺术气质。就像梵高油画作品《向日葵》《星空》中“笔触”的扭曲与律动，可以体现出画家梵高内心的焦虑、彷徨、痛苦与渴望……

油画中突显“笔触”的直接技法在近现代油画史和当代绘画中成为了主要的绘画表现语言。 而油画中笔触的运用不仅是油画直接画法中对油画颜料特性的一种材质体现，更是画家的艺术气质的最好体现。 油画合理的运用笔触，可以帮助体现和强化物体的造型和结构，例如伦勃朗的油画《戴金盔的男子》以及图七笔者所画的《有破损石膏像的静物》。

超写实主义风格的油画？

油画是一门多元素风格的视觉艺术 ，各种流派之下给人不一样的视觉效果，其反映的寓意也各不相同，崇尚理性的新古典主义、迫求个性解放的浪漫主义、冷静务实的写实主义以及梦幻的印象主义，还有一个照相式的超写实主义，那么“超写实主义”风格的油画，有没有体现出“古典美”呢？

说到“古典美”这三个字，很容易就让人想到17世纪的古典主义以及诞生于18世纪后期的新古典主义，那么古典主义和新古典主义有什么区别吗？从本质上来讲，古典主义和新古典主义都是以古希腊、古罗马的古典美为典范，比较容易混淆，

值得注意的是，在艺术表现上，古希腊、古罗马严格的素描、雕刻般的造型呈现出和谐、庄重的艺术形象，所以可以很明确的说，“古典美”是一种和谐、庄重的美，画风较为沉静，不会张扬，就好比一个性格极为内向又心事丛丛的貌美女子一样；

而我们现在谈论的“超写实主义”风格油画，从画面的视觉效果来看，明显要比17世纪的古典主义更稚嫩的多，什么意思呢？这么比喻:“超写实主义”风格好比花季少女，缺乏女人味，就像一张白纸；而“古典主义”风格就像是一个成熟风韵的女人，女人味十足，很有故事情感，

这样对比起来，看似“超写实主义”风格的油画，不具备“古典美”，但是要注意的是，超写实主义是非常注重物象的细节，这和古典主义雕刻般的造型看起来很相似，只是在写实效果上，超写实主义没有古典主义那么深刻，反映的寓意也不够深远，综上所述，勉强的说，超写实主义有体现出古典美，要说明的是这纯粹是光影效果修饰的作用 ，没有实质意义。

能分享一下你们喜欢的油画吗？

灵遁者：我梦见了画，画下了梦，这是一句我很喜欢的话。滚滚红尘中，你要清楚自己是自己的诺亚方舟，驶向大海，别问归期，甚至彼岸在哪都别问。

灵遁者1988年生于陕西榆林。新生代艺术家，作家，诗人。毕业于西安外事学院。他以非学院的作画方式，让人耳目一新。对于他的作品的作品，总是呈现两极化。

灵遁者以他无师自通的才能活跃在文化界多个领域，影响广泛，“近些年来，多有诗歌，散文，科普作品见于各大媒体。

对于艺术他在散文《如何画好一幅画》中这样写写道：其实世界上只有一种艺术，我们管它叫“思想”当你开始努力迎合市场，迎合评论，迎合别人的时候，你就变为了艺术的“奴隶”，当然这也是幸福的事情。但一定不是最幸福的事情，就我个人而言，我是这样想的。我经常说：“我也自诩是美的传播者。”但我从来不敢去定义“美”，什么是美，什么是丑，美和丑能分的那么清楚吗？黑暗和光明哪个更重要？爱和恨怎么诞生？所有这一切都不是可以用刀切开，分的很利的东西。艺术更不是这样的东西，你觉得美，它给你力量和思考的空间，那么它应该就是美。美不好定义，但我从来不怀疑美的存在，我每时每刻都提醒自己去发现更多的美。

接下来为大家分享灵遁者先生的12幅油画作品。

1、灵遁者油画作品《新世界》。尺寸：100×100cm

2、灵遁者油画作品《疫情前》。尺寸：50×60cm

3、灵遁者油画作品《深夜的树》。尺寸：50×50cm

4、灵遁者油画作品《迷惘》。尺寸：40×60cm

5、灵遁者油画作品《那个女孩》。尺寸：60×90cm

6、灵遁者油画作品《相依》。尺寸：70×90cm

7、灵遁者油画作品《缺失》。尺寸：90×110cm

灵遁者油画《缺失》

关于这幅画在散文中有提到：很多故事的开头是这样写的：“一个黑色的夜晚，伸手不见五指……”，“月明星稀，他们静静地依偎着彼此……”，“……花前月下，她脱下了自己的衣服……”虽然黑色就像我描述的这么性感，但我这幅画的名字是悲伤的，它叫《缺失》。事实上不能从画中看出它究竟缺失了什么？别说你们了，连我自己也不知道究竟它缺失了什么。似乎缺失的东西太多太多了，只能用“抽象”才能说完。

紫霞剑意指心上人，金箍咒紧锁红尘梦。世间安得双全法，不负如来不负卿。33岁未婚，我的母亲担心我没有婚姻。而我看到的是大家是那么的相似，从中国到日本，从日本到意大利，“老龄化”是个社会热词，新生儿在不断减少。 我缺失了很多33岁男人应该有的东西，我应该悲伤吗？你悲伤吗？

8、灵遁者油画作品《天眼》。尺寸：60×70cm

9、灵遁者油画作品《无端》。尺寸：70×70cm

10、灵遁者油画作品《江湖》。尺寸：40×40cm

11、灵遁者油画作品《金钱与人》。尺寸：40×50cm

12、灵遁者油画作品《大西洋底的存在》。尺寸：60×100cm

摘自独立学者，艺术家，作家灵遁者油画作品。