印象主义风格起源于哪里？代表人物有哪几位画家？
“巴比松画派”就是“印象派”的起源前生前身。印象派代表画家有:莫奈、马奈、毕沙罗、雷诺阿、西斯莱、德加、科罗、莫里索、巴齐约以及保罗·塞尚等。
印象派的诞生:
1874年一群年轻的画家在巴黎卡皮西纳大道的一所公寓里举办了第一届印象派画展，有31位印象派画家参展。来向官方的沙龙挑战。包括莫奈、雷诺阿、毕沙罗、西斯莱、德加、塞尚和莫里索等在内的画家们不仅有各异的性格和天赋，而且在某种程度上他们还具有不同的观念和倾向，但是，他们诞生在同样的时代，有着同样的经历，并且向同一的反对派斗争过。他们欣然接受一些杂志的讽刺文章作家封给他们带着嘲笑味道的称号——“印象派”。
19世纪的时候，法国巴黎是欧洲油画的中心。这个时候的风格是以学院派的新古典主义为主导的，他们每年都要举办官方的展览，叫做“沙龙”，多数人都出自于皇家美术学院，他们有着深厚的素描基础，并且精通人体解剖，画风严谨、细腻。
而在这个时候，还有着另外一大批充满着理想的年轻画家，他们来自于各个阶层，大多数都是自由人，很多人对学院派的教学方式及绘画风格有着不同的看法，认为古典主义千篇一律，缺乏个人风格，他们更崇尚现实主义，并提倡户外写生。由于大家有着共同的理想和观点，他们逐渐地聚集到巴黎郊外的一个名叫巴比松的小村庄，来描绘那里迷人的风光，他们被称为“巴比松”画派。“巴比松”村就是现在巴黎的卫星城之一的枫丹白露镇。“巴比松画派”就是“印象派”的起源前生前身。
戈雅男表什么档次？
戈雅goyard是一个很低调的奢侈品牌戈雅创立于1853年，是法国家族制箱商鼻祖，与LV一样是做旅行箱出身，甚至goyard帆布上的Y字图案早在1892年首创，比LV的Monogram图案更早出现。1998年，戈雅家族将世代相传的家族企业卖出去以后，这个牌子一直默默无闻，直到2000年左右，美国Barney百货公司在橱窗设计中为其做了专题展示，才渐为人知。全世界只有几个城市有戈雅专卖店，香港半岛酒店有唯一的一家中国旗舰店。上万的价格和顶级的手工质量，戈雅无疑是最低调的奢侈品牌。
为什么有些油画作品画的是裸体女子？
最早出现在油画上的女性裸体是神，而不是人。中世纪时期的西方国家，教会占据了统治地位，雕塑和绘画成为教会宣传信仰的手段。
至高无上的女神当然拥有最完美的躯体，让人们去敬仰崇拜。随着西方油画艺术的发展，裸体油画慢慢演变成自由、力量、生命的象征。在艺术家的笔下，人体是美的，每一块肌肉、每一块骨骼都具有力量和动态的美，而这种美只有通过裸体来表现。甚至画家可以通过人体来展现人物的性格，并且可以借助人体来展示故事的情节。
画人体是油画的重要题材，也可以说是学习油画的必修课，画人体需要懂得人体的解剖学，还需要掌握透视法。
有很多西方顶级的绘画大师都画过人体，如库尔贝、伦勃朗、安格尔、巴提耶等等，西班牙画家戈雅的《裸体的玛哈》是一幅很著名的人体油画，这幅画创作于18世纪，因为这幅画，戈雅受到了宗教势力的审判，因为他们认为，人体画只能画“神”，不能画人。
18世纪的西班牙美术名词解释？
18世纪末19世纪初，在西班牙出现了继委拉斯贵支之后另一个伟大的现实主义画家——戈雅。戈雅的故乡是西班牙北部萨拉果沙附近的一个农村。1776年戈雅进入了宫廷，开始主要是为了皇家织造厂绘制和设计一些壁毯草图。
进入90年代，开始了戈雅创作的转折时期，画家早起那种乐天无忧的情绪逐渐为愤怒的激情和冷静的思考所代替。当时真是法国大革命年代，激进的、革命的思想对他影响颇大。
在这个转折时期戈雅的重要作品有铜版组画《家普利乔斯》、油画《疯人院》《鞭身教徒的游行》以及《查理四世的一家》等。
在这个时期还创作了不少亲友和同代人的肖像画。
欧洲有个画家叫什么戈？
欧洲有一个著名的宫廷画家叫戈雅，其名作为《不着衣的玛哈》。
为什么说当代艺术的成功犹如专利注册，谁抢先一步，谁露脸的机会越多，谁就是将来的大师？
几乎每一个学习艺术的人都在说“我学习艺术纯粹就是因为兴趣爱好而已，从来没想过要成为艺术家”，呵呵，你相信吗？反正我是不相信的，“艺术家”如此高大上的头衔，有些人还愿意花钱买呢，所以就有人说当代艺术的成功犹如专利注册，谁抢先一步，谁露脸的机会越多，谁就是将来的大师，
艺术创作讲究“先知先觉”，所谓“先知先觉”的意思是，做什么事情都要在别人不知道，还没做的时候去做，对于艺术来说，就是开宗立派的意思，谁开宗立派，谁就成为了艺术大师，在古代西方世界就出现了很多开宗立派的艺术家，最终都成为了艺术大师，他们都是继承前人艺术章法基础上进行创新，
比如，“新古典主义”艺术大师大卫，“浪漫主义”艺术大师戈雅，“写实主义”艺术大师库尔贝，“印象主义”艺术大师莫奈，他们都是各自画派的创始人，但是，值得注意的是，这些风格流派之间的关系并非各自独立，而是你中有我，我中有你的相互关系，并不是没有基础的进行“创新”的，
至于当代艺术的成功犹如注册专利，谁抢先一步，谁露脸的机会越多，谁就是将来的大师，这样的说法是纯属无稽之谈的，为什么这么说呢？一句话就可以概括，“艺术是属于人们的，不是属于某一个人的”，更何况艺术家创作出来的艺术作品也不是艺术家自己认为好就是好，有艺术认知、分辨能力的人都还在世界上，人们的审美态度决定了艺术的价值，
如果多露脸就可以成为大师的话，那么之前的“流浪大师”沈巍已经成为大师了，总而言之，当代艺术并不是很成功，甚至有些“误入歧途”了，因为当代很多艺术都不学习古人了，向“行为艺术”的方向去创新了，而且当代更没有大师可言，有真正的艺术家就很不错了。
在西洋油画中，女性模特人体艺术的俏丽究竟在哪里呢？
之所以西洋油画那么受人们的欢迎，其中主要原因之一是，油画中的女人不仅貌美，而且还充满传奇色彩，那些女人，她们是女神、贵族名媛、伴侣、农妇，亦是艺术家的情人，那么，在西洋油画中，女性模特人体艺术的俏丽究竟在哪里？
在西洋油画中，女性模特人体艺术的俏丽简单理解“俏丽”的意思，指的是女人长得俊俏美丽，在已有几百年历史时间的西洋油画中，有一个很常见又让人感到好奇的现象，那就是无论何种流派风格的油画，都有女人的身影存在，有些是穿着衣服，有些是半裸体，有些是全裸体，人们又将这些裸体油画称之为人体艺术，
所以，我们可以这么认为，在西洋油画中，女性模特人体艺术的俏丽，体现在“裸露”，因为“裸露”，所以俏丽、美丽，特别是欧洲文艺复兴时期的艺术家，用裸露的人体之美，来表现崇高的“人文主义”思想精神，或者是赤裸裸的人体之美，来突出纯洁高尚的灵魂的重要性，
哲学家、人文学者和艺术家们都是这样认为，自然孕育了万物生灵，那么作为创造世界的人类，所有人的生命都源自于女人，女人人体可以孕育生命，繁殖后代，生命的价值高于一切，而这价值，艺术家就用通俗直观的人体艺术淋漓尽致的表现出来，更显示了女性模特人体艺术的完美俏丽，
开篇简单提到了，西洋油画中的女人，在现实生活中，她们是女神、贵族名媛、伴侣、农妇，亦是艺术家的情人，很明显，她们的身份地位不同，然而，当她们赤身裸体的在艺术家的画作里出现存在，其身份地位就平等了，艺术赋予了那些女性模特尊严与价值，女人成了艺术的载体，为艺术献身，其精神可佳。
作为艺术爱好者，你认为如何才能让艺术和历史完美结合呢？
作为艺术爱好者，笔者认为艺术和历史可以通过以下方式完美结合。
第一点，由于艺术分为不同的形式，可以根据不同的艺术形式了解历史上的著名作品的基础知识。比如是书法艺术的爱好者，就要了解书法四大家和他们书法的特点。还有我国从甲骨文到现代的书法的历史变迁形式。比如绘画艺术爱好者，可以了解我国古代历史上有哪些著名的书画。如果是雕塑艺术爱好者，多了解历史上的著名的雕像，比如说思想者，掷铁饼手，维纳斯等等。
第二点是完美复刻。拿书法艺术为例。我们要对过去古代的碑帖进行临摹，完美的学习古代书法名家笔触和风格特点。雕塑也是一样，完美地塑造出古代历史上的雕塑，这样才能从结构和形体上了解历史上的出名作品。
第三点，进行自己的创新和突破，只有了解和传承了历史上的知识才能对今天的艺术形式进行突破。还拿雕塑举例，我们学习了历史上的雕塑的技法还有风格之后，对我们的现代作品进行创新，更能贴近大众，更有我们时代的特点。
总之笔者认为，作为艺术爱好者，继承学习历史和突破，这样才能将艺术和历史完美结合。
17世纪艺术和18世纪艺术的区别联系？
1、17世纪意大利美术：卡拉奇的学院主义美术、卡拉瓦乔的现实主义美术、巴洛克美术、贝里尼的雕塑 2、17世纪佛兰德斯美术：鲁本斯的绘画、凡·代克的绘画 3、17世纪荷兰美术：哈尔斯的绘画、伦勃朗的绘画、维米尔的绘画、荷兰小画派 4、17世纪西班牙美术：委拉斯贵支的绘画、苏巴朗的绘画 5、17世纪法国美术：法国古典主义绘画、普桑的绘画、拉图尔的绘画 1、18世纪法国美术：罗可可风格、华托与布歇的绘画、夏尔丹的绘画、乌东的雕塑 2、18世纪英国美术：荷加斯的绘画、雷诺兹的绘画、庚斯博罗的绘画 3、18世纪西班牙美术：戈雅的绘画、西班牙现实主义风格 4、18世纪俄罗斯美术：俄罗斯肖像画
想学习油画，临摹哪个画家的作品更好呢？
要想学习油画，先不要直接临摹油画家的作品，而是先把自己的素描功夫磨炼好，再考虑怎么临摹具体的作品。
给你一个苹果或瓶子，你若能用素描把它画得结构比例都很准确合理，看起来富有立体感和造型感，惟妙惟肖，就证明你能够直接临摹作品了。
提香·奥维拉
油画按照风格特点，主要体现四种元素，分别为造型，色彩，光影，笔触。西方美术史上，每个画家的侧重点是不同的，有些画家毕生追求造型的完美，如文艺复兴时期的大师达芬奇和拉斐尔，新古典主义时期的安格尔和布格罗，如果你对造型很感兴趣，那么，你完全可以临摹他们的作品。
伦勃朗·莎拉
有些画家对色彩感兴趣，如佛罗伦萨画派大师提香，浪漫主义大师戈雅，以及许多印象派画家，他们都喜欢表现色彩的作用和趣味。
有些画家对光影和笔触颇有研究，如，17世纪的荷兰绘画大师伦勃朗，巴洛克大师鲁本斯，以及众多印象派，后印象派画家，都喜欢展现迷离的光影效果和粗犷的笔触形式。
雷诺阿·手拿雏菊的姑娘
能把造型，色彩，光影，笔触这四种元素体现得都不错的画家，在美术史上并不多，我个人认为有两个，一个是印象派大师雷诺阿，另一个是后印象派大师梵高。
这两位大师生活在西方古典油画向现代油画的转型时期，因此，他们在创作中，能把许多油画特征兼顾上，精准的造型，绚丽的色彩，梦幻的光影，奔放的笔触，在他们的作品中都能看到，都有很好地体现。
梵高·麦田和柏树
但两人的油画，还是有一些差别，雷诺阿是在追求准确造型的基础上，用色彩和笔触充实画面的视觉张力，体现一种积极乐观的人生心态。
而梵高则是体现强烈笔触的基础上，不损失画面的造型感，用笔触宣泄个人内心火热的情感。从艺术与情感的关联来讲，梵高的画更接近精神层面的表达，有国画的意味。
塞尚·静物
如果要整体把握和学习西方油画，我建议，若从美术史的角度来看，就先从文艺复兴时期的作品开始临摹，然后对每个流派大师的名作逐一临摹，这对学习者深入了解油画的演变很有帮助。
如果从难易程度来考虑，可以先临摹静物油画，如塞尚的静物画，再临摹风景油画，最后在临摹肖像油画和人体油画，这样的话，就能循序渐进，技巧会越来越纯熟。