波普主义代表作品图片，有哪些关于狗的绘画作品推荐？
狗是人类的好朋友，有一句话曾说：当我与越多的人打交道，我就越喜欢狗。忠诚的狗除了能给孤独的人类带来陪伴与心灵的慰藉，还成为许多艺术家的灵感缪斯，让他们创作出一些不可思议的艺术。
被誉为波普教父的安迪·沃霍尔养了一条腊肠狗“阿奇”，阿奇成为沃霍尔形影不离的好友，无论是在工作室还是餐厅，阿奇总是伴其左右，甚至沃霍尔出国做展览，阿奇也必须得跟着。沃霍尔当然少不了给他亲密的阿奇画上一些时髦的波普肖像画。
史努比享誉全球的经典漫画小狗形象，他的创作者查尔斯·舒尔茨在15岁时养了一条宠物狗Spike，与Spike一起生活的经历成为他创作史努比的灵感源泉。
史努比是一条黑耳朵、白色身体的可爱小狗，这正和舒尔茨的Spike一样。
英国当代最著名的肖像画家弗洛伊德养了一条惠比特犬，这条狗也是经常在画室陪伴弗洛伊德作画。
弗洛伊德除了为小狗Eli画素描，还为自己和小狗完成一幅裸体自画像。
挪威表现主义画家蒙克一生受情绪病困扰，到了晚年，他离群索居，与一群小狗相伴生活。
蒙克也为自己的小伙伴们留下了绘画作品。
还有墨西哥女画家弗里达和她的小狗，以及作品。
重庆万象城的泡泡玛特风格是什么？
泡泡玛特是属于波普艺术的范畴的。
因为其英文名称为“POP MART”，即潮流超市。Pop，指当代艺术范畴里的“波普艺术”——PopArt。
波普艺术，一种主要源于商业美术形式的艺术风格，其特点是将大众文化的一些细节，如连环画、快餐及印有商标的包装进行放大复制。波普艺术于20世纪50年代初期萌发于英国，50年代中期鼎盛于美国，后期在纽约发展起来，此时它所反对的抽象表现主义正处于最后的繁荣时期。60年代中期，波普艺术代替了抽象表现主义而成为主流的前卫艺术。在60年代后期，波普艺术开始让位于极少主义艺术和硬边画。波普艺术主要方面是新时期艺术家将商业艺术和近现代艺术联合在一起的一种表达形式。
你认为最美的一幅画是哪一幅？
什么都不考虑，只考虑好看的话
那怎能少了抽象表现主义的形式美感
抽象画就是与自然物象极少或完全没有相近之处，而又具强烈的形式构成面貌的绘画。
在一些人看来，这是一个贬义词。
但是抽象艺术透过形状和颜色以主观方式来表达。打破了艺术原来强调主题将所谓的“美”具象写实出来，开创了画面形式美的新天地。
就像汤伯利的《黑板》，创作方式及其特别：汤伯利坐在朋友肩上，让对方随意晃动，然后他顺势在画布上涂写。在普通观众眼中，《黑板》不仅“其貌不扬”，简直就是“小儿科”。
但仿佛只是在黑板上漫无目的地画了6行连续的圈，就像小朋友的涂鸦一样的《黑板》在美国纽约苏富比拍卖会上以7035万美元(约合4.49亿人民币)的天价成交，创下当年拍卖会的最高纪录。
它正像许多抽象派作品一样，它的妙处不可言说，要接受一些不那么具象的美，就要从本能和主观的感觉去看。欣赏者可能有不同的理解，感受不同的内心震撼。
艺术圈中流行一句话：“有时候人们需要借助一些帮助才能认识一件伟大的作品。”
《黑板》可以说是汤伯利一贯风格的极端化。很多人都欣赏不了这幅画的美，更不明白为什么能卖出那么高的价格。
但你以为汤伯利就只有《黑板》这一副名作吗？
他还有这样的：
《纽约时报》评出的这位世纪最伟大的当代艺术家在画面上选择了用幻象来代替图像去让人感受到美。
像这两幅就有一种宇宙包含万物之美，将抽象表现主义、极简主义和波普艺术兼收并蓄，自成一派。
汤伯利的作品有着强烈的抽象表现主义色彩。还喜欢使用貌似无意义的几何图形或线条，偶尔还会借用古代诗歌的只言片语，这些晦涩的画面充满了稍纵即逝的寓意和自在的情绪。
（个人认为这幅最美）
汤伯利本人的笔触也十分的本能和主观。这些作品好像烟花绚烂炸开，又像显微镜里的细胞、血液
他的风格诞生于杜尚、凯奇和劳生伯的新达达。
这种像罗马古老墙壁上的乱写和涂鸦式的风格就是他的兴趣，
呈现一种大众的反精英的美感。
每副画中都有未加处理的未言说的空隙，
汤伯利的绘画还倾向于规模较大，自由潦草，书法写意的风格，也有人说西方抽象表现绘画的根源就来自于中国书法的狂草。
波普艺术属于绘画还是设计？
设计 波普艺术，又译为“通俗艺术”或“流行艺术”。是20世纪后现代主义艺术（Post modemism）中势力最大、最为风行、传播最广、最有影响的确良种艺术形式。 所谓波普艺术，是指艺术家把任何额外负担观存在物作为创作载体，并赋予的价值和蕴意，以传导给观者最为大众化和最普及化的精神享用的艺术形式。
那些美术学院的学生为何要画真人人体模特？
首先要明白画人体的目的是什么。
无论将来是从事漫画、插画、动画、油画、服装，都需要了解正确的人体结构，基本的骨骼和肌肉走向，关节的活动方式。
如果不了解这些，就可能出现这样的脸。
这样的身材。
动起来就更可怕了。
这样的基本练习，再有天赋的人也得练，大师也绕不开。
达芬奇和米开朗基罗的作品之所以能那么栩栩如生，就是因为他俩三天两头的抬「人体」回去，切开了一点一点的仔细研究。
为了搞艺术，连医生的饭碗都抢了。
图为达芬奇的解剖手稿
图为米开朗基罗的雕塑《哀悼基督》
那为什么画的人体不能穿衣服呢？
因为衣服对身材是有修饰作用的，就像时尚达人教的那些搭配攻略一样，穿的衣服对不对，视觉上甚至会有上下十公斤的差别。
所以要想观察和练习正确的人体，必须是一个直接的状态，不能有衣物的修饰和遮盖。
现在来说说为什么不能用石膏像代替人体。
1.造型经过修饰，不准确。现在美术生画的石膏像，通常都是历史上雕塑大师们的作品，这就直接涉及到了大师们的主观创作。这些雕塑之所以能够在艺术史上留名，肯定不是百分百的照着模特来，而是加入自己的审美让造型呈现的更加完美。
这就和穿了衣服的人体一样，是不真实不准确的。
比方说大卫雕像，米开朗基罗创作时考虑到雕像非常巨大，人们在观赏时一定是仰视，于是把大卫的头做得比正常人大很多。
2.石膏像造型有限。大师搞雕塑，肯定要好看要表达艺术性。这就注定现雕像的造型肯定是优美的，却不一定真实。
这些雕塑很少会出现日常的动作，对以后实际运用时参考的帮助不大。同时，市面上能够找到的雕塑形象也并不多，对于美术生的大量练习来说，数量是远远不够的。
3.石膏像利用率太低，占空间。美术生在画室写生的时候，需要摆放画板画架，画室里通常还要存放静物，写生台，写生灯，是非常占地方的。
如果是请模特，换100个动作也就是这一个人，而且画完了人就走了。要是用石膏像，那就的有放100个石膏像的地方，想想都是不可能的。
波普艺术指的是什么？
波普艺术是指20世纪50年代末至70年代中叶在英国和美国出现的一种文化潮流。波普艺术所表现的是大众文化，对现代文明抱肯定的态度。以平时大家所见所触及的生活环境，或大家所熟悉的大众传播影像，作为艺术表现的题材，是将达达主义的观念更向前推展。其主要艺术家有：汉密尔顿、劳生伯格、利希滕斯坦、沃霍尔，维塞尔曼、琼斯、奥登伯格、霍克尼、席格尔等。