巴洛克画家代表作品，炒作还是艺术？
女裸父画，炒作还是艺术？（关注葛大小姐，天天历史故事！）2015年1月，在重庆黄桷坪首届艺术节上，画家李壮平展出了《东方神女山鬼系列》油画作品，本是平平无奇的一组画作，后来经过当地媒体曝光，大家才知道画中那位典雅脱俗的“女神”竟然是老画家的亲生女儿。
父亲、女儿、裸模，几个词组合在一起，极大的触动了很多人的神经，100年前，画家李海粟画了中国第一幅裸体人物画，冲击了当时国人的神经，当时被骂为艺术叛徒，100年后李壮平和他的女儿李勤与他们的油画《东方神女山鬼系列》注定是当年最惊人的事件。
李壮平和女儿李勤
父画女裸的事件始末李壮平，生于1948年，作为画院院长、艺术院校的教授，他潜心作画数十年，对国画、油画深有研究，但也只是在当地有些名气，一直没有闯出大名堂。女儿李勤毕业于四川美院，受父亲的影响，最终走上了艺术创作的道路。
李壮平的这幅作品《东方神女山鬼系列》的创作灵感来自《楚辞 九歌》，是中国神话传说中的一种远古歌曲，战国楚人屈原在楚国民间祭神乐歌基础上改编而成，大多是人神恋歌，《九歌》共有十一篇，《山鬼》就是其中的第九首。
屈原说，山鬼是“身披石兰腰束杜衡”的窈窕少女，驾乘赤豹后跟花狸，前往与情人幽会，很多的画家都从山鬼中获得创作灵感，李壮平也一直在筹划山鬼系列作品。
在寻找模特的过程中，他将目光落到了17岁的女儿李勤身上，“我的女儿出生在重庆，她长大了，又酷爱艺术，她的形体和天生丽质，就是我要塑造的巫山神女的形象。”，当正在读高三的李勤听到父亲的想法后，她当场就拒绝了，让女儿给父亲当人体模特，这像什么话！虽然出身艺术世家，但是她一时还接受不了，就连拍艺术写真她都不敢，何况是人体模特。
半年后，李勤考上了四川美院，第一次看到人体模特的她非常紧张，随着学习的深入，他逐渐明白了父亲的想法，于是主动提出要和父亲一起完成这幅作品，刚开始时，她简直不敢想象自己有多尴尬，但是很快克服了心理障碍。
李勤说“别人让我当摄影模特，我都不敢，但是父亲是一个正直的人，让我有安全感，为艺术，尤其是为父亲的艺术献身是一件很纯洁的事儿！”
于是，父女二人整整画了5年，创作了30多幅作品，作品完成后，李壮平将作品拍成照片，做了一本画册，由四川美术出版社出版，同年，父女二人带着出版的画册，参加了重庆黄桷坪首届艺术节，很快就轰动了全国，虽然已经有了思想准备，但是舆论还是像洪水猛兽一样涌向他们，一篇名为《父亲让女儿做裸模可敬还是可耻？》的帖子转载率最高，网友称，画家找裸模没有异议，但是不能不顾传统的伦理道德，把女儿当成创作工具，还有人干脆怀疑李壮平是借此炒作，这让李壮平父女感到了前所未有的压力。
而李壮平则表示，让女儿当自己的裸体模特，从没有在伦理上进行考虑，创作时，一切就像小时候他给女儿洗澡一样，女儿9岁就开始学画，自己有意不让她和外界有过多的来往，女儿身上冰清玉洁的气质，特别符合作品的精髓。李壮平的爱人表示，父女俩创作时，她经常在一旁欣赏。
而作为女儿的李勤自从网上被大量报道后，她就很少迈出家门，包括春节也没有出门串亲戚，看到不好的言论经常哭。
李壮平感到对不起女儿，“最让我哭笑不得的是，我们的事儿居然还上了一本国外的色青杂志。”，虽然郁闷，但是李壮平还是很乐观“好在不少职业画家和美院教授一直在鼓励我们，因此我应该坚持下去。”。
这里就包括著名美术批评家、四川美院教授王小箭的评价“在我们艺术圈里，有让妻子做模特的，但拿自己亲生女儿做模特的，还是第一次看到，这需要突破的不仅仅是一般的社会观念，还要冲破伦理、道德的重重藩篱。李氏父女合作创作《巫山神女》这样唯美的油画作品，实在让人感动。”
一些网友的声音：
有没有毁三观、违背伦理，这里不过多解释，每个人都有自己的理解，但是只要他做的，对社会没有危害，我们大可不必如此愤世嫉俗，每个人都有自己活着的道理和想法。
李壮平否认炒作一说，不过他透露，找他买画的人很多，但自己的《东方神女山鬼系列》30多幅作品不打算卖，“我想今后建一个东方神女博物馆，作品全在里面展出，如果非要给我的作品标价，我想肯定是和陈逸飞作品一个档次的，至少要7位数。”
随后的几年里，这件事逐渐淡化，人称神女的李勤也恢复了往日的青春靓丽，李壮平也开始潜心绘画，两年后的“虎跃盛世——中国书画名家画虎作品展”上，李壮平父女的“东方神女”山鬼系列中的作品《星空》标价800。
李勤和她的作品
父女二人又继续创作了《海上女神》系列、《南海观音》、《海神妈祖》等，他们的一幅油画《任何困难都难不倒英雄的中国人民》，专家估价1800万，李壮平无偿捐赠给了四川博物院，如今，李壮平父女的油画一幅标价高达800万。
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人体艺术的分界点在哪？
人体艺术的分界点在于，夸艺术门类与否，夸什么艺术门类。实际上，人体艺术早在远古时期就创立了，但人们不称其为人体艺术，而称起为舞蹈。由出土的远古艺术作品红陶上的舞蹈艺术为证。红陶本来是实用品，可远古陶瓷艺人为了美观，把当时人们模仿劳动的舞蹈镌刻在红陶上，增加了红陶艺术的美观性，在埋藏了数万年以后，今人发掘出红陶艺术作品。加上艺术作品上的舞蹈，使文物更显得美妙厚重。艺术是创造展现美的，人体是绝美的，且符合艺术作品的唯一性，并能体现艺术作品的一切要素，因而展示人体美的舞蹈是正宗的人体艺术。在体操和跳水的体育项目中，尽显人体之美，有人体艺术运动的美，分界中，一定会分为典雅的人体艺术之美。力美，节奏美，旋律美，诗意美，造型美皆体现在体操之中，体操具有人体艺术的升华之美，欣赏的人却毫无一丝邪念。戏剧中的舞蹈，芭蕾舞是人体艺术的更集中更升华的人体艺术之美。而有人把人体艺术同一些不适应人体展示的艺术门类相结合，展示一些掘劣的人体行为，一些人醉心于此种展示，而抵触的人很多。有些甚至毫无艺术性的人体绘画，人体书法，更有甚者，把万物之灵的人体混同于低级动物，植物，以迎合一些品位低下人的喝彩。抵制者众也就不言而喻了。(认同请关注，诚谢)。
卡拉瓦乔是名副其实的写实油画大师？
卡拉瓦乔，意大利16世纪末至17世纪初的一位著名的画家。出生在北意大利伦巴底省的卡拉瓦乔村，因此人们称他卡拉瓦乔。35岁的卡拉瓦乔流落到马尔他岛，接待他的是岛上的骑士团首领温亚库尔，卡拉瓦乔为他画了肖像而使画家获得了骑士团勋章，但因他侮辱了一位骑士而入狱，他又从马尔他逃到西西里岛，身无分文的画家卡拉瓦乔步行赴罗马，染上致命的寒热病，于1610年7月18日抱憾客死异乡，年仅37岁的大师，永远诀别了绘画。没有人知道他的墓在哪里。
马太的神召
卡拉瓦桥所作关于圣马太生平的三张组画之一。在《马太的神召》中，基督和一个使徒从右面进来，税吏马太和朋友们围桌而坐。
《马太的神召》与姐妹作品《马太殉难》一起，是卡拉瓦乔第一次接受大型委托，当他开始同时着手这两件作品时，年仅26岁。在这幅画中展现的是立约的一个突破性时刻：马太仍然沉迷于自己充满罪恶的生活，还没有完全听见召唤。基督和使徒身上穿着古代斗篷，而利未和他的同伴穿着当代人时兴的服饰，两者之间形成强烈对比。
马太的神召画布油画338*348厘米 罗马圣路易吉·德伊佛朗切西教堂孔塔雷利礼拜堂藏
卡拉瓦乔的家乡在米兰附近的小镇，小镇叫做卡拉瓦乔，他父亲是当地侯爵府上的一位类似营造总管的人物，负责监督工匠给侯爵家修个花园哪，建个礼拜堂什么的，所以可以说，他们家是有艺术传统的，1576年，卡拉瓦乔5岁的时候，米兰爆发瘟疫，没多久，他爸就得瘟疫死了，同时死于瘟疫的还有他的祖父和叔叔。只留下母亲抚养他和几个兄弟姐妹，1584年，卡拉瓦乔13岁，到彼得扎诺画家的画室做学徒，彼得扎诺是提香的学生，在当时也是一位非常重要的画家，卡拉瓦乔和彼得扎诺签订了一份为期四年的契约，约定大约就是卡拉瓦乔每年交给彼得扎诺一定数量的学费，彼得扎诺交给他必要的技巧，让他四年后能够作为画家谋生，后来卡拉瓦乔19时岁妈妈也死了，他们哥几个把财产分一分，各奔天涯。
以马忤斯的晚餐
这个故事载于《福音书》中的《路加福音书》卡拉瓦乔笔下的两位信徒（他们在路上与一个陌生人邂逅）都是极普通的人，他们身穿破衣，脸上饱经风霜。但他选择这样一个时刻来表现：信徒和陌生人一块儿坐下吃饭，这时他们认出陌生人竟是复活的基督，信徒们于是大吃一惊。
以马忤斯的晚餐 画布油画139*195cm 伦敦国家美术馆藏
卡拉瓦乔在1592年离开米兰，前往罗马，他离开米兰的时候21岁，如果说米兰发现的真的是他早期的画作，那么都是他21岁之前的作品，到了罗马之后在另一个画家的画室中，当时那个画家能够接到很多教堂壁画的委托，自己画不过来就让学徒们帮忙，而且采取类似流水线作业，比方说某个人专门画水果，某个人专门画动物。这样的方式有可能是当时画室作坊都会用的方式。
圣彼得受难
圣彼得在罗马殉教之时，在行刑者要把他挂在十字架上时，他要求把他倒过来，因为他自觉不配与耶稣同样的死法。圣彼得脸上没有一般受刑者因极度痛苦而狰狞的表情，他用一只手努力支撑起他强壮有力的身体，将眼睛望向画外，似乎是在告诉他所望之人：你们要继续我的事业，去挽救世上有罪的人。
罗马-圣玛利亚德尔波波洛教堂-切拉西礼拜堂收藏
卡拉瓦乔去罗马的时代，对于画家来说，可以说一个好时代。大约在那70年前，罗马整个城市被彻底毁了，罗马城被军队洗劫一空，教堂和宫殿被烧为灰烬，普通市民们也遭到了严酷的劫掠和骚扰，据说，当时的罗马城里都没有一块完整的有玻璃的窗户，人们纷纷逃离罗马，艺术家和贵族都流亡他乡，罗马几乎成了一片废墟。
过了五十年后，80年代，在西斯笃五世教皇的领导下，罗马才开始大规模的重建工作，教会领导工作，自然建教堂什么的都是大工程，大量教堂里的大量装饰画和壁画自然需要大量画家来作，贵族们纷纷回归罗马，觉得天下太平了，于是便开始声色犬马，穷奢极欲，追求文艺，总之，贵族和教会，都成了画家的大救星和守护神。
鲁特琴演奏者 圣彼得堡,艾尔米塔什博物馆（冬宫）收藏
《弹琴者》是油画家卡拉瓦乔最杰出的作品之一，是为音乐的爱好者德尔·蒙代区主教所创。模特儿是少男还是少女，至今还是个谜，油画画中所画写的一届乐谱，是当时在意大利流行的雅各布·艾尔卡德鲁特所创作的通俗歌曲[给君我的爱]。
多疑的多马
在圣经的描述中我们已经看到，其实多马并没手真的伸手去试探伤口真假，然而在卡拉瓦乔这里，多马真的把手伸进去了....
但是卡拉瓦乔要跻身上流社会，得到人们的赏识，并没有那么一帆风顺，刚到罗马时，他基本上是寄人篱下，依靠父亲曾经的雇主的介绍在一些人家的客房中留宿以及流浪，从一家到另一家，基本上没有人对他表达过欢迎下次再来的意思，有一段时间，他和前任教皇姐姐的管家一起住，这位管家不知道是为了什么，也许是觉得这个年轻画家太可怜了，也许是自己想从中捞上一笔，于是给卡拉瓦乔出了一个致富的主意，让他仿造宗教画，这种没品的事情，当然是心高气傲的卡拉瓦乔所不齿的，而且，这位管家差点把卡拉瓦乔给饿死，每日粗茶淡饭，除了沙拉还是沙拉，所以到了后来，卡拉瓦乔提起这位管家的时候，就直接叫为沙拉阁下，由于实在没有办法和沙拉阁下相处，所以，卡拉瓦乔就流浪街头，在大街上给人画肖像或是寻找出头的机会，后来他终于找到了一份正式的工作，在一个叫做切萨利的画家的画室中工作，切萨利是当时的教皇和几位红衣主教喜欢的画家，画画的生意不断，于是便招募了一批小画家，按照流水线作业方式画画，切萨利只让卡拉瓦乔画一些装饰性的花和水果，这种工作是低于人物画的工作，可见当时卡拉瓦乔的地位，也许是由于这个时候画水果画太多了，所以卡拉瓦乔都画吐了，后来才热衷于画些烂了的水果
水果篮是卡拉瓦乔唯一流传下来的静物画。。水果是烂的。。
酒神巴克斯
这幅画据说是画家卡拉瓦乔的一幅自画像。在他面前的石桌上，是一海碗的水果和一大瓶的红酒。他的左手同样对观众伸出满满一高脚杯的红酒，仿佛在邀请观众与之共饮。在绘制此画时，卡拉瓦乔正在生病，所以画中这位酒神的形象多少显得有点憔悴、神情倦怠，完全没有人们想像中的酒神的神采飞扬。
后来有一天，卡拉瓦乔住进了一家教堂的医院，一住有大半年之久，住院的原因据说是被马给踢伤了，不过也有说法是他和切萨利还有切萨利的哥哥打了一架，卡拉瓦乔和切萨利的关系确实不好，卡拉瓦乔心高气傲，喜怒无常，切萨利也好不到哪里去，卡拉瓦乔住院期间，切萨利都没有作为一个老板前去探望一下。卡拉瓦乔在这期间画了两张有名的画，据说这两张画都被切萨利当作画室财产给扣下了，很多年后才流落到一个教皇手里。
生病的巴克斯是他早期的作品，亦称《作为酒神巴克斯的自画像》，是卡拉瓦乔为自己作的自画像。1592年卡拉瓦乔到罗马的第一年就染病住院半年，所以在画中略微抬起的、稍稍偏转的脸上表现出了痛苦的表情，也是自己当时精神状态的真实表现。
抱水果篮的男孩
水果依然是烂的，叶子依然是枯萎的，卡拉瓦乔最喜欢描绘“生命稍纵即逝”的主题，即使是在这幅蕴含着各式色彩，主角亦俊美白皙、正值青春年少的明亮画作《捧果篮男孩》中，我们仍能嗅出“时间”与“死亡”的哀愁。
卡拉瓦乔被马踢伤后住在医院里头，出了医院，他就离开了他的老板，自立谋生，然后他遇到了贵人，因为他画了两幅画，一幅是《纸牌作弊者》，另一幅《占卜者》，卡拉瓦乔画完这两幅画之后，就交给了一个画贩子，然后不知道怎么，这两幅画被一个叫做德尔蒙特的红衣主教看到了。这位主教是个有钱的艺术爱好者，同时是个赌鬼，看到这描绘赌博和算命的画作，自然觉得十分欣喜，于是他便和卡拉瓦乔结为了好基友，1595年，卡拉瓦乔搬到了主教大人家中居住，主教大人住在一个名叫夫人宫的地方，家里还养了好多艺术家，卡拉瓦乔在经历了几年居无定所，备受压榨的生活之后，终于过上了好日子画了一些无忧无虑的画。
纸牌作弊高手
这件油画作品《纸牌作弊高手》被认为可能是卡拉瓦乔第一件真正的杰作。作品描绘的是一个不谙世事的小男孩正在落入纸牌圈套的情景，美国得克萨斯州·沃思堡市·金贝尔艺术馆收藏。
《女占卜师》巴黎卢浮宫美术馆珍藏
卡拉瓦乔自从遇到红衣主教，就过上了太平日子了。画了那些轻松的画作送给主教和主教的朋友以及其他的贵族，然后还在主教的介绍下接到了大的教堂的委托，卡拉瓦乔一时之间成了罗马炙手可热的人物。据说卡拉瓦乔画一个人头的价格是别人画全身的价格的好几倍。卡拉瓦乔天生就是个不安定的人，传说他每工作几天，就挎着剑，身后跟着一个仆人，大摇大摆地闲逛并且惹是生非，打人，被打，如此晃荡上几个月。他的名声越盛，他的行为就越乖张。名字也不停地出现在罗马警察局和法庭的记录中。
《朱迪思砍下霍洛芬斯的头颅》
《埋葬圣露西》
《犹太之吻》，是卡拉瓦乔的传世名作。曾于2008年7月乌克兰黑海敖德萨港口的东西方艺术博物馆被盗，后被找到。作品描绘的是耶稣在橄榄山脚下经过一夜的祷告被捕的情景，耶稣和犹大的形象被犹大背叛的吻联系在一起，周围是耶稣的门徒和罗马士兵。尽管画面中没有可见的光芒，但是卡拉瓦乔将明暗对比法运用于画面中的人物和盔甲的描绘，使画面非常生动。画面中最右边的角色就是画家本人的自画像。
在卡拉瓦乔的时代之前，画中的一切都是完美的，即便展现的是悲剧，那悲剧也是臻于完美的，圣人带着圣洁的光，民众为了圣徒而悲悯，画家在画奇迹的故事时，即便找了普通人来做模特，但是所展现出来的，也是不带半点人间烟火气息的，而另一个方面，不同画家画了不同版本的圣母，这些圣母也是相差不大的，但是卡拉瓦乔却是一个极端的写实主义者，他画出了残缺，画了真实的粗俗，他画静物的时候，画烂了的苹果和梨子；画出的圣母和圣徒就像是街头的普通人，他最喜欢找一些街头的流浪汉或是妓女做他的模特，有人对他说，应该到古希腊和古罗马的雕塑中去感受力与美，他回答说，我在大街上碰到的第一个吉普赛女郎身上发现的美，要比那多得多。
《圣母之死》
1602年时，一个教廷的律师委托卡拉瓦乔替他的私人教堂作画《圣母之死》，计划要挂在圣玛利亚德拉斯卡拉的新会堂里，它是属于加尔默罗修道会的教堂。拉瓦乔所画的圣母不是在沉睡，她苍白的皮肤和红布包裹浮肿的身体和赤脚，说明她真的死了。把圣母画成这副模样，这是那些崇敬她的人所无法接受的。尤其让人无法忍受的是，谣传卡拉瓦乔是从停尸间里找到一位淹死的名妓女来作画。还有人谣传，卡拉瓦乔是这位妓女的顾客之一。那批崇敬圣母，相信她听穷苦无告人的祷告，为他们治病的加尔默罗会的姐妹们实在法接受，把画退还了。画家鲁本斯却非常欣赏这幅画，认为是卡拉瓦乔最好的作品之一，建议他的东家曼托瓦公爵把它买了下来（后来被英王查理一世买走，英王被杀后，辗转被法国人收购，藏在卢浮宫）
《提着歌利亚头颅的大卫》，画的是圣经里头的故事。曾经那个时候，给教堂画装饰画、壁画什么，大约是画家最主要的经济来源了，所以，圣经故事，就是永恒不变的创作主题，大卫用小石头打死了歌利亚，然后冲上去，拔出歌利亚带的剑，割下了歌利亚的头，米开朗基罗的雕塑塑造的是准备扔石子的大卫，是故事即将发生的那一刻，而卡拉瓦乔的这幅画，则是故事终结的那一刻。
画面上面目姣好的大卫，似乎并没有丝毫兴奋之情，反倒是个表情沉痛的胜利者。他手中提着歌利亚的头颅，用的是卡拉瓦乔自己的自画像，狰狞恐怖，还在淌着血。大卫手中的剑，上面刻着拉丁文的缩写，“谦卑杀死骄傲”。对这幅画，最靠谱的解读是，卡拉瓦乔希望用这幅画来向希皮奥内·博格瑟红衣大主教争取宽恕和同情。
圣马太殉教
这是卡拉瓦乔第一幅宗教画，其实就是一个意大利底层社会的小赌场。作品问世后，立即引起教会的愤怒谴责和订画者——罗马法兰契奇教堂的拒绝。认为这是公开对神圣宗教的亵渎。
这幅巨画（他又把自己画进去了）。这幅油画现存于意大利罗马圣路吉教堂。
圣马太与天使
这件作品曾做过两次修改，第一次创作的时候圣马太卡被描绘成一个秃头农民，腿脏兮兮的，一个身穿薄衣太过亲昵的天使男孩在照顾他。但是这件作品被订件人拒收，所以卡拉瓦乔又做了一次修改，便是现在看到的这件作品。
《七善行》又译《七个善举行为》，描绘了传统天主教信仰中的七个善举，这是一套关于他人物质福利的慈悲行为。本来是七个单独的故事画面，然而卡拉瓦乔却将所有七个仁慈的行为结合在了一个画面上。把这七善举动画成一幅画，难度自然很艰巨，但卡拉瓦乔的确是很好的完成了这一任务。除了七个善举外，为了更加丰富画面的内容和感染力（也或许是为了构图的需要），在画面的上方，卡拉瓦乔增加了“空中圣母抱着小耶稣，和两位赤身拥抱的美少年天使，看着人世间正在发生的这七个善举行为”的内容。
意大利那不勒斯教堂收藏
《圣哲罗姆》
圣哲罗姆是早期基督教拉丁教父，是古代西方教会领导群伦的圣经学者，也是西方教会中最有教养、最伟大的学者，被罗马教皇封为圣徒。所以哲罗姆也被许多著名画家作为绘画的题材。
1608年创作《圣施洗者约翰被斩首》时，卡拉瓦乔当时是被定罪的杀人犯，绘制这幅画等于他的出狱金牌，他画的是施洗圣约翰被砍头的场景。这幅画描绘一个圣经故事，希律王把忠言逆耳的施洗约翰下到监里，为了讨好能歌善舞的莎乐美（手中拿着金盆的少女）和她的母亲，希律下令把约翰给斩了，把头带进宫里。他们把约翰拖到监狱的院子里。
虽然卡拉瓦乔在马耳他骑士团的短暂生涯中毁誉参半，但他的画作还是得到了历届骑士团成员的欣赏和保护，甚至在拿破仑驱逐骑士团之后，《被斩首的施洗者圣约翰 》依旧安让无恙地供奉在圣约翰教堂中。1950年代它得到了科学修复，卡拉瓦乔的签名也重见天日。今天，它作为艺术瑰宝吸引着各地慕名而来的卡拉瓦乔爱好者。英国王子威廉（居中秃顶者）访问马耳他期间特意参观了卡拉瓦乔《被斩首的施洗者圣约翰 》瓦莱塔圣约翰教堂藏有两张卡拉瓦乔画作，另一幅是《圣哲罗姆》。
阿洛·德·维格纳科特画像
1606年，他在争执中失手杀死了一人，为了躲避仇家，他出逃来到了马耳他，希望能加盟鼎鼎有名的马耳他骑士团（即圣约翰医院骑士团）。当时在位的大团长就是画中这位阿洛·德·维格纳科特，正是这幅骑士团团长的画像令卡拉瓦乔当上了骑士，因此他在罗马杀人的罪行得以赦免。
骑士团至今存在，目前是联合国观察员，具有“准国家”性质，没有领土，是历史上著名的三大骑士团之一，也是目前世界上最著名的微型国家之一。
《基督下葬》是卡拉瓦乔30岁时绘制的一幅最著名的祭坛画，这幅祭坛画最初是圣马利亚·德拉·瓦里契拉教堂的订件。描绘的是基督被钉死十字架后，信徒给他下葬的悲剧场景，现由梵蒂冈美术馆珍藏。
卡拉瓦乔一般不用粗糙的硬毛笔来创造厚、深颜色层的画面效果，而是用软毛笔和相当稀薄的油质溶剂调和颜料作画，因此它的画表面光洁平滑而坚实，尽管他不像其他艺术家那样有众多后继者，但他的艺术的影响力是后来的，如意大利，西班牙，弗兰德斯，法国艺术家，特别是对荷兰的伦勃朗产生极大的影响。
作为巴洛克时期最伟大的艺术家，不论生前还是死后，卡拉瓦乔都备受争议。他将下层平民形象引入宗教画中，把神圣的宗教题材当作日常生活的风俗画来描绘，在绘画语言上大胆革新。不仅在当时将现实主义艺术推向一个新的阶段，而且还对18世纪的市民艺术，19世纪的批判现实主义艺术产生了很远的影响。
不懂油画的人？
如何欣赏油画？可以先从历史、国度、大家及作品探索。
油画开山鼻祖，是范艾克兄弟。他们是北派。看这幅，15世纪啊，就这么纤毫毕现了。衣服木纹灯的反光，小动物都画得毛茸茸的。都画得逼真。这种画，我们就主要赞美他们的写实和细节勾勒。我们就叫北欧镜子派吧。但那会儿，南方人看不起北方人。小家子气嘛。意大利讲究形体美。构图端庄。线条温柔。写实不写实，无所谓。意大利画派太多了，费拉拉画派、罗马画派、锡耶纳画派，很琐碎，只找主要的。好，佛罗伦萨派，我觉得还是拉斐尔最好，他的画就是理想美。我们就叫佛罗伦萨理想派。对了，拉斐尔后期一直在罗马工作，所以他算罗马画派也行——牛人嘛，大家都把他往自己堆里扯。罗马画派比较端庄，鲁本斯认为有建筑之美。咱就看个意思。比如圣母这幅就端庄稳定，结构跟个金字塔一样。这就是结构和形体之美了。而这幅《该拉忒亚》就是构图如神、形体美丽之极了。整体构图又帅气（注意每个人的造型），单个形体又圆润美丽。这篇偏佛罗伦萨风。意大利另一大派是威尼斯画派。大当家是贝里尼，传了弟子是乔尔乔内和提香，后来有委罗内塞和丁托列托这二位。威尼斯比较富丽堂皇，颜色华美。那我们就姑且叫威尼斯色彩派？看提香走一个《乌尔比诺的维纳斯》。感受一下肌肤的柔润色彩。以及委罗内塞《加纳的婚礼》，就卢浮宫《蒙娜丽莎》正对面的，我最喜欢的画作之一。感受一下这种明丽堂皇。大家已经发现了，威尼斯人画画比较老实，背景细节也给你画。不像拉斐尔他们，背景比较玄幻。这方面呢，佛罗伦萨和罗马派比较唯美些。威尼斯就更重色彩明丽。而北方画派也要乱了。首先，北方有个手法主义，专门扭曲变形玩美感。他们认的祖师爷里有一个是米开朗琪罗呢。看博施这幅：所以你看，16世纪就有怪咖画家了。我们就叫这派为手法主义怪咖派吧……欣赏他们，主要欣赏个构思和构图……意大利人不屑画风景，北方人表示，他们乐意啊，就开始有风景画，加了人，就是风俗画(genre）了。于是有了风俗画派。那会儿北方风俗画派比较写实。特别淳朴，不妖艳，还是按照镜子派下来的。以下老波鲁盖尔的农民风俗画：朴实吧？结实吧？嗯就是这个。后来呢，意大利锡耶纳派和罗马派几位爷一倒腾，圭多-雷尼、卡拉奇兄弟们开始研究光影。最后就出来卡拉瓦乔这个大魔王。他是独成一派的，明暗对比(eclair-obscure），你看哪些画里黑魆魆的，那都是学他。我们就叫他卡拉瓦乔明暗派吧。看上去是不是有点舞台感呢？好了，卡拉瓦乔的舞台感和光鲜启示了许多人。比如那会儿荷兰独立了，就出了荷兰黄金时代画派那些大妖人。中间就有伦勃朗和维美尔这些怪物。伦勃朗就是光影、画技、人物神髓的集大成了。看这画，光影、笔触的感觉、整体对派头、坚实程度、衣服材质的勾勒、头发蓬松的质感，浑然一体了吧？维美尔则是光影细节上面有点疯了。注意左边打进来的阳光照在人脸的质感。伦勃朗的浸泡式光影和卡拉瓦乔的酒窖式明暗，后世都归到了巴洛克里面。但最巴洛克的人是谁呢？鲁本斯。这货是比利时人，但去意大利学过艺，是贯穿南北的大宗匠。所以他画的画，有北方的色彩斑斓华丽，又有南方的肉体和构图。他是布置场面的高手，场面宏伟无比。德拉克洛瓦说他是画家里的荷马。他算是巴洛克力量派画家？感受一下：力量、色彩、构图、舞台般的场面激烈度。巴洛克还有一位大宗师，西班牙的维拉斯凯兹。他是古往今来肖像画最好的人之一，不过经常被低估就是了。他也算巴洛克那种华丽优美之风的代表，但戈雅认为他其实很酷……后话。好了，来到法国了。法国先是有一群人学卡拉瓦乔的明暗派，后来出了大宗师普桑。这位长期在罗马工作，简直可以算罗马画家了。他算是古典派，就是特别端正，画不会太热也不会太冷。人的造型都稳重。蓝色和红色哪个都不会太多——蓝色冷，红色暖嘛。当然他画里也常有激烈的场面，但大体布局都四平八稳的，不会很乱。看他的画，大家都规规矩矩很稳重的样子。感受一下他的温厚吧。我们就叫他古典稳重派。到了18世纪了。法国人不巴洛克了。他们要洛可可，要纤细，要优美。就出了个华托。他算是法国的大宗师之一，虽然英年早逝。这人的画，轻巧明丽，有装饰性，轻盈优美，有舞台感，细节画得很巧，就跟宫廷舞会似的。他这一派比较独立，就叫华托纤秀派好了。后来洛可可派出了两个老流氓。一个是布歇，一个是弗拉戈纳尔。画自然没的说，但画得比较色情柔靡。大家批判的看一下这种洛可可老流氓派，感受一下那种轻盈细致。18世纪末，又有几派要造反了。首先是戈雅。这是个怪咖。梵高之前的梵高（他们都很妖，而且都因为用黄色颜料铬中毒）。这位爷喜欢画各类妖异的东西，到晚年甚至打算放弃模仿3D。总而言之，很有异域风情。看这幅里的细节质感，以及那种幽森的感觉……然后是大卫为首的新古典。他们要画历史题材，画英雄般的人体，画古希腊古罗马那种英雄姿态。新古典派基本都是大历史题材。最有名的自然是这幅：逼真不逼真另说，看把这形体画得多么雄伟牛叉！我们就叫新古典主义翻拍历史题材派。大卫教了个徒弟叫安格尔。这位爷把新古典继承下去，变成了法国学院派。他觉得就把人往拉斐尔当时的路子里画，画得有理想美，画得逼真。所以安格尔一辈子都在探索人体怎么裸比较纯粹比较美。注意下面这幅画的肌肤光影、构图和素描之准确。但又陆续有人反安格尔了。第一位是浪漫主义的德拉克洛瓦。这人绰号叫浪漫主义狮子，崇拜鲁本斯，所以就是浪漫主义狮子派。画起来风飞怒发。他还是第一个把笔触披洒让大家看的人，感受下他的色彩、燥热和力量：然后是库尔贝。这位比较现实主义，要画最日常的玩意，不想画编出来的东西。比如：再然后，19世纪法国有许多画家喜欢野外写生，里面有位大器晚成的柯罗，成了史上最伟大风景画家之一。他能够把握景物的动态，画出风吹树叶毛茸茸的质感。于是：德拉克洛瓦的叛逆精神；库尔贝的“画眼前所见日常事物”和柯罗这种野外写生把握动态的精神融合了。就变成了“在现场作画、把握稍瞬即逝的光线，把握光影”的做派。那就是印象派的莫奈了：后来，塞尚进一步研究，觉得一切素描，其实都是色块。所以他试图在物体的材质、色彩和存在感上做文章，这就抛弃了以往的西洋画技法了。大家感受一下塞尚对颜色和形体的执着：最后，就是大家都受了日本浮世绘影响，开始尝试东方化的散点透视。西方油画的技法开始和东方融合，就是后印象派和20世纪了。下面这幅，是梵高模仿日本大宗师歌川广重的。如何欣赏意大利画家委罗内塞的名画维纳斯和阿多尼斯？
意大利画家委罗内塞的名画《维纳斯和阿多尼斯》
“维纳斯”是西方画家们笔下的绝佳题材，波提切利、提香、乔而乔涅、委罗内塞等大师级的画家都创作过有关维纳斯的油画作品；要欣赏意大利画家委罗内塞的名画《维纳斯和阿多尼斯》，就要先了解女神维纳斯和阿多尼斯的故事，原本欣赏神话题材的艺术作品，就是了解作品的故事，
维纳斯的情人阿多尼斯是位英勇的猎人，虽然维纳斯为了能与他厮守，离开奥林匹斯山，跟随阿多尼斯在人间居住，但阿多尼斯太沉迷于狩猎，总是带着他的猎犬四处追逐猎物，被留下来的维纳斯自然感到分外寂寞，维纳斯知道阿多尼斯再这样下去，终有一天会死于猎物之手，却又无法阻止，她虽是女神，却只能无力地祈求她的爱人能留在身边。
委罗内塞笔下的《维纳斯和入睡的阿多尼斯》这幅画是阿多尼斯在维纳斯身边入睡的情景，委罗内塞笔下的阿多尼斯不是一般美少年的形象，而是一个成年男子，手上的杯子，暗示阿多尼斯是在酒醉后入睡，他身边两只猎犬，一只已入睡，另一只正张口欲叫，
小丘比特连忙抱住猎犬，阻止他叫醒阿多尼斯，这时维纳斯回过头来，她的表情似乎在说：让他睡吧，请不要叫醒我的爱人。艺术家通过这幅画来表达人文主义思想精神之下，人们向往的自由舒适悠闲的生活，必定会实现。
委罗内塞作品《维纳斯和入睡的阿多尼斯》局部
如何评价油画艺术大师鲁本斯的画作美惠三女神的画风？
如何评价油画艺术大师鲁本斯的画作《美惠三女神》的画风？
《美惠三女神》是鲁本斯这位“色彩大师”晚年之作，虽算不上他的巅峰之作，但也是极有代表性的作品之一。
鲁本斯《美惠三女神》作品中鲁本斯运用稍微夸张的手法，塑造出三个身体丰满健壮，充满着活力气息，具有雕塑的质感的女性人体，具有极强的艺术感染力。这幅作品中对女人体的描绘一直是鲁本斯——这位“肥女大师”的一贯风格。他描绘的女神，过度的注重了对臀部的描写，那丰盈硕大的臀部已经达到了优美已经丧失的地步。从画中能看出他所表达的是活生生的人和美丽的自然而非“伟大的神”，将神话人物彻底世俗化了，这正是鲁本斯崇尚人文主义精神的写照。
鲁本斯代表作《强劫留西帕斯的女儿》画中他以娴熟的手法、跳动的笔触，在作品中展示着女人丰硕的肌肤，构筑了犹如交响乐般的色彩效果，他将明暗的律动、光色的此起彼伏，充盈整个场景。他的绘画给人的是一种不必多加修饰，浑然天成的感觉。
鲁本斯《忍冬树下的鲁本斯和妻子伊莎贝拉》鲁本斯的这幅作品可以说是他晚年对自己一生感情生活的一种缅怀，在《美惠三女神》中他将将自己三个身材高大、体格健硕的妻子描绘其中，左边的女神是以现任娇妻海伦娜为模特，右边的女神是根据记忆画上了已故亡妻伊莎贝拉的身姿。中间背对观者的是鲁本斯最早的妻子夏洛蒂，从画面上看，三个女性都若有所思地望着其他两人，把女性心理刻画得非常准确。
鲁本斯《海伦娜肖像》他借助极度真实的光影效果和运用动感强烈的色彩来描绘画中人物，通过使用人物的重重叠叠的透视关系，将女人体的皮肤刻画得饱满又富有弹性，闪闪发亮，犹如珍珠般的光泽。他同时还运用丰富绚丽的色彩，让画面形成一种人情洋溢的场面，也流露出他对爱妻浓浓的情意。
鲁本斯\勃鲁盖尔《美惠三女神》除了这幅作品，鲁本斯还创作过几幅有三美神形象的油画。其中一幅是和小扬·勃鲁盖尔共同创作的《美惠三女神》，这幅画作中的健硕的三美神形象很显然出自鲁本斯之手，画中的山野背景据说是小扬·勃鲁盖尔所画。
鲁本斯《玛丽·德·美第齐的教育》美惠三女神是优雅和幸福的化身，所以也很自然地被鲁本斯用在了教育主题的画作《玛丽·德·美第齐的教育》之中，表现的是法王亨利四世的第二任王后玛丽出生后受到的良好教育的场面。
鲁本斯名画《基督的复活》鲁本斯善于创作宗教和神话题材的作品，也善于创作肖像画与风景画。这位佛兰德斯画家、巴洛克画派早期的代表人物，把威尼斯画派的明亮色彩与柔和光线、米开朗基罗作品的雄浑气势、希腊雕塑的形态和活力全部融合在了一起，又加以艺术的创新，形成鲜明的个人风格。他的作品总是用激动人心的场面、想象力丰富的情节和无比亮丽的色彩，画面洋溢着理性和感性的张力与古典浪漫主义情怀，具有一种非凡的美。
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