莫奈一生遗留500件素描2000多幅油画及2700封信件足迹由巴黎大街到地中海岸从法国到伦敦、威尼斯、挪威，老七整理了莫奈最有名的几幅画另附鉴赏哦▽【1】《草地上的午餐》25岁的莫奈在舍依曾画过一幅长20尺的巨作《草地上的午餐》（4.5×6米）。实际上是莫奈为了完成巨幅油画所创作的一幅“在这幅画中从题材和构图来看肯定是受马奈的《草地上...
雷诺阿代表作品赏析，法国画家莫奈有哪些经典名画？
莫奈一生遗留500件素描
2000多幅油画及2700封信件足迹由巴黎大街到地中海岸从法国到伦敦、威尼斯、挪威，在各地旅行写生，留下无数的作品。老七整理了莫奈最有名的几幅画另附鉴赏哦▽【1】《草地上的午餐》25岁的莫奈在舍依曾画过一幅长20尺的巨作《草地上的午餐》（4.5×6米）。那时库尔贝也在舍依作画，他很喜欢莫奈，常来看他并给《草地上的午餐》提修改意见。此画完成后，莫奈十分后悔听了库尔贝的意见，对作品很不满，决定不送沙龙展出。在离开舍依时因缴不起房租而将此画作抵押，可惜因房屋潮湿，这幅巨作被损毁了。今天我们所看到的这幅《草地上的午餐》，实际上是莫奈为了完成巨幅油画所创作的一幅“草稿”，但即使“草稿”，它仍然有1.3米高，1.8米宽。在这幅画中从题材 和构图来看肯定是受马奈的《草地上的午餐》一画启发而作，也可能是想和马奈一比高下。1865年，莫奈初识卡美伊，请她做自己当时正在筹划的一幅巨型油画《草地上的午餐》中的模特。画面中左侧第一个侧身的女性就是以卡美伊为模特来绘制的。这幅画是在户外完成的，因此和马奈的《草地上的午餐》比较，在描绘外光的生动和景物的真实自然方面，确有过之。画中阳光透过林木洒在人物身上和地面景物上，透明灿烂，令人耳目一新。莫奈运用印象派的光影手法，描绘了草地上消闲的绅士淑女。画家以幽暗的树荫为背景，衬托着前景白布上的 男人、女人及食品，体现了夏日消闲的假日午餐。后面的一对情侣正要起身离去，一片片绿叶在强烈的阳光照耀下， 显得异常透亮，不仅点明夏天的炎热季节，也增添了画面的颜色。景物、人物都描绘得十分鲜明动人。外光的运用， 给画面带来了色彩斑斓与清新爽朗的效果。莫奈1865年的《草地上的午餐》，是向马奈1863年同名作致敬。他为了如实描绘光影效果，在地上挖了大坑，在坑内进行创作。本作虽然对人物有精确描绘，但真正出彩却是背景的树叶，它们在逆光下呈现出透明的绿色，由黄绿到深绿色彩层次极其丰富，莫奈解释说这画中每一片树叶对他来说都是模特的脸▽【2】《日出·印象》日出·印象 法国 莫奈 布上油画 纵48×横63厘米 巴黎马蒙达博物馆藏此画是莫奈描绘勒·阿弗尔港口的景象：海水在晨曦的笼罩下，呈现出橙黄或淡紫色。天空的微红被各种色块 所渲染，水的波浪由厚薄、长短不一的笔触组成。三只小船在薄涂的色点组成的雾气中显得模糊不清。船上的人与 物依稀能够辨别，还能感到船似在摇曳缓进。远处的工厂烟囱、大船上的吊车……这一切，是画家从一个窗口看出 去画成的。莫奈以轻快而跳跃的笔触，表现出水光相映，烟波渺渺的印象。莫奈画过许多水题材的画，最具世界声誉的是这幅描绘旭日初升、雾气迷蒙港口的画。画家所描绘的是勒阿弗尔港口的一个多雾的早晨。经过晨雾折射过的红日，形成了一个感觉上的灰绿色的世界，这个世界是真实的，又是幻觉的，它每时每刻随着太阳光而变化着，画家运用神奇的画笔将这瞬间的印象永驻在画布上，使它成为永恒。这幅画于1874年4月15日第一届“独立派”画展中展出，《喧噪》杂志记者勒鲁瓦，以这幅画题写一篇评论文章，“印象派”由此而得名。莫奈热爱大自然，广袤的田野、潺潺的流水、变化无穷的天空都是他绘画对象。▽【3】《睡莲》睡莲 法国 莫奈 布上油画 纵89×横92厘米 丹佛美术馆藏43岁的莫奈在吉维尼定居后，在庭院里修了一个池塘，在池塘里繁殖了睡莲，成为他晚年描绘的主要对象。这幅《睡莲》是莫奈64岁时所作的早期小幅作品。莫奈晚年最重要的一件作品是连作《睡莲》。这是一部宏伟史诗，是他一生中最辉煌灿烂的“第九交响乐”。1880 年之后，莫奈与印象派的其他画家们疏远了，他在吉维尼造了一座小花园，住在里面作画。他喜欢把水与空气和某种具有意境的情调结合起来，这样产生了《睡莲》组画。 沿着水面，美丽的睡莲一片片向湖面远处扩展开来，画家利用了树的倒影，衬托出花朵的层次，是十分有创造性的 构思。莫奈把整个身心都投在这个池塘和他的睡莲上面了，睡莲成了他晚年描绘的主题。此后27 年里，他几乎再也没有离开过这个主题。▽【4】《韦特伊莫奈花园 》韦特伊莫奈花园▽【5】《穿日本和服的卡美伊》《穿日本和服的卡美伊》这幅作品，和莫奈以往甚至以后的诸多作品相比较，风格是独特乃至迥异的。莫奈的印象派风景画，以户外自然光线下的色彩变化为其主要追求效果，因此有人称其为“外光画派”，而这一幅《穿日本和服的卡美伊·莫奈》显然是在室内完成的，整幅画上可靠的光源，主要来自右侧的窗子，缺少以往户外直射的阳光。其二，一般来说，由于非直射光线的缘故，室内画的颜色更多偏向中性一些，而这一幅画的颜色却异常浓重、猛烈，说明这是画家要刻意追求的效果。第三，和莫奈以往不关注作品的细节处理不同，这幅画对人物、对衣服的花纹，甚至包括对背景中团扇上花纹等等细节的处理都很细致，这也和莫奈以往的风格也不相符合。第四，也是更重要的一点，这幅画所处理的异域风格主题，放在莫奈的整个作画传统中，都是比较突兀的。和服、日本团扇、折扇、榻榻米、浮世绘歌姬、能剧鬼脸等等日本元素，构成了这幅画主要的内容。▽【6】《撑阳伞的女子》《撑阳伞的女子》是莫奈画于1886 年悼念亡妻卡美伊的作品。人物形象很模糊，连五官和表情都看不见，但随着笔触堆叠的方向，可以感受到草原上吹拂的微风和女子丝巾上跃动的阳光。卡美伊因病死于1879 年，时年37 岁，莫奈在同年画下了《临终的卡美伊》，画中以忧郁的色调、纷乱的笔法，传达出失去爱妻的悲伤。但我总觉得，莫奈爱画胜过爱自己的女人。他曾经这样描述他作此画时的感受：“在我最亲爱的女人的病床前，我发现自己很本能地在这张木然的脸上逡巡，寻找死亡带来的色彩，观察颜色的分布和层次变化我已经主动迎接色彩的冲撞了。”妻子死亡时，他竟还能如此冷静地解构、分析。▽【7】《冬天的国会大厦 》冬天的国会大厦▽【8】《厄普特河岸边的白杨树》（从沼泽地观望厄普特河岸边的白杨树）莫奈视线中的情景是纯真而自然的，表达的是内心真实的感受；他笔下的物象的交融，体现了万物皆有灵气，即使一树一石亦不乏生气，一点一线皆可贯注人之生命运动。总之，画为心迹，莫奈追求的是一种本色美、自然美的艺术意境，是一种从欣赏美到认识美、最后超越美的境界。▽【9】《象鼻山西边的象鼻子》（埃特尔塔的悬崖）象鼻山西边的象鼻子（埃特尔塔的悬崖）这幅画又名《埃特尔塔的悬崖》，艾特塔特石灰断崖矗立在诺曼底海岸上，因为其形象的高大奇特而被十八世纪的许多画家表现于画布之。在众多关于此景的油画作品中，以印象派画家莫奈的《埃特尔塔的悬崖》最为著名。从构图上看，这是一个横幅作品，庞大的拱形悬崖占据了画幅的左上方三分之二的宽度，左侧岩壁沿着画布的左端被垂直切断。悬崖因此显出奇异的、巨大的视觉冲击力和鲜明的崇高感。从色彩塑造方法上看，画家用写意的笔法表现天空和海的远景形象，用写实的笔法表现悬崖的背面和海的近景形象。以衬托出悬崖背光面和近景海面的有力的实景。画家选取了景物的背光面来表现景物，显示了它的色彩表现功力。在大面积冷调子的背光面里，色彩丰富而厚重，笔法整飭而严谨，给人以凝重而沉积的感觉，欣赏时需屏息而敛神。在此背景的反衬下，日光直射的悬崖色彩温暖而热烈。阳光中的景物和近景海面波浪用笔粗犷、跳跃，充满激情，与严谨的天空和背光悬崖的表达方法形成鲜明对比。这一部分的表现使整个画面形象丰富生动，色彩丰富而富于美感。▽【10】《花园里的女人们》花园里的女人们《绿衣女子》的意外成功，使得年轻的莫奈雄心勃勃，决心绘制另外一幅大型油画《花园里的女子》（2.55×2.05米），在这幅画中，三位女子的形象都是以卡美伊为模特完成的。据说为了绘制这幅油画，莫奈在花园里挖了一条壕沟，将巨幅画板竖在壕沟里，然后自己站在壕沟的边沿上挥笔作画，足见规模浩大。不过可惜的是，莫奈的这幅画作并没有被当时的年度官方沙龙画展所采纳，其原因今天的我们实难理解。1866年莫奈创作了《花园里的女人们》，这件作品是这个时期中最为重要的一件。创作是在租来的房子的庭院里进行的。由于画幅很大，为了便于挥笔，他在庭院中挖了一个地沟，把画布降了下去。画面上的4个女人，都由一位模特儿充任，因此要不断改变她的装束、发型、姿态，画家需事先分别画出草图，然后再组合到一起。这位模特儿就是1864—1865年与莫奈邂逅的卡美伊（后来的莫奈夫人）。为了尽可能在相同的日照下作画，有时画家不得不停下来等待时机。为了突出四位美丽的浅色着装女性，使之更显华丽，画面上使用了大量的浓绿色，尤其是眼前坐在地上展开白色裙子、手持遮阳伞的女人，在她的身上既有林间射入的阳光，又有树木的阴影，的确是真实的再现。作品虽然相当的新颖，但未被1867年的沙龙选中。“穿绿衣的女子（卡美伊）”是在画室里完成的人物画；“圣·热尔梅娜·欧泽华教堂”是在外光下画成的风景画。《花园里的女人们》一画把这两种观察方法结合起来了。这里的画面基本上是根据一幅照片安排的，这说明莫奈并不介意使构图服从了自然景物的偶然性。照片本来也该使莫奈想到空间的深远效果的，然而，莫奈对此也并未介意。使他感兴趣的仅仅是平面和色彩对比而已。正因为这幅画的人物没有立体感和起伏，色彩才能在这里大放其光彩和充分显示其多样性。妇女衣裙上的花饰，草坪上的鲜花，突出在大片浓绿之中的叶子，从树叶的空隙之间透露出来的天空，穿透阴影的光线，这一切造成了一幅色彩妍丽的镶嵌画的效果。但这幅油画缺乏色调效果：光线和阴影落在了人物所占据的同一个平面上，因此，光线不能渗透人体，不能成为形的实体。大片固有色起了过多的作用。所有这些合在一起，与其说是真实表现了所见的事物，不如说是一种公式，但这种公式正是一个空前大胆的纲领。这一纲领的公式化一旦消失，光线便将渗入中间调子，生命也将渗透每一个笔触，而整体的统一也就将要形成，那时，艺术就会变得花团锦簇，印象主义就要完全成熟了。▽【11】《海滨公园打伞的女子》海滨公园打伞的女子(卡美伊)这幅画构图偏上，左侧的小男孩与打伞的妇女形成了一个三角构图，起到平衡画面的作用。以绿，蓝，褐为主色调，色彩清新明快，人物的衣服颜色与背景统一，看不到明确的阴影与轮廓线，笔触大胆随意，裙摆与草的走向充满动感。整个画面给人的感觉是朦胧的梦中场景，作者用大小比例及覆盖遮挡的方法巧妙的区分了妇女，小孩，天空的空间关系，表达的很到位。他已很好地捕捉光影和画中的瞬间印象感觉。画中女人面部和上半身都用上较暗的色彩，表明是处于阳伞的阴影之下，而整个阳伞、面部、衣裙和草地上的阴影区，与女人衣裙上向光一面的光影形成对比（小儿子方面也一样），女人摆动的头巾和长裙上的绉褶也加强了画面的动感。莫奈比任何画家更着重于捕捉一瞬即逝的景象，并不注意物体本身的轮廓。他说：“光是画中的主角。”他又描述如何努力去画“空气的美……但这是不可能的.”莫奈毕生致力绘画那些不能画的东西，这幅画里天空中有浮云掠过，我们几乎可以感觉到那吹送浮云的微风。1875年，这一幅画作，实际上是莫奈所有关于卡美伊的画作中最广为人知的一幅。当时的莫奈，大概也处在人生最“惬意”的时候，娇妻幼子，年富力强，事业虽算不上成功，但一直在朝着非常有希望的方向前行，生活虽然不富足，但是压力也没有很大，所以这一时期莫奈的画作无一例外都满是阳光、鲜花，生气和活力。事物的发展，似乎总喜欢和大家开开玩笑，今天，你的生活一帆风顺，你大概会觉得，也许能一直这样下去，可是突然间就有了变化，出现坎坷倒不说，痛苦的是有时候往往会一下子变得很惨。谁又能想到，画面中这位阳光灿烂的年轻女子，仅仅四年后，会突然因为疾病失掉了生命，命运就是喜欢这样折磨人。所以说，作为芸芸众生中最微不足道的一个，我们每个人或者都应该更多一些忧患意识，当你觉得幸福、甚至平淡的时候，多想想人生中可能会出现的坎坷与不幸，也许你对当下的幸福感受就会更深一些。说是这样说，可谁又真能当着春天的迷醉时，想得起及时挪走梯子，从而把春风留在人生的房顶呢？▽【12】《冬季早晨时的干草堆》冬季早晨时的干草堆印象派认为真实是转瞬即逝的视觉印象,冲破了以往的绘画成见,直接用色彩来表达视觉。《干草堆》用的就是莫奈所擅长的纯色色点并置的技术，使观者获得色彩混合和震荡的独特的视觉感受.《干草堆》是莫奈的主题绘画系列之一，它记录了干草堆在一天不同时间光照下的色彩变化.印象派画家强调瞬间的视觉印象,其绘画表现的是一瞥的印象,一反以往那种追求精确逼真的绘画观念。倘若想在印象派绘画中寻找逼真的一面,那么就要远看。但印象派绘画吸引人的正是它的朦胧和色彩变化的微妙。干草堆，它的光影效果做的非常漂亮，实际上它是一个色彩印象，乍看上去，这仿佛是一个五岁小孩儿的信笔涂鸦。没有细部.不代表那真的是涂鸦！ 莫奈不只满足于能够画他所看到的事物和按照他所看见的那种方式来做画；他想要创造一种独特的效果，达到一种在绘画上似乎是不可能达到的目的。其实《干草堆》这一主题早在1888年时就已被想到。这种景物只有秋季才有。于是他从秋天一直画到翌年初春，不断观察其光的变化。前后一共画了24幅。既有单幅的，也有成组的。角度也都不同，表现在不同时辰和不同光线的变化下的草垛形象。画面看似单调，面对几堆干草堆，画家却产生了深厚的色彩感情。开始他以为用两块画布去画这堆干草堆就可以了，一块阴天用，一块晴天用。可是，由于光线在草垛上不断变化，他不得不一次又一次地回家取新的画布。他之所以如此热中于这个物体上的光的变化，用他自己的话来说，是要记录“某一特定自然景色的真实印象，而不是出去描绘一幅笼统性的风景画。“从莫奈画《干草堆》，看出了印象派画家的整个作画灵感的源泉，即光色的变幻激发了他的艺术热情。他曾对友人写信说：“太阳落下得那么快，我追不上它。”这幅画的主角不是山，不是田野，甚至不是干草堆，而是那些灿烂明亮的光芒。作为印象派创始人的克洛德-莫奈，特别喜欢画光，甚至是终其一生都在找体现光之美、空气之美的方法。莫奈比任何画家都喜欢捕捉一瞬即逝的景象，然后用神奇的画笔记载下来。就像这幅画《干草堆》。在阳光照射过来的那一刹那，天、山、屋、草垛都是什么样的？默奈通过自己细致地观察，画下的这些物体的变化。他并不注意物体本身的轮廓，因为光是主角。▽【13】《威尼斯大运河》这是莫奈发挥印象派技法表现水城威尼斯梦幻迷朦流光倒影的经典之作。▽【14】《海浪》莫奈表现法国海岸浪潮波涛的层叠翻滚和变换，色彩和动感强烈，同时和上空漂浮的云彩形成了“浓妆淡抹”和“动静结合”的对比。▽【15】《圣拉扎尔火车站》（圣拉扎尔火车站）绘于1877年的“圣拉扎尔火车站”是一幅表现巴黎火车站的画，这是一个日常生活场面的实际“印象”。莫奈神往于光线穿过玻璃顶棚射向蒸气烟云的效果，神往于从混沌之中显现出来的机车和车厢的形状。莫奈相信光线和空气的神奇效果是最为重要的，他巧妙的平衡了画面的调子和色彩，这幅画出色的表现了力量、空间、对比和运动。每一个研究莫奈创作活动发展的人都会发现，如果说最初的命运促成了莫奈的发展趋势，那么后来就是他自己创造了他的命运。之所以莫奈成为“印象主义”风格奠基人、被他的朋友公认为“班首”，是因为莫奈不可动摇的坚强意志。从所周知，印象主义意味着感觉和观察方式的变革，它不仅改变了绘画，而且改变了雕塑、音乐、文学，就是到了今天，它也没有失去影响力，仍然改变着我们。▽【16】《日本桥 》日本桥一座漆成绿色的日本式的拱形木桥跨越池塘；水菖蒲、百子莲、杜鹃花科的观赏植物和绣球花环绕并保护着池塘。 水面上漂浮着粉红色的睡莲。柳树和紫藤直泻水面，使水的色调变得更深、更蓝。直到1895年，莫奈才画了第一张池塘和日本桥的画。从1898年起，他又画了些同一题材不同版本的方形的画，其中十来幅曾在杜朗-卢埃尔画廊举办的他的新作展中展出。
有哪些适合学习美术知识观看的书籍或纪录片？
作为10年美术考前老师兼电影深度患者，分享一波美术生必看的电影榜单。首先一部成功的“好电影“需要兼顾两点——画面与剧情，类似《布达佩斯大酒店》这样常常上榜的电影就不提了。
首先，推荐八部电影，其中两部是动画电影。最后夹带私货，安利一部刚完结的动画剧集！1.动画电影《先知》推荐理由：电影里出现了多种画面风格，适合美术生结合艺术史去做深入分析的电影。说是电影也不尽然。这部动画由十位导演共同创作，包括《狮子王》导演罗杰·阿勒斯、《海洋之歌》导演汤姆·摩尔等获得过奥斯卡奖or奥斯卡提名的动画导演，根据纪伯伦散文诗《先知》改编。支线是散文诗中的几个part，每位导演负责一部分，使得整部片子浓缩了水彩、油画等各种画面风格。《先知》影片动图主线是一个向往自由的失声小女孩，遇到了从狱中解禁的诗人。诗人很受民众爱戴，大家都向他寻求生活智慧，包括女孩的母亲。母亲说，女儿不够乖巧，她掌控不住了，希望诗人帮她去说教。但她不知道，诗人站在小女孩的一边。他告诉女孩母亲，子女是具有独立人格的人。父母是弓，子女是离弦之箭。画面风格很适合美术生结合艺术史去做深入分析的电影。2.《上帝之城》推荐理由：构图强到炸裂，每一帧画面都值得截图学习。故事情节紧凑、具有震撼力，影史经典之一，对影视剪辑也很有启发。主线是一位性格胆小、不愿随波逐流成为犯罪分子的贫民窟孩子阿炮，在黑色地带里硬是“一炮成名“，当上杂志摄影师的故事。有点伪纪录片的味道，但构图精巧，剪辑考究，色彩和故事的冲击力强。电影展现了巴西贫民窟的生活，并且出演影片的演员也是真实的巴西贫民窟居民。影片中，这座贫民窟有一个讽刺的名字，“上帝之城“。这部电影以此为名，其制作历程本身也成为了一种讽刺。中国的《湄公河大案》里有一幕，东南亚的孩子们在雨林里玩俄罗斯轮盘。六回合不满，一发子弹，轻易取人性命。嬉笑看待死亡和杀戮，这样的孩子是如何长成的？在《上帝之城》中描述地更冷静而残酷。影片中，一个孩子第一次杀人后，所有上帝之城的居民都来庆祝他的“成熟“。第一位向他走去的，就是这名小演员的母亲。我曾经和一位巴西朋友聊过天，问他们为什么会笃信宗教。他是个好脾气的大学生，没有介意我冒犯的提问，而是回答道：“如果没有来世，这对我们来说是一件很恐怖的事情。“中国人很难理解这种宗教情感，我们总是相信现世。至今我仍为他对来世的期待感到悲哀。巴西拥有世界上最高大的基督像，他张开双臂，却从不拥抱他脚下的人民。即使他们住在“上帝之城“。3.《坠入》推荐理由：场景色彩丰富，搭配可参考性强。导演拍电影之前是广告导演，对画面构图也比较有想法，可以看出来借鉴了一些名画。从海报开始，就和美术生息息相关。《坠入》海报
[西班牙] 萨尔瓦多·达利《梅·维斯特的脸》
李·佩斯主演。导演以善用色彩闻名。剧情属于治愈系故事，感人得挺俗套：因骨折受伤的小女孩在住院期间，结识了一个讲故事的男人罗伊。罗伊曾是电影特技演员，因一次拍摄意外导致截瘫卧床，原本一心求死的他，因为小女孩的出现而改变原有的生活。罗伊在脑海中建立了一个纷繁富丽的精神世界，带着小女孩一次次踏上神奇的“脑洞旅行”。随着故事的不断深入，这个虚幻的世界与现实一点点重叠，幻化出一个亦真亦假的魔幻世界。原本打算在精神世界完成自杀之旅的罗伊，也在最后打败心魔，带着小女孩重新开始生活。4.《罪恶之城》推荐理由：全片极限配色的经典电影案例。昆汀导演的悬疑电影，剧情也很精彩。极限配色的经典电影案例。悬疑电影，剧情也很精彩。5.《唯神能恕》推荐理由：喜欢霓虹配色，对光效很有兴趣的美术生不可错过。想画复杂的环境光但是又怕把握不住的时候，可以到这部电影里找找灵感或者参考。跟前面的《罪恶之城》都比较费眼睛。但喜欢霓虹配色，对光效很有兴趣的美术生不可错过。犯罪动作片，主打暴力美学。6.动画电影《钢铁巨人》推荐理由：构图精致，色彩舒适，故事设定是现在游戏/动画中温情钢铁人的滥觞。画风复古的同学可以作参考。冷战结束不久，1999年的电影。人物画风有些古早，但其整体的画面风格到现在看着依然很亲切和谐。打开steam，总有一款游戏让看完这部电影的你觉得眼熟。虽然是美国人拍摄的经典温情动画片，但只要你想，可以把这个特温柔的钢铁人当作理想化的苏某老大哥代餐。7.《星光迷乱》推荐理由：人物动态丰富，老电影调色质感，可做参考。整部电影就是在炫耀美貌，包括女主的美、芭蕾的美和复古舞台建筑的美。女主漂亮！芭蕾我爱！美术生多看看，说不定成德加了呢？（做梦）惊悚悬疑老电影，剧情可以消遣，不需要太沉重。挺符合中国网络小说里常见的那种游园惊梦式套路。
《星光迷乱》动图
接下来，我要夹带私货！8.《英雄联盟：双城之战》推荐理由：这部动画浑身上下都是推荐理由。分镜堪比电影，宿命论的氛围，尤其适合BE美学人。这部动画不是电影，属于动画剧集。但美漫风的画面、打斗场景的设计、特点鲜明的环境色彩搭配、三渲二手绘的诚意，真的很戳人心。可以说我前面打这么多字，就是为了在最后安利这部刚刚完结的动画⬇《双城之战》总共九集，每集40min左右，时长感人。尽管是游戏《英雄联盟》的衍生作品，但没有接触过游戏的人可以无压力看懂。剧情、音乐、画面制作，都属上乘。先码这些，看的人多，我再来补充。最后，如果你只选一部来看，那必须是《双城之战》，嗷嗷嗷嗷推荐！
梵高在精神病院里创作的著名油画星夜应该如何赏析？
艺术学习，已经浓缩进入孩子们的生活，成为中国中产阶层父母为娃们安排的一个教育标配。做公众号以来，很多家长和幼师，甚至是幼教机构会问yoyo怎么教孩子学绘画，接触艺术。他们对此和yoyo表达了自己的苦恼，无助之感。
在沟通的过程中，yoyo了解到不少家长都会一种错误的认知，认为艺术离我们生活很远，孩子的世界更是很难理解什么是艺术。但其实，艺术本来就来源于我们生活中，它并不是我们遥不可及的东西！
每个孩子天生都会画画，都懂艺术。他们用画画、手工来表达对世界的观察和感受，好奇心和思考。Yoyo开展这个艺术课程的初衷，就是为了让艺术落地，让更多的孩子更好地了解艺术，学习艺术，通过有趣的艺术活动和游戏提高艺术力。
今天Yoyo给大家介绍一种熟悉的艺术作品--梵高的《星夜》。
让孩子学会欣赏艺术品不容易，在孩子看完梵高的《星夜》后，该如何结合艺术活动，提高孩子的艺术力呢？
技巧一：拼贴
直接让孩子跟着模仿会显得吃力，Yoyo首先介绍的技巧，就是孩子们都喜欢的拼贴！
家长或幼师先准备好一些卡纸，剪出大小不一的正方形，长方形和三角形，用来制作创意画里的房子。给梵高的《星夜》创新一下，制造出一个场景，而不是单纯地画出星空。
有了房子的衬托，画面感就强烈了很多。孩子更有兴趣和好奇这画里的场景故事。
在这个过程中，你不必在意星空画成如何。因为房子的拼贴已经足够让孩子把注意力都放在那。
技巧二：打圈圈画
星空的部分，让孩子一笔笔画可能让他失去耐心，最终放弃创作。所以最简单而又最有趣的学习方法，就是打圈圈。
年龄较小的孩子，用打圈圈的方式能让他们更好地认知图形（圆形）。年龄较大的孩子，用这种方式能让他们更好地运用大一不一的圆形运用，能提高孩子的协调能力。
这几张图，是3-4岁孩子们的作品成品图~
除了传统的用画笔打圈圈，更高级好玩的玩法，就是利用生活中的一些小道具。例如：叉子！
先用画笔涂满画纸蓝色的底色。再用其他颜料在对应位置短短画上几笔，补充颜色。
用叉子前，画纸上应该是涂成这样的。
年龄大一点的孩子，也可以直接用叉子补充其他颜色。
然后用叉子，波浪形或打圈形拖动。
最后出来的效果，就是这样的啦~
技巧三：巧用镂空
在第一期的艺术课程中，大家都对镂空创意画那节课的课程很感兴趣，纷纷表示孩子对这样的玩法兴趣很浓烈！所以，如果实在不想动手的孩子，不妨再次运用镂空的方式，先提升孩子欣赏艺术的能力吧。
当《星夜》，变成女孩儿的头发~
当《星夜》，藏在大大的灯泡里~
欣赏原作，动手制作，听拓展歌曲，这样结合让孩子学习艺术，才是一种高效提高幼儿艺术力的教育方式！
如果你爱上一个无法在一起的人？
你好，我是亭亭，简书推荐作者，新浪签约自媒体，慈怀读书会特邀嘉宾，情感咨询师。
如果我爱上一个无法在一起的人，我会选择放手，把这份爱深藏在心底，在自己空闲的时候去回忆一下，甜蜜的回忆会让自己不由自主的嘴角露出笑容。
有人说，当你有了新伴侣就会忘掉之前爱过的人，其实这句话并不正确，因为真正的喜欢一个人是永远都不会忘记的，更何况是深爱过的人呢？
爱情终归与现实不同，它可以自由自在的存在与任何环境下，而现实却不一样，现实总是教会我们很多残酷的事情，不得不去接受现实的摧残。但爱情不一样，爱情在任何条件下都存在，它可以让你甜到心里，念在嘴里，露在脸上。
或许因为现实的原因，我们不得不放弃一些自己想要坚守却不能坚守的东西，比如爱情，比如爱的人，就算你知道没有结果，但你还是会无怨无悔的去爱他，哪怕从此以后不再拥有，你也不在乎。
爱一个人，他就会随着你的血液渗透你的全身，让你无论是生老病死都不会忘记他的存在，更不能从内心深处舍弃他，你只会一遍又一遍去想念和回忆你们曾经有用的美好回忆。
冷军和陈丹青算艺术家吗？
谢谢邀请。
首先我想说的是，写实油画当然是艺术了。如果写实不算是艺术的话，那文艺复兴时期的油画都不能说是艺术了。因为那个时期的绘画都是在写实的基础上的艺术创作。没有写实的人神形象，哪里来的那么神圣的艺术效果。在这里我们可以结合欧洲古典雕塑（下图8.罗丹.部分）一起分析就很容易理解写实手法在艺术史上所占的重要地位。其实在印象派以前的油画基本上都是写实的。只不过他们的主题是把现实的人当作神来绘制加以赞美。因此我们看到的文艺复兴古典油画里面的人物的姿态一般都很夸张。尽管如此，我们仍然可以看到以神出现的人的完美视觉效果。皮肤的细腻滑润的感觉；金丝绒的着衣的色彩和柔软舒适的质感；精心设计（使用隐喻的效果表现画家想传达的信息）的背景装饰；哪一个不是写实基础上的渲染结果。
在印象派产生以前，油画大多是欧洲的王公贵族个人所有的家产。很大一部分是作为记录他们生活和生命存在过的迹象而流传下来的。例如，肖像画。以前的御用画家主要的任务就是给王室的家人们画家庭成员的肖像画。有时也会有贵族的年俸画家。画一些家人朋友的肖像画（下图5.达芬奇）。在闲余之时画一些主人们喜欢的风景及宗教画。而类似于米开朗基罗、委拉斯凯兹等主要为教会绘画的人（下图3. 委拉斯开凯兹）则是高位圣职者的肖像画，以及以圣经故事为题材绘制了大量的有人体艺术的作品。这些作品名为神界，实为人体。所有的构图都是在人体写实的基础上完成的。但在这其中，有一个画派是另例。那就是当时在世界上独一无二的无王权，无宗教绘画的低地国家现在的荷兰。
荷兰是世界第一个基督新教的国家。因为当时的荷兰只是西班牙领土的一部分，（不是掠地的领土，是世袭的领地。） 因为1517年德国的马丁·路德发起的宗教改革，和宗主国天主教的西班牙王室产生了激烈的宗教抗争，随而发生了80年（1568-1648）的独立战争。荷兰于1584年宣布从宗主国独立为无王权共和州国家。也就是第一个庶民的国家。直到1648年的维也纳和平会议西班牙承认放弃荷兰的宗主权，荷兰才在世界上被承认为一个主权国家。
低地国家因为信奉的是基督新教的教义，因此禁止偶像崇拜。在新教的教堂里，看不到我们习惯了的华丽的内部装饰。没有基督，没有圣母、也没有圣人的任何偶像。只有十字架和简朴的圣坛。因此在低地国家普通人就成为了画家的主题。随着小市民的崛起和不断增大的富裕的商人市场的扩大，集体肖像画、静物画和非贵族阶层的肖像画开始在荷兰普遍被市民阶层喜爱。因此在绘画史上第一次以静物为主题的流派也在荷兰形成。这就是我们现在所说的静物画。（下图2.德·海姆）
17世纪的荷兰静物画的写实风格，基本上和现在的冷军的手法大同相经。我们在伦勃朗的早期绘画《丘利普教授的解剖学讲座》里面可以看到写实手法无处不在。教授（会长）和扮成学生的外科医生的董事们那充满活力的脸色与被解剖体吉顿（被解剖体的名字）的没有血色苍白无力的死人的肤感的绘制，十分地细微与准确。（下图6.伦勃朗）
以上种种都说明了写实是油画艺术在印象派诞生以前无论是在哪一个画派都是重要支撑主干。
那么，为什么后来写实派不被人们接受了呢？这应该归咎于照片的产生。当人类有了新的科技，可以把人的面目原原本本地记录下来，尽管当时的照片不那么清晰，但那终归是真实的人体写照。比人工绘制的油画更有吸引力。因此就产生了追求光的魔力的印象派。印象派的产生时期与摄影技术的出现基本上是在同一时期。我们可以说在印象派以后成名的画家，大多是以个性化的形式把自己的特性发挥到了极致的艺术家。他们都是以打破了千年的学院派的条条框框，确立了自己的风格而成名。莫奈的点描、雷诺阿的光的跳跃（下图4）、德伽的芭蕾舞女孩、梵高的色块堆积和耀眼的黄色主题（下图1）、塞尚的鲜而不艳的高雅色调。这些带来了后来的毕加索的立体分割的人物构图（下图7），直至到后来的现实主义、浪漫主义以及抽象艺术的形成（下图9.蒙德里安）。
艺术走到这里，艺术家就开始脱离了大众的欣赏趋向，开始了我行我素的天马行空。中国有句话叫“物极必反”。对现代艺术的“追赶”，（在这里我之所以使用“追赶”这个词，是因为现代人为了理解那些看不出所以然的抽象艺术，拼命试图去理解它们。画在先，人在后。所以我说是“追赶”。）已经感到疲惫不堪的现代人，又回归到艺术的原点。那就是超写实派的诞生。现在世界各国都有超写实派的画家。这就是历史的节奏。
关于冷军和陈丹青当然都是造诣极高的艺术家。关于冷军的手法，经常会有人说，这和照片有什么不同。当然不同。照片是机械设备和化学反应为主的艺术。没有了相机就没有摄影和照片。它不仅需要摄影师的灵感，同时需要胶片镜头和光线的配合。而超写实派的作品完全是人的时间与毅力加技巧才能完成的艺术作品。这和绣花没有太大的差别。苏绣的艺术价值就在于它那逼真图案的每一针每一线都是完全手工制成的。超写实油画也在于此。每一步都是画家的感性的人为结晶。
如果还有人说这不是艺术，那你就画一张试试看吧。如果你可以画得比冷军的画还逼真，那我就佩服你。
你认为给人留下深刻印象的好的作品与平淡的作品之间的区别在哪？
给人留下深刻印象的好的作品与平淡的作品之间的区别是：
一、删繁就简。
二、言犹在耳。
三、意犹未尽。
四、美的展示。
五、给人启迪。
六、追求和平。
七、苦尽甘来。
八、雨后彩虹。
九、风雨同舟。
十、心想事成。
十一、梦想成真。
十二、天人合一。
十三、自然美好。
十四、大家好才是真的好。
秦兴于二0二二年三月二日（农历正月三十）5：52