抽象派代表作家及作品

抽象派代表作家及作品，天道作者三部曲？

只是这部作品意境深远，富有哲理意味，为了能让大家深刻理解三部曲的意义，我希望通过我的解读能带读者开启走入作品内容的大门。对于《天道》我想用三个部分进行表述，它们分别是下列几点：

——「局」《天道》如同一张精密布置的局，中华文化特别重视人伦、天道，法制等，丁元英精密的设计，符合人们一直追求的道法自然规律，是书迷所追捧的一大原因。

——「人」小说中，丁元英的沉静，勇气，锐气，痞气令人敬畏，芮小丹的才华和悲剧人生令人惋惜，韩楚风的睿智与大度让人着迷，叶晓明、冯世杰、刘冰与肖亚文对同一件事的见解让人深思不解，欧阳雪的专注让人敬佩，王庙村的农民观照很多底层人民的生活现状，令人感慨万千。

——「事」还有一个问题值得反思，小说中，芮小丹、林雨峰、刘冰三者非死不可吗？

儒释道文化给我们带来深刻的文化属性影响是什么？

人性的善恶差距在作品中体现的淋漓尽致，这是值得思考。

《天道》的作者豆豆是一个极其神秘的人，她的大火，带来了很多的机遇，可是大部分人，只闻其书未见其人，这说明作者是一个沉静的人，她的另外两部作品《背叛》，《天幕红尘》也成为畅销书的典范，我读后感慨万千，同时也体会到这三部书，讲的是关于灵魂救赎的故事，将哲理和道法结合起来，令人深思。

西方艺术史中的超现实主义是什么时候出现的？

超现实主义绘画的观念和起源

超现实主义运动起源于20世纪初, 弗罗伊德精神分析学说中的“潜意识”是其创作的理论依据。“超现实”、“超理性”的幻觉、梦境被作为超现实主义艺术创作的灵感来源, 超现实主义画家强调梦幻与现实的统一才是绝对的真实, 他们认为最客观的还原事物真相的方法只有通过“无意识”的多维空间, 来最终真实地表现出客观世间的真相。因此, 他们力图把生与死、梦境与现实统一起来, 其作品具有神秘、恐怖、怪诞等特点。超现实主义绘画是对以往以理性、写实为特征的绘画的反动, 试图对真实进行深层次的探索和表现, 常采用的方式是将抽象意境与具象实体相搭配, 把具象表现与抽象情境巧妙嵌合, 创造一种既具体又模糊的虚实相交的境界。代表画家有德国的恩斯特, 比利时的马格里特和德尔沃, 西班牙的米罗、达利等。

超现实主义绘画的概况

(一) 超现实主义绘画的类型

超现实主义绘画的类型判定主要依靠的是视觉形式和创作手法, 主要分为两大类:一种是有机超现实主义或者叫做抽象的、象征的、生物形态的, 甚至有的时候还被叫做绝对超现实主义, 画家在创作的时候不受意识的控制, 来表达内心的真实幻想。另一类叫做魔幻超现实主义、超级现实主义或者自然主义的超现实主义, 这一类主要表现的是精致的绘画以及可能认识的场面及物体, 这些东西已经脱离了自然的构造, 拥有的是梦幻的色彩。也就是说超现实主义画家在绘画的时候, 将梦境中的物体以各种形式组合起来, 目的就是为了将头脑中的惯性常识脱离开, 并且还要保证观众能够接受。

(二) 超现实主义绘画的创作类型

我们可以在超现实主义绘画的作品中看出其创作手法丰富多彩, 但是, 仔细研究就会发现可以分为两个形式, 一种是抽象似的生物的变形形式, 主要采用的是幽默以及自动联想等。画家关注的重点主要在无意识的表达方式方面, 注重的是精神方面的力量。另外一种形式就是精细描绘的写实。这类画家在绘画的时候看重的是对于潜意识的描绘, 并且对于细节真实刻画, 给人的感觉是情节荒谬以及细节又很逼真。我们国家许多学者对此进行了研究和讨论, 最后认为超现实主义绘画创作方法是荒谬的幻想。在此基础上, 有学者对超现实主义绘画创作进行了分类:

1. 时空荒谬性

时空的荒谬体现在将与自然逻辑相背离的、幻想色彩严重的、多个不同时代的事物由作者的自己想象的安排一起的, 也就是说冲破了时间和空间, 作者将现实生活画上自己的色彩。

2. 形体错置的荒谬性

形体错置的荒谬性主要是表现对万事万物的质疑, 画家们对物体进行多方面的拆分或者进行夸张的处理, 具有极大的冲击力, 从而给人一种爆发力的感觉。

3. 对比的荒谬性

荒谬的对比方式主要是通过采用二分概念的对立造成的矛盾冲突, 产生荒谬的视觉效果。

三、超现实主义绘画的图像特征

根据画家的作品可以对超现实主义绘画的图像特征进行分析和研究。我们通过超现实主义绘画的特点和创作手法可以看出, 超现实主义的图像特征主要是超越现实。其图像特征如下:

(一) 超越现实和自然

图像与现实之间差的就是理性, 图像表达的是内心真实的想法, 并不掺杂理性的思考。这是一种超越现实的图像表现方式。这种图像特征吸引群众眼球的主要原因是能够将群众内心不敢表达的想法表达出来, 进而得到人们的青睐。

(二) 色彩的幻想性

这种幻想是对自然以及形体进行装饰, 带着画家自己的幻想而做出作品。这种作品能够让人耳目一新, 带人们进入到另外一种世界, 带来足够的新鲜感, 同时, 群众也根据作品产生不同的想法。其能将幻想色彩带入到每个人的心中, 使人们忘掉现在的现实想法, 带动人们走向内心另外一个纯真美好的世界, 开拓人们的思维。它能够带动人们回归纯真, 忘掉现实带来的冲击和烦恼。

四、超现实主义绘画视觉体验的表现方法

我们都知道超现实主义主要是通过表现出不合理性逻辑甚至人们无法理解的视觉异象, 带来巨大的魅力。人们在看到作品时总能够被它所吸引, 经过思考看到世界或者人性中的本质东西。许多不同的超现实主义画家各种各样的绘画风格带给了我们不同的视觉体验。我们对三种典型的视觉体验进行分析:

(一) 自动主义创作方法带来的视觉体验

自动主义就是下意识的创作手法, 运用的是纯粹心灵的无意识的行为, 艺术家认为绘画要摆脱理性思维和社会教育的框架, 这样可以开拓人的创造力和想象力。艺术家认为经验和理性不能获得真知, 只有依靠内心深处的直觉才能看到世界的本质。根据以上看法, 我们可以分为两种自动主义创作方法:

第一种叫做机械性创作, 他们需要借助某种道具或者某种手段来调动想象力。举例说明, 超现实主义画家马克斯·恩斯特, 他发明了许多的方法:摩擦法、拓印法等等。我们简单说一下摩擦法, 摩擦法主要是将纸张铺在凹凸不平的物体上, 用铅笔在纸上描画, 然后画家根据物体描绘出来的形象进行理解和绘画。

第二种自动创作方式是特别具有个人主观的, 直接能够表达出画家的主观想法, 画家达利就经常利用此种方法进行创作。他在创作的过程中特别注意周围的环境, 他特别喜欢在舒服自在的环境下创作, 全神贯注地盯着画布, 充满想象地进行画作。

这两种自动主义创作方法都充分表现出画家们想象力和联想的能力, 创作过程中发挥联想能力、自身的创造力, 提高自身对事物的感应能力, 将大脑中潜意识的想象描绘出来。这两种创作方法不同, 但是都是从内心世界出发, 表现的都是想象的东西, 根据潜意识创作出视觉异象。

(二) 非常规视觉体验

在超现实的创作表达中, 很多的绘画里面的物体以一种非常规的方式组合到一起, 这个物体已经跳到了另外一种环境, 被放到画家的画面上, 它原有的意义就会消失, 那么我们就要以一个全新的角度去看待它, 从全新的角度去认识世界。在这里我们特别介绍一位画家马格利特, 他的作品就常常与人们的视觉经验和生活经验相背离。他能够创作出人们日常生活中所没有的画面, 这样人们就会给他的画面进行一个全新的定义, 他还会将没有联系事物组合到一起, 有的时候会对事物进行排列, 排列还很奇怪。人们对他的作品的评价往往都是荒诞且幽默, 但是感觉又充满智慧。这给人带来一种全新的感觉, 使人们认识到一个他们所没有想到的世界, 人们对此也会有全新的感受。

(三) 偏执狂批判法

偏执狂又叫做妄想症, 在超现实主义绘画方面, 主要表现的是对绘画的狂热追求, 其从人的潜意识抓起, 将幻觉中产生的视觉异想引入创作中。在此类的作品中我们经常可以看到令人疑惑不解的组合方式和夸张的物体形象, 这些形象就如同内心的潜意识, 不容易被人们理解, 只有当人们的意识不够坚定的时候才能够进入到其中。画家们在创作时, 有意识地对潜意识世界题材进行加工, 只要这样才能够呈现出既充满超现实意味还能够反映社会现实的作品。

五、超现实主义绘画视觉体验分析

超现实主义绘画通过与众不同的艺术创作手法, 营造出一种看似矛盾实则有着丰富艺术内涵的画面效果。很多超现实主义绘画作品, 借助怪诞的作品情境的设计, 营造与现实格格不入的绘画艺术氛围, 具有了超越时空的绘画体验, 让观赏者感受到虚与实的冲突、感性与理性的碰撞, 获得不一样的视觉体验。

例如, 著名画家达利借助自由拼合的方式进行绘画, 营造出一种陌生化的、超现实主义场景。其代表作品《记忆的永恒》, 形象地表达了时间流逝的无奈以及画家自身在物质世界中所经历的种种挤压。作为20世纪典型的超现实主义作品, 达利的《记忆的永恒》, 从某种角度来说, 体现出了超现实主义作品绘画者的内在潜意识。在著名画家马格利特的作品中, 画家打破传统的视觉审美习惯, 借助冷调的色彩、明确的界限来营造出一种黑色幽默、光怪陆离的绘画体验。其作品《天降》塑造了神情古怪的人物, 画面极具写实性, 充分体现出超现实主义画家所追求的那种反常效果。

从这些超现实主义的绘画作品中人们可以深刻地感受到作品所具有的强大的视觉冲击力, 这种冲击力不仅让人获得视觉层面的体验, 更会在精神层面受到一定的影响。超现实主义绘画作品用一种看似“另类”的绘画处理方式来表达绘画者心底的声音, 无论是对自由的追求, 还是对世界和平的期盼与祝福, 都会让超现实主义绘画作品成为绘画艺术宝库的耀眼明珠。

总之, 超现实主义绘画具有其内在的独特性和与众不同的视觉体验, 需要在具体的作品中结合创作者的内心思想以及创作的时代背景进行综合的欣赏。超现实主义绘画的视觉体验带给人们的是一个全新的世界。

吉布森以创造什么术语而闻名？

世界四大顶级油画大师？

世界著名的油画大师简介：

1，达芬奇 ： 作为文艺复兴时期作卓越的代表人物,达芬奇的成就和贡献是多方面 的.达芬奇出生在佛罗伦萨附近的一个小镇 芬奇镇.小时侯曾经拜佛罗基 奥为师,佛罗基奥首先让其练习画蛋,一画就是几年,然后才开始教其作画.由 于达芬奇打下了坚实的素描基础,后来终于成为一代宗师。

2，凡高 ：凡高是荷兰人,但长年生活在法 国,是后印象派的重要的画家.和他伦勃朗一样,凡高也喜欢为自己画像 。

3，丁托列托 ：丁托列托出生在威尼斯,是一个染坊主的儿子.长期生活在故乡,用画笔装饰城市的庭院和教堂.曾拜师提香,追求提香般绚烂的色彩和米开朗基罗般结实的形体是目标.。

4，毕加索 ：毕加索,西班牙人,自幼有非凡的艺术才能.毕加索的父亲是美术教师,又曾在美术学院接受过比较严格的绘画训练,具有坚实的造型能力. 毕加索一生中画法和风格几经变化,分为这样几个时期: 蓝色时期" 玫瑰红时期" 黑人时期" 。

5，高更 ：高更是法国后期印象派三大巨匠之一.起步较晚,早期的画追求形式的简化和色彩的装饰效果,但还没有摆脱印象派的手法.高更不但对埃及古代绘画很感兴趣,而且向往仍处于原始部落生活的土人们的风习和艺术.被称为原始人产最高典型。

6，列 宾 ：俄罗斯写实主义绘画大师列宾与法国绘画巨匠莫奈，同为19世纪后期欧洲美术史上，引人注目的重要级人物。他们的艺术在欧洲的东西部，各领一方风骚，影响力延伸到整个20世纪。

7，卢 梭 ：由素人画家跃居为近代朴素绘画大师的卢梭，是一位自学成功的典型画家。卢梭的作品糅和了现实与梦想，充满了自然原始的天真活力。

8，达 利 ：达利是盘踞在超现实主义中心的一位恃才傲物的怪杰，与毕加索、米罗三人都启蒙于西班牙加泰隆尼亚这块地灵人杰的土地上。其特异独行的艺术，为本世纪的画坛增添了许多灿烂光辉。

9，米 勒 ：米勒是19世纪写实主义杰出的代表画家，童年和青年时代都在农村度过，对农村生活和在那里劳动的人们，有深刻的了解和深厚的感情，了解他们的了欢乐与痛苦，也分尝着他们的信仰和偏见，这使得米勒成为伟大的田园画家。

10，怀斯：安德柳·怀斯是美国20世纪最伟大的画家之一。描绘美国乡间自然风土人物的画作，以精致逼真的写实风格，表现了人与大自然的交流与调和，朴实的题材，引发人们怀念乡土与自然的情思。

11，雷诺阿：雷诺阿是著名的印象派大画家。雷诺阿绘画在追求光的感觉中，用鲜明丽透明的色彩，将古典传统和印象派绘画做了最完善的结合。不论是丰腴的女人、天真的孩子童，还是阳光照耀下人浴女，在雷诺阿的画笔之下，都充满了温暖、鲜明、迷人的梦幻般魅力。

12，夏加尔：夏加尔是20世纪极具亲和力的大画家。犹太血统、生于俄国，入籍法国的夏加尔，不但追求天真纯朴，并感性地面对生命、爱情与艺术。

13，康丁斯基：1910年，具有东方血统(祖母为蒙古公主)的康丁斯基画下了美术史上第一幅纯粹抽象画。三十岁才立志学画的康丁斯基，很少停留在固定的绘画模式中，总是不断思考、审视、推进自己的创作，

14，柯罗：在法国艺术史上，柯罗是19世纪最出色的风景画家，与17世纪的普桑及克劳德·洛兰同称法国三大风景画家。柯罗的风景画朦胧而富有诗意，无论是早晨清新柔和的光线，还是黄昏洒满一地黄金的湖光山色，美丽的梦中桃花源景致都令人为之向往。

15，米罗：出生于西班牙巴塞罗那的米罗，早期艺术受塞尚影响极深，在经历立体派、超现实主义的洗礼后，发展成自己独特的风格。本书收集了米罗早期作品，及“荷兰室内”、“星座”等系列代表作，另附加造型独特的雕塑 作品与其生平记事，足以解析米罗与众不同的艺术。

16，杜菲 ：作为20世纪初叶现代绘画史开端的野兽主义成员之一的劳尔·杜菲，是一位多元化创作的艺术家。除绘画之外，杜菲的艺术领域扩展到挂毯、壁画、布料图案设计及陶瓷创作，活泼的曲线运用，成为崭新流行设计的先驱。

17，蒙克：北欧表现主义先驱者——蒙克，是一位风格独特的挪威籍著名大画家。蒙克的童年生活几乎都笼罩在死亡与疾病的阴影之下，而这些可怕的经历，不仅在蒙克的心灵上烙下深刻不灭的印象，也间接地变为创作绘画时的灵感素材，这使得蒙克在西方近代绘画史上与众不同。

18，德加：德加一生孤独，不善与人交往的德加，是矛盾、冷漠与遁隐的组合。在德加的艺术世界中，没有雷诺阿所强调的享乐与随和，也没有梵高的可怜或自我毁灭。德加一直以冷淡而敏锐的观察，描绘出人物动作的瞬间印象，显现出鲜活的魅力。

19，马蒂斯：马蒂斯与毕加索同为20世纪现代艺术的巨擘，而野兽派更引导了20世纪的绘画大革命。以马蒂斯为首的野兽派画家，利用红、蓝、黄、绿等色彩，表达简约物象的自然本质，描绘内在真挚的感情与装饰效果，创作出令人惊艳，极度自由、奔放、华丽、平

20，莫奈：莫奈是印象派最具代表性的画家，不但长寿(享年八十六岁)，而且画作数量惊人。莫奈常对同一画作主题在不同时间中写生描绘，画出不同的光景气氛，显出光与色的高明度及鲜明感，交织成光与色彩的华丽交响诗，创作出印象派的巅峰之作。

装饰画作家有谁？

装饰画作家有罗伯特·罗素

罗伯特·罗素（1892-1957）是美国现代著名作家及插画家，曾获美国最高儿童文学奖和插图奖——纽伯瑞金奖和凯迪克大奖。

作为美国著名的儿童文学作家，罗伯特·劳森创作甚多，作品深受广大读者喜爱，并屡屡被媒体推荐。其作品曾荣获纽伯瑞金奖、银奖，与插画家合作的作品，也荣获了凯迪克金、银奖。

为什么西方油画有这么多裸女？

无声、无字、无旋律的西方油画充满了让人产生无尽遐想的神秘感，这“神秘感”从题材到流派风格：比如，历史、宗教神话、人物等等；古典主义、新古典主义、浪漫主义、写实主义、印象主义、以及各种形式的抽象主义。

问题来了：为什么西方油画有这么多裸女？

有人说，西方油画中之所以有那么多的女性人体油画，是因为女性美，博人眼球。特别是青春女性，体态轻盈、线条优美、前凸后翘、温婉有致、丰姿绰约、纤巧灵动、婀娜多姿、风情万种……，而人体油画能够把女性的这些优点淋漓尽致地表现出来，是非常能打动“爱美之心，人皆有之”的普罗大众的。

油画艺术的女性人体艺术，具有赏心悦目的艺术审美价值。人体艺术中的女性形象比男性形象的审美效果高，千百年来以被人们共识。女性的美丽动人、妩媚多姿、柔美情感，使欣赏者心灵深处感悟到人间仙境。

画人体裸体有两种不同的境界，一种是以人体的自然美，在自然的心境中画出的裸体，裸而不色，还有一种对裸体抱着情色的念头和欲望画出来的裸体，充满色情。

西方油画中的裸女画，是文艺复兴时期对禁欲主义的冲破，回归自然的人性。禁欲会带来更多的欲望，压抑自然的本性，会造成欲望和扭曲变态的欲望。相反，自然地展示女性自然的裸体，反而把人们的欲望引向了自然，引向了高尚。

西方油画和咱们中国的水墨画，相比，其实是比水墨画色彩更加丰富，也更容易保存下来。而中国的水墨画，像《清明上河图》其实是非常容易被太阳的紫外线分解的。虽然用毛笔画人像也是很常见的，不过国画更多的还是寄情于山水之间。

油画的重心从来没有离开过裸女，就像国画的重心一直是山川自然风景一样，首先，跟东西方的文化理念有根本关系。

在西方人的文化观念里，人是万物之灵，有思想有情感，是世界的主宰，世间万物都必须围绕着人类来运转，人类只有在充分了解自己后，才能发挥出最大潜能和作用，促进万物的和谐。在这个观念下，人物油画理所当然成为画家观照的最主要题材。

用东方人的审美去理解西方人的心态本身就是一个错误的看法，西方人崇尚自由，开放，很多人并不在乎自己的身体作为艺术形态让人观赏，那是展示自己美的一种心态，男人对自己的美欣赏也是一种荣耀，西方绘画，雕塑有着很多的人体艺术，那是因为这样的艺术有着市场的需求，只要有市场就会有着很多的艺术家去创作，就会出现很多的人体艺术。

在西方油画中，裸体艺术占有一席之地。在我国也一样有裸体艺术，只是好事多磨，总被一些人当成色情来看待。事实上，作为一种潮流，相信几代人过后，这种艺术将会变成家常便饭，走进寻常百姓家！