为什么西方油画有这么多裸女？
首先，纠正一下，并非任何时期的西方油画都有很多裸女！
裸女绘画盛行主要是在文艺复兴时期，很大程度上取决于解剖学取得了巨大的进步，所以对身体机械运作的理解得到了更好的理解。
文艺复兴时期，艺术家们开始理解透视和现实形式。你看到的许多裸体都是他们实验的结果。他们不仅试图描绘一些真实和美丽的东西，而且他们试图理解人体和它的所有形式:骨骼结构、肤色、解剖学等等。
此外，文艺复兴出现在中世纪之后，也被称为黑暗时代，代表“重生”。这是艺术的重生，它的灵感来自古希腊和罗马。他们的艺术作品主要是为他们自己而存在的，作为理想美的对象，人体就是最好的创作。
但是你们不要光看裸体好吗。真正喜欢的应该是这些吧！
又比如
还有这个
是不是很美呢？
是不是很时尚
女裸父画，炒作还是艺术？
女裸父画，炒作还是艺术？（关注葛大小姐，天天历史故事！）
2015年1月，在重庆黄桷坪首届艺术节上，画家李壮平展出了《东方神女山鬼系列》油画作品，本是平平无奇的一组画作，后来经过当地媒体曝光，大家才知道画中那位典雅脱俗的“女神”竟然是老画家的亲生女儿。
父亲、女儿、裸模，几个词组合在一起，极大的触动了很多人的神经，100年前，画家李海粟画了中国第一幅裸体人物画，冲击了当时国人的神经，当时被骂为艺术叛徒，100年后李壮平和他的女儿李勤与他们的油画《东方神女山鬼系列》注定是当年最惊人的事件。
李壮平和女儿李勤
父画女裸的事件始末李壮平，生于1948年，作为画院院长、艺术院校的教授，他潜心作画数十年，对国画、油画深有研究，但也只是在当地有些名气，一直没有闯出大名堂。女儿李勤毕业于四川美院，受父亲的影响，最终走上了艺术创作的道路。
李壮平的这幅作品《东方神女山鬼系列》的创作灵感来自《楚辞 九歌》，是中国神话传说中的一种远古歌曲，战国楚人屈原在楚国民间祭神乐歌基础上改编而成，大多是人神恋歌，《九歌》共有十一篇，《山鬼》就是其中的第九首。
屈原说，山鬼是“身披石兰腰束杜衡”的窈窕少女，驾乘赤豹后跟花狸，前往与情人幽会，很多的画家都从山鬼中获得创作灵感，李壮平也一直在筹划山鬼系列作品。
在寻找模特的过程中，他将目光落到了17岁的女儿李勤身上，“我的女儿出生在重庆，她长大了，又酷爱艺术，她的形体和天生丽质，就是我要塑造的巫山神女的形象。”，当正在读高三的李勤听到父亲的想法后，她当场就拒绝了，让女儿给父亲当人体模特，这像什么话！虽然出身艺术世家，但是她一时还接受不了，就连拍艺术写真她都不敢，何况是人体模特。
半年后，李勤考上了四川美院，第一次看到人体模特的她非常紧张，随着学习的深入，他逐渐明白了父亲的想法，于是主动提出要和父亲一起完成这幅作品，刚开始时，她简直不敢想象自己有多尴尬，但是很快克服了心理障碍。
李勤说“别人让我当摄影模特，我都不敢，但是父亲是一个正直的人，让我有安全感，为艺术，尤其是为父亲的艺术献身是一件很纯洁的事儿！”
于是，父女二人整整画了5年，创作了30多幅作品，作品完成后，李壮平将作品拍成照片，做了一本画册，由四川美术出版社出版，同年，父女二人带着出版的画册，参加了重庆黄桷坪首届艺术节，很快就轰动了全国，虽然已经有了思想准备，但是舆论还是像洪水猛兽一样涌向他们，一篇名为《父亲让女儿做裸模可敬还是可耻？》的帖子转载率最高，网友称，画家找裸模没有异议，但是不能不顾传统的伦理道德，把女儿当成创作工具，还有人干脆怀疑李壮平是借此炒作，这让李壮平父女感到了前所未有的压力。
而李壮平则表示，让女儿当自己的裸体模特，从没有在伦理上进行考虑，创作时，一切就像小时候他给女儿洗澡一样，女儿9岁就开始学画，自己有意不让她和外界有过多的来往，女儿身上冰清玉洁的气质，特别符合作品的精髓。李壮平的爱人表示，父女俩创作时，她经常在一旁欣赏。
而作为女儿的李勤自从网上被大量报道后，她就很少迈出家门，包括春节也没有出门串亲戚，看到不好的言论经常哭。
李壮平感到对不起女儿，“最让我哭笑不得的是，我们的事儿居然还上了一本国外的色青杂志。”，虽然郁闷，但是李壮平还是很乐观“好在不少职业画家和美院教授一直在鼓励我们，因此我应该坚持下去。”。
这里就包括著名美术批评家、四川美院教授王小箭的评价“在我们艺术圈里，有让妻子做模特的，但拿自己亲生女儿做模特的，还是第一次看到，这需要突破的不仅仅是一般的社会观念，还要冲破伦理、道德的重重藩篱。李氏父女合作创作《巫山神女》这样唯美的油画作品，实在让人感动。”
一些网友的声音：
有没有毁三观、违背伦理，这里不过多解释，每个人都有自己的理解，但是只要他做的，对社会没有危害，我们大可不必如此愤世嫉俗，每个人都有自己活着的道理和想法。
李壮平否认炒作一说，不过他透露，找他买画的人很多，但自己的《东方神女山鬼系列》30多幅作品不打算卖，“我想今后建一个东方神女博物馆，作品全在里面展出，如果非要给我的作品标价，我想肯定是和陈逸飞作品一个档次的，至少要7位数。”
随后的几年里，这件事逐渐淡化，人称神女的李勤也恢复了往日的青春靓丽，李壮平也开始潜心绘画，两年后的“虎跃盛世——中国书画名家画虎作品展”上，李壮平父女的“东方神女”山鬼系列中的作品《星空》标价800。
李勤和她的作品
父女二人又继续创作了《海上女神》系列、《南海观音》、《海神妈祖》等，他们的一幅油画《任何困难都难不倒英雄的中国人民》，专家估价1800万，李壮平无偿捐赠给了四川博物院，如今，李壮平父女的油画一幅标价高达800万。
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如何赏析法国古典主义画家安格尔的油画《泉》？
擅长描绘肖像画及女性裸体之美的法国画家安格尔，对女性美的深刻体会是他不断的创作泉源，他笔下的裸体油画有很多，比如，《宫女》《浴女》《泉》等等，那么，如何赏析法国新古典主义画家安格尔的油画《泉》？
赏析法国新古典主义画家安格尔的油画《泉》安格尔是大卫的弟子，也是新古典主义风格卓越的继承者，最为后世所称颂的是他的肖像画，尤其是裸女肖像画，安格尔笔下的那幅油画《泉》展现出古希腊女神雕像般的美感，为何一幅油画作品会有雕像般的美感呢？这是令人感到惊讶好奇的事情，
安格尔作品《泉》
其实，那是因为安格尔在创作时始终注重“素描”基础，他的素描可以和文艺复兴时期的天才艺术家拉斐尔的素描基础相媲美，安格尔坚信素描在油画中的地位高于色彩，因而创作时注重对形的追求，只要稍微了解油画艺术的人，都会知道，素描可以让物象更具空间立体感，
安格尔的油画《泉》，画中裸体女人双手扛着一个水坛子，这水坛子是陶瓷烧成的，这就是一个现成的雕像作品，从而衬托裸体女人的空间立体感，这水坛子也可说成是画作的背景的一部分，水坛子和裸体女人紧贴在一起，无形之中，就分散了观者的注意力，不再有强烈的感觉认为这是一幅纯粹的女人裸体画，
安格尔对绘画的要求极高，不仅仅是注重素描的地位，他对色彩的搭配处理也有一番独特的见解：和谐的色彩搭配展露出画家古典的信念，色彩塑造形象，雕刻般的造型呈现出和谐、庄重的艺术形象，这也是油画《泉》展现出古希腊女神雕像般的美感的原因之一，
为什么欧洲油画喜欢画人的裸体？
古希腊艺术被称为西方艺术之根，而希腊艺术中就有很多著名的裸体雕像，可以说裸体艺术在西方有一种传统的渊源；而西方不同流派的油画作品又是以不同的角度和目的出发来绘画裸体题材。
如何评价德国画家丢勒的油画《亚当和夏娃》？
丢勒（1471-1528），一个在文艺复兴时期与达芬奇齐名的画家，被称为“自画像之父”。他对于艺术的力量就在于他的自我观察以及对生活的体会，比如这部经典油画《亚当和夏娃》。
1、《亚当和夏娃》的故事来源：从神坛开始
在《圣经·旧约·创世纪》中，上帝耶和华用自己的形象创造了人类的始祖亚当，并派他去伊甸园做园丁。于是，从事园艺活动就变成了亚当的工作和本能。
上帝发现了亚当的孤独，在他睡觉的时候，取下了他的一根肋骨，创造了夏娃。夏娃被称亚当称为“骨中的骨，肉中的肉”，二人合二为一，成为终身伴侣。
原本他们在伊甸园中过着无忧无虑的日子，却在撒旦变成蛇引诱他们吃智慧树果子的那天，所有的一切发生了翻天覆地的变化。
当时的情况大概是这样的：
夏娃先摘下一枚果子吃了，又摘下一枚递给亚当，亚当也吃了。
他们彼此对望，意识到男女身体有别，有了羞耻之意。
他们急忙摘下一些无花果叶盖住身体。
后来的结局我们都知道了，亚当和夏娃经不住蛇的诱惑，偷吃了伊甸园的智慧果，违背了上帝的禁令，被逐出伊甸园。
这就是油画《亚当和夏娃》最初创作的灵感来源。
2、“自画像之父”丢勒的蜕变：一步步走向神坛
丢勒出生在德国的一个小山村里，家中一共有十八个孩子，生活很拮据。
他很小的时候就跟着冶金匠父亲学艺，为了能够更好地掌握首饰工艺技术，他尝试着临摹名家们的画作和雕刻，因此，丢勒发现了自己在绘画的特殊才能。
于是，被称作“自画像之父”的丢勒在“自画像”这条路上越走越远。
▲丢勒13岁时的自画像 ▲
最早的一幅自画像是丢勒13岁的时候对着镜子给自己画的，画中的他有着一头浓密的长发，眼睛和食指指向一个方向，似乎在思考些什么。
这是一个13岁孩子的自我关注和自我剖析，并贯穿于丢勒的绘画生涯中。
后来，丢勒一路南行，来到了意大利的威尼斯。当时正处于文艺复兴时期，丢勒在威尼斯感受到了不一样的文化氛围，并在自己26岁时用意大利风格为自己画了一幅戴手套的自画像。
▲丢勒26岁时的自画像▲
画中的丢勒像是一位“贵族”，身上穿着蕾丝花边的白色百褶紧身衣和滚黑边紧袖外套，头上戴一顶黑白相间的软帽，卷曲的金棕色长发随意披落在肩头。
他的眼神很温柔，充满着自尊和自信。当时的他已经是一个很有声望的艺术家了，他所画出来的自画像是他心中希望自己所展示出来的模样，这也暗示了他对于身份和地位的渴望。
▲丢勒28岁时的自画像▲
两年后，他又为自己画了一幅经典自画像。画中的丢勒直视前方，穿着奢华而厚重的裘皮大衣，表情严肃又有一点紧张，似乎透露出内心的惶恐与不安。
与前两副自画像明显不同的一点是，丢勒第一次采用了正面直视的特殊角度，而那时只有基督的圣像画会使用正面角度。
这从侧面反映出，丢勒想要捍卫艺术家的造物主地位，借用耶稣为自己塑造一个理想化的、超凡脱俗的形象。他把艺术家的创造力与造物主的暗示划等号，并将其反映在《亚当和夏娃》中。
3、亚当和夏娃的动态形象：从中世纪的神坛走到了人间
《亚当和夏娃》这幅画给人的第一感觉就是动态。
图中的恶魔（蛇）轻咬苹果梗，身旁的夏娃左手握着禁果，右手轻轻扶着树枝，双腿前后交叉，很像是一种行走的姿态，有一种行走中活泼动人的美感。
与表现自然的夏娃相比，亚当的脑袋偏向于夏娃的方向，头发有些散乱，右脚微微抬起，整个人的状态则显得略微急促。
这里我们需要注意一个细节，丢勒是画手的大师，当亚当和夏娃用自己的手使用树枝去遮挡私密处的时候，手的连接便成为产生羞耻感的智慧之门。
这时的亚当和夏娃是主动用手来遮挡的，也就说明，这幅画记录的故事是在他们吃完苹果之后。这时的智慧果已经生效，人类开始有了智慧。这也就是说，这幅画所展示的是另一个时代的人类！
这恰恰与丢勒当时所处的国家和时代发展息息相关。当时的德国经历了德国的文艺复兴和宗教改革运动，但当时的文艺复兴发展并没有完全苏醒，人们对性爱问题所持的态度相对谨慎。而丢勒最妙的就是利用亚当和夏娃合成的一双手，在艺术与世俗之间找到一个完美的平衡点。
《亚当与夏娃》的这种对人类的性与肉体美，体现了不偏不倚的中性立场，符合当时处于宗教改革时期德国文化的特点与要求。同时，夏娃和亚当都被塑造为行动中的形象，也表明他们已从中世纪的神坛走到了人间。
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如何赏析从神话、历史和诗歌中，创作完美人体油画的英国唯美主义大师沃特豪斯？
女人身上拥有最完美的曲线，少女身上拥有最完美的线条，她们本身就是艺术品，发现美，创造美，而英国唯美主义大师沃特豪斯做到了！ 约翰·威廉姆·沃特豪斯的父母都是画家，他的妻子也是画家，他擅长描绘神话中的女性，他的作品多以神话，历史故事，诗歌为题材，画风清新自然，带有神秘色彩！也许不读点神话故事，或许你会看不懂他作品中蕴含的真正含义，那就一边讲述神话，一边赏析作品吧！
这幅水之女神就是欧洲传统神话传说中的一个形象，故事是这样的，水之女神爱上一个男子，为此她变成了人类，但如果那个男子对她不忠诚，水之女神就将死去。这个神话故事使我想起安徒生童话故事里的人鱼公主，为了心目中的白马王子，而听信巫婆的话，变成一位美女，但是王子却没有认出她，当然也不可能爱上她，最后她只能成为海上的一块泡沫……
这幅画是根据维多利亚桂冠诗人丁尼生的同名诗歌而画，名为《夏洛特少女》，又名镜中人生，讲述夏洛特被囚禁在一座城堡里，她通过一面镜子才能了解外面的世界，后来她爱上了经过镜子里的一位骑士蓝斯洛，她决定去找他，但是镜子碎了，但为了追求向往的爱情，她决定划着小船寻找，但是她不知道等待她的是什么，也许是死亡……这是沃特豪斯最有名气的作品，忠实地表达了原诗的意境，也是一幅精彩的室外写生作品！
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1917年2月10日年约翰·威廉·沃特豪斯因癌症逝世，沃特豪斯一生共创作了118幅画，他的画作，在他色彩鲜明的笔下，神话中的女人千姿百态妩媚迷人，让我们一起欣赏他的作品！