什么叫超现实主义摄影？
这话题要专业可深奥难懂，要浅易明白也可简短两句打发，是人云亦云，还是有感而发，就看你装逼指数是多少。
超现实主义摄影自我感觉应该是从油画这艺术形式过渡而来，其表达内容是现实中难以达到和发生的事与物。再通俗地讲就是脑洞大开，超出一般人们想象的摄影。
下面这组作品带有浓烈的百年孤独情绪，通过摄影的表现手法，把这种情绪推升到一种极至，是一般摄影很难去表达的高度。
作者为芝加哥年轻超现实主义摄影师 Kyle Thompson。
历史上有哪些摄影流派？
摄影流派有
1.绘画主义摄影
绘画主义摄影是流行于20世纪初摄影领域的一种艺术流派，它产生于十九世纪中叶的英国。
该派摄影家在创作上追求绘画的效果，或“诗情画意”的境界。它大致经历了这样三个阶段：仿画阶段;崇尚曲雅阶段;画意阶段。
2.印象派摄影
1899年，英国举办了法国印象派绘画的首次展览。绘画主义派摄影家罗宾森在其影响下，提出“软调摄影比尖锐摄影更优美”的审美标准，提倡“软调”摄影。该流派是绘画印象派在摄影艺术领域中的反映。
3.写实摄影
写实摄影是一种源远流长的摄影流派，延绵至今，仍是摄影艺术中基本的、主要的流派。它是现实主义创作方法在摄影艺术领域中的反映。
4.自然主义摄影
1899年，摄影家彼得·亨利·爱默生鉴于绘画主义创作的弱点，发表了一篇题为《自然主义的摄影》的论文，抨击绘画主义摄影是支离破碎的摄影，提倡摄影家回到自然中去寻找创作灵感。他认为，自然是艺术的开始和终结，只有最接近自然、酷似自然的艺术，才是最高的艺术。他说，没有一种艺术比摄影更精确、细致、忠实地反映自然，“从感情上和心理上来说，摄影爱好的效果就在于感光材料所记录下来的，没有经过修饰的镜头景象。”该派另一位大师A·L·帕邱说得更明确：“美术应该交给美术家去做，就我们摄影来说，并没有什么可借重美术的，应该从事独立性的创作。”
由此可见，这种艺术主张，是对绘画主义的反动，它促使人们把摄影从学院派的桎梏中解脱出来，对充分发挥摄影自身特点有着促进作用。这一流派的创作题材，大都是自然风光和社会生活。
5.纯粹派摄影
纯粹派摄影是成熟于二十世纪初的一种摄影艺术流派。其创导者为美国摄影家斯蒂格里兹(1864-1946)。他们主张摄影艺术应该发挥摄影自身的特质和性能，把它从绘画的影响中解脱出来，用纯净的摄影技术去追求摄影所特具的美感效果--高度的清晰、丰富的影调层次、微妙的光影变化、纯净的黑白影调、细致的纹理表现、精确的形象刻画。总之，该派摄影家刻意追求所谓的“摄影素质”：准确、直接、精微和自然地去表现被摄对象的光、色、线、形、纹、质诸方面，而不借助任何其他造型艺术的媒介。
6.新即物主义摄影
新即物主义摄影又称“支配摄影”、“新现实主义摄影”。为20世纪二十年代出现的一种摄影艺术流派。
该流派的艺术特点是在常见的事物中寻求“美”。用近摄、特写等手法，把被摄对象从整体中“分离”出来，突出地表现对象的某一细部，精确如实地刻画它的表面结构，从而达到眩人耳目的视觉效果。它不考虑艺术的本质在于提示对象的本质，因而其美学思想是属于自然主义范畴的。例如，摄影家帕邱在一九二三年拍摄的火车头的回转轴就是用近摄手法，表现了火车头回转轴运转时的状态，由于画面摒弃了其他细部因而给予观众的视觉印象是强烈的。
7.超现实主义摄影
超现实主义摄影为达达派没落时期出现于摄影艺术领域中的一种流派，兴起于上世纪三十年代。
这一流派有着较为严谨的艺术纲领和艺术理论。他们认为，用现实主义创作方法去表现现实世界是古典艺术家早已完成了的任务，而现代艺术家的使命是挖掘新的、未被探讨过的那部分人类的“心灵世界”。因而，人类的下意识活动，偶然的灵感、心理变态和梦幻便成了超现实主义摄影艺术家们刻意表现的对象。
摄影中的超现实主义者也象达达派摄影家一样，利用剪刀、浆糊、暗房技术作为自己主要的造型手段，创造一种现实和臆想、具体和抽象之间的超现实的“艺术境界”。所以其效果是奇特、荒诞而又神秘的。
8.抽象摄影
抽象摄影为第一次世界大战后出现的一种摄影艺术流派。该流派的摄影家否定造型艺术是以可审视的艺术形象来反映生活、表现艺术家审美感受的这一基本特性，宣称要把摄影"从摄影里解放出来"。
9.堪的派摄影
堪的派摄影是第一次世界大战后兴起的、反对绘画主义摄影的一大摄影流派。这一流派的摄影家主张尊重摄影自身特性，强调真实、自然，主张拍摄时不摆布、不干涉对象，提倡抓取自然状态下被摄对象的瞬间情态。法国著名的“堪的”派摄影家亨利·卡笛尔·布列松说过：“对我来说，摄影就是在一瞬间里及时地把某一事件的意义和能够确切地表达这一事件的精确的组织形式纪录下来。”因而这一流派的艺术特色是客观、真实、自然、亲切、随便、不事雕琢、形象生动而富有生活气息。
“堪的”派中的摄影家，就其美学思想和创作倾向而言，情况是比较复杂的，虽然他们都崇尚人性世态的表现，且大部分都从事于新闻摄影工作，但有的为自然主义者，有的为写实主义者。
10.“达达派”摄影
“达达派”是第一次世界大战期间出现于欧洲的一种文艺思想。“达达”，原为法国儿童语言中“小马”或“玩具马”的不连贯语汇。因为达达主义艺术家在创作中否定理性和传统文化，宣称艺术和美学无缘，主张“弃绘画和所有审美要求”，崇尚虚无，使创作近乎戏谑，因而人们把该艺术流派称之为“达达派”。
由于达达派摄影艺术作品不符合人们一般的审美趣味和审美要求，1924年以后就逐渐受到有较明确、完整的艺术豆腐和纲领的超现实主义艺术流派的冲击。但其影响仍可在以后出现的现代派摄影艺术中窥见。
11.主观主义摄影
主观主义摄影是一种在第二次世界大战后形成的比抽象派摄影更为“抽象”的摄影艺术流派，所以又称作“战后派”。
它是存在主义哲学思潮在摄影艺术领域中的反映。其创始人是德国摄影家奥特·斯坦内特。他认为，“摄影是本来具有发挥自己能力的宽阔领域，也具有高度的主观能动作用。但目前却成了一种机械的写实主义”。于是提出了“摄影艺术主观化的艺术主张。极力主张摄影艺术的终极应该是提示摄影家自身的某些朦胧意念和表现不可言传的内心状态和下意识活动。”主观摄影就是人格化、个性化的摄影。这便是该流派的艺术纲领。主观摄影的艺术家们极度强调自己的创造个性，蔑视一切已有艺术法则和审美标准。该派理论家公开表示，“主观摄影不仅仅是一种试验性的图像艺术，而是一种自由的不受限制的创造性艺术。”“我们可以任意使用技术手段去创造照片。”
（摄影&绘画）创作者的视角不同，创作出的（摄影&绘画）艺术作品会有哪些区别呢？
（摄影&绘画）创作者的视角不同，创作出的（摄影&绘画）艺术作品会有哪些区别呢？
在生活中，我们经常能听到一句话——
看问题的角度不一样，得出的结论就不一样。
同理，（摄影&绘画）创作者的视角不同，创作出的（摄影&绘画）艺术作品就会大相径庭。
以咱们最常见的，人像摄影作品为例。
同一个模特，不同的拍摄角度可以获得不同感觉的摄影作品。如果模特的身材比较好，可以拍摄全身，或者半身像，来凸显模特的年轻美丽；
如果模特比较可爱，可以用仰拍的角度，显得伶俐、俏皮；
如果模特面容姣好，可以用正面角度直接拍摄她的表情，喜怒哀乐都可以；
即使模特自身条件有缺憾，也可以调整拍摄视角来规避缺点。
反着用就行了……
身材不好可以只拍肩、颈、脸，或者调整角度拍摄。
样貌逊色可以拍摄全身或半身像，转换角度弱化面部特征。
甚至可以只拍背影或者剪影。
我们在拍摄不同的主题目时，结合不同的视角，作品内容就可以呈现出完全不同的效果。比如建筑物摄影、动物摄影、静物摄影等等。
如下图，世界知名建筑——悉尼歌剧院。
乱入一只二师兄。
绘画作品也是这样。
常见的静物绘画作品、景物绘画作品中，作者的大部分视角，都是创作者与静物（或景色）保持平行、或者是创作者稍高于静物（或景色）。
还有一些景色绘画作品是以俯瞰的角度来创作的，可以带给观众“一览众山小”的感觉。
而在人物绘画作品中，创作者的视角就灵活多变了。
可以是正面，也可以是侧面，甚至，背面都非常出彩。
其实，这也是由于模特的物质所决定的。
写实绘画和艺术摄影表现手法有何异同？
写实油画和艺术摄影
绘画和摄影被称为“姐妹艺术”，两者在表现技巧和视觉形式上有许多可以相互借鉴之处，“相互借鉴”这四个字就说明了绘画和摄影存在相同的形态特征；不同之处，就是名称不同，一个叫“绘画”，强调绘制，一个叫“摄影”，强调拍摄，创作的工具不同。艺术讲究流派风格，绘画有分写实与抽象，而摄影就完全写实。问题来了，写实绘画和艺术摄影的表现手法有何异同呢？异同的意思是，相同之处与不同之处。
从视觉形式上来讲，写实绘画依然不如艺术摄影“写实”，理由是手工绘制，不如机器拍摄。因为创作工具不同，所以表现手法必然不同，写实绘画以“拟人化”的表现手法，来记录表达作品的内容主题，这话怎么理解呢？比如，一幅写实风景绘画作品，它要传递出画家的思想感情或画家所处时代的人文环境、社会状况，那么画家在创作时就要把风景当作人的形态进行描绘，借助色彩这个载体，将风景“拟人化”，
画面的色彩如同人的肤色，人在喜怒哀乐时，脸上的肤色都有不同程度的变化（苍白、红润、暗黄……）以及带有强烈情绪的线条（如曲线状），如果写实人物绘画作品，画家以不同的色调描绘人物的肢体动作及表情，人们通过画中人物的形态表情去感受画家要表达的情绪；还有就是画作主体与背景色彩的“对比法”，从而传递出画家要表达的某种情绪，总而言之，写实绘画是借助色彩这个载体，塑造形象、表现主题、烘托氛围。
然而，艺术摄影以“高度还原”的表现手法，来记录表达内容主题，什么叫“高度还原”呢？意思是同现实景观非常近似的“写实形象”，通过摄影器材技术将现实物象直接捕捉呈现出来，不存在任何修饰（如拟人化）的表现手法，其内容主题，不同文化背景、受过不同教育的人都能读懂，不需要“翻译”。不过，艺术摄影的主要载体是光影，以光影呈像，没有光影就不能进行摄影；写实绘画是，没有色彩，就无法塑造形象，
综上简单所述的就是写实绘画和艺术摄影的不同之处。值得注意的是，写实绘画有文化背景之分，比如，中国写实绘画与西方写实绘画，各自的人文环境是有所区别的；但是艺术摄影是可以跨越国度及文化。我们从视觉效果上看，就可以得知写实绘画和艺术摄影的相同之处了，无论是写实绘画作品，还是艺术摄影照片，都有主体和背景之分，有主次之分，就要涉及构图；有人物形象或情绪，就有色彩造型；有画面美感，就有线条；写实绘画又有明暗对比，从而就有光影。所以，写实绘画和艺术摄影的相同之处，都是通过构图、线条、光影、色彩来共同创造出物象的美的韵律。
把美术、摄影比喻为“姐妹”艺术，你认同吗？
赞同提问老师把美术与摄影比喻为“姐妹”艺术，这样的比喻很贴切、很“艺术”。美术、摄影确实是两个艺术专业，两者之间紧密相连是因为在专业具体表现形式上相辅相成，诸如色彩原理、构图原理、表现手法、艺术创新等方面紧密相连。
一、美术、摄影遵循的色彩原理基本一致。不论是美术专业还是摄影专业，遵循的都是“三原色”原理，也就是红、绿、蓝原理，至于在自然界中经常看到的美丽色彩赤橙黄绿青蓝紫，都是“红、绿、蓝”三种颜色相融演变生成。不论美术创作还是摄影创作，都是按照“三原色”原理而进行的，如：减少红色等于增加蓝色，增加红色等于减少绿色和蓝色，减少蓝色等于增加蓝色，减少绿色等于增加红色和蓝色，增加绿色等于减少红色与蓝色，三种颜色的变化原理成为美术、摄影创作必须恪守的普遍规律。
二、美术、摄影创作构图方法基本一致。在创作摄影作品过程中，经常用的构图方法有“井”字格、“九宫格”格、“二分法”、“三分法”、“水平线”等，这些构图方法同样适用于美术创作，构图持重是作品视觉吸引读者眼球的关键，构图一旦不严谨会存在瑕疵。所以说，美术创作、摄影创作的构图没有上没有明显区别。摄影作品是摄影师用相机记录大自然的美，美术作用是画家用画笔描绘大自然，画家在艺术生涯中往往不断在大自然中写生，目的就是创作出来的作品中符合自然界的规律，规避画蛇添足。
三、美术、摄影创作的艺术表现手法相同。按照“三原色原理”，美术、摄影创作在色彩上同样用高调、留白等，注重色彩搭配，用红黄相间色彩表现秋天的美丽，用翠绿或者各类花卉色彩表现春天的明媚，用白黑色表现冬天的寒冷，用大面积留白表现主题视觉突出或者广袤。
美术、摄影是用艺术表现大自然、人物、景物、花卉等的美丽，在很多方面互补，站在艺术不断创新的角度上，在创作形式上略有区别也是情理之中，毕竟美术与摄影是两个不同的概念。