欧洲油画中的鸟类代表作品

欧洲油画中的鸟类代表作品，在毕加索绘画里哪些是结构主义表述？

这个问题不好回答，仅能根据我看过的关于结构主义和符号学的书籍做出一些粗浅的评论。因为我自身对绘画艺术了解得不多。

先讲讲结构主义和符号学的一些个人认知。结构主义是一种与哲学、心理学、人类学、社会学都有很强联系的工具论，一种进行认知的思维方法。它强调的是整体意识、各成分之间的关系，立足于整体考察事物的本质。而符号学研究的人是对一系列感知和意义传递所进行符合化的过程、特点、应用等。符号包括文字、语言、图像、姿态行为等。

可以说，在毕加索的许多画中，一般结构主义表述和符号学美学表述是紧密联系在一起的，几乎很少出现分离的现象。

结构主义在当代各类学科中发现了一个普遍性的认识规律是：当我们借助感官去认识外在世界时，会有意无意地赋予我们的观察对象以某种特征。无论是科学家还是普通人，无论是大人还是小孩，当他们看到或感知到某一事物时，总会在自己的感觉中增添主观成分，这一成分只有强弱、大小之分。

而毕加索的一些画，是明显做了线条上的扭曲、拉伸、缩短，将画作中的部分进行分截、移位、缺失，有些又是将两个不是同一整体的图形拼贴、并置在一起，实现了对真实或想象情景的重新构造，整个结构因为其内部成分的变形而改变了整体画作所应有的含义及产生了新的观察视角、含义，对比西方之前的古典画家、客观立体主义画家，毕加索的画作倾注了更多的主观理解和创作意图。所以，毕加索的画作有时看起来是不怎么合理、反常、怪诞，与现实逻辑严重相悖的，他通过这种局部写实、整体虚构的手法来对整幅画中的成分进行对比，夸张、放大其不和谐性突出他的某些想法，引起观赏者思考。

毕加索因其特意地对画作中的图形进行变形而顺应创作意图，可以说，在这些画作很多的成分或是因素里面都带有某种含义，尽管这种含义有时挺费解。但作为画作的成分：线条、图形、色彩、光亮度，确实是一种传递意义的符号。感知——接收——诠释——接受，画作中的成分和整体就是以这样的方式完成了符号化的过程。

至于说这些作为画作成分和整体的符号具不具备美学观感呢？很明显是具备的。一则是毕加索的画作实现了手法上的创新，其绘画立体、鲜明、富于动感，在视觉上给人带来了不一样的体验，二则是在心理层面，让观赏者站在画作前观赏时，实现了情感上的自我升华，使人的心灵趋于宁静、纯粹的观画状态。

当然，毕加索所有成功的画作都具有符号学美学表述，但他前期一些继承、模仿西方古典画家绘画特色的作品，就不带有结构主义表述。后期则比较多符合学美学与结构主义表述结合在一起的作品。

结构主义表述的特点是：强调整体意识、各部分之间的关系及各部分之间的可转换性，具有共时性特征。就以第三幅画来讲，它与西方古典画家的作品就具有明显的不同。古典画家可以在一副画中画某些建筑、人物，在这些旁边可以添置花草、树木、溪流、太阳等景物，但实际上这些成分间的整体联系并不强，比如，画家可以将一栋建筑或一个人物旁边的一朵花换成另一种花、一棵树，一只鸟，而整幅画的意义不会出现太大的改变。上面第三幅画中的各成分的整体联系则很紧密，如抱着死去婴儿的母亲、一只断手握住短剑的倒地的战士、一匹嘶鸣的马及房间里一个双手向上举的人，他们都以各自的表现方式勾勒出了一种惊愕、恐惧、紧张、悲哀的气氛，这些成分结合在一起就加强了整幅画的整体效果，如若缺少一成分，其效果就降低一点，缺少得越多，效果就越不好。

可转换性意味着此一成分所具有的效果可转换成另一成分的效果，像古典画作中一个散步的人的忧虑不能转换成树上一只鸟的忧虑或是悲哀，但在上面第三幅画里，倒地的士兵、抱着死婴儿的母亲、嘶扬的马的痛苦和惊愕恐惧的效果就可以转换成那个头顶上举着盏灯的注视的人及其成分的痛苦和惊愕恐惧。共时性则意味着画作各成分处在某一时间或是某一连续展开的事件中。第三幅画中的各成分所表现的都是在轰炸这一情景下，没有那一成分是脱离这一事件的表现的。而古典画作则不然，它里面一条淙淙流淌的溪流就不参与两个散步的人的这一事件，仅是作为一种旁置的景物。

全世界飞翔的鸟创作背景？

全世界飞翔的鸟的创作背景是自然环境和生物进化过程。因为在进化过程中，鸟类的祖先已经具备了一些飞翔的能力，随着进化的漫长历程，鸟类逐渐形成了各种不同的物种，并且进一步发展出能飞行长途迁移的特性，这是因为在生存竞争中，飞行能力给鸟类带来了更多的优势。此外，自然环境也对鸟类的创作背景有着至关重要的作用，鸟类的生活环境和特性，季节变化等等都会影响它们的飞行方式和行为。比如，候鸟在冬季会迁徙到热带地区，而在春季又会迁回北方繁殖，这就需要它们具备长途迁移的能力和精准的导航技能。总之，全世界飞翔的鸟的创作背景是由进化和自然环境共同决定的。

这是白石老人名画双鸭图吗？

答：这确实是齐白石的名画《双鸭图》。至于鸭嘴为什么那么长？说实话：如果嘴巴不画长点，就更看不出画出来的是什么鸟了！

下面这只鸭子的嘴也不短～！

齐白石除了会画鸭，画的大公鸡如何？请看下图：

还画过下面的鸟，下图：

还有下面的鸟！这是什么鸟？

有很多人都知道这个老家湖南的齐白石的画是被伟人炒出来的。看看下面画的应该是鹰吧？

齐白石画的《红荷蝌蚪图》争议较大，如今有学者对此画的两大常识错误反而吹得神乎其神，赞誉此画为神品！ 说《荷花蝌蚪图》构图极其简单,一枝红荷,数尾蝌蚪,水波荡漾,趣味无穷,真是令人…。估计齐老先生若有在天之灵，也会汗颜的。

（你能找出上图有哪些常识性的错误吗？）

看看白石画的猪吧：总感觉就像闹着玩呢～

还有山水画，下图：

还有莲蓬：

还有荷叶：

还有桃子：

还有棕树：

下面是齐白石最擅长的大虾和白菜：

还有以下著名作品：

据说下面画的是葫芦：

据说动画片《小蝌蚪找妈妈》侵权齐白石老人的画作了，下面4幅画是齐白石的蝌蚪：

现今，齐白石的画也被炒成了天价 ，让人难以置信的是市场上高价竞标的齐白石书画其实基本都是假的！市场上拿出来交易的字画多数是赝品，也许是齐白石的作品更方便临摹吧？

从90年代至今，齐白石的作品在拍卖市场被拍了24000件，而齐白石一生创作累计起来也就1万件作品。我们可想而知这多出来的一万多书画是真是假，所以拍出的齐白石24000余幅画，真相是：96%是假画！

顺便说一声：齐白石画里写的字，写的如何自己去欣赏吧。要知道齐白石8岁开始上学，学了不到一年就辍学了，也就是小学一年级没毕业。能写成这样已经不错了。

让人诧异的是，齐白石的婚姻变数很大：

57岁的齐白石逃难北京。在陈春君的协助下，齐白石娶了18岁的胡宝珠，白发红颜，一时传为佳话！是真正意义上的“一树梨花压海棠”！胡宝珠为齐白石生了7个孩子。齐白石78岁时生的第7个孩子叫良末，意思是最后一个的意思，没想到83岁时 ，胡宝珠又怀孕了，这次难产母子都死了。

胡宝珠死后的次年，白石就闹着要媳妇，娶了协和医院的护士长夏文珠 ，91岁时，夏文珠逝世，又找了一位叫伍德萱的女士继任。

93岁时，家人又给他找了个44岁的女的，齐白石却嫌女方年龄大了，说：“咦～太老了”！由于齐白石的画确实很值钱，后来给他找了个22岁的，他才基本满意。但正准备结婚时，齐白石却挂了。也就是1957年9月16日(丁酉年八月廿三)，齐老病逝于北京，享年九十三岁。

当然，1951年之后，在新凤霞等人的记载中，齐白石似乎还有一些风流韵事，但可能都是钱烧的。

下面是一部分人对齐白石画的评论，但无论如何，齐白石都是一个了不起的国画大师：

目前，对于齐白石的画，褒贬不一，对于齐白石的字，褒贬不一，对于齐白石的个人生活，褒贬不一。但唯一真实的是：齐白石的画针滴很值钱！

日本浮世绘是一种怎样的艺术形式？

浮世绘是日本的一种风俗画，“浮世”二字来源于佛教用语，原指人的生死轮回和人世的虚无缥缈。浮世绘就是“虚浮世界的绘画”的意思。

浮世绘于17时期中叶开始兴起，到20世纪初逐渐衰落，这一段世纪正好对应日本的江户时代，即德川幕府时代。浮世绘初期为肉笔浮世绘，即画家以笔墨色彩所作的绘画。而由于商品经济的出现，推动当时的日本进入了一个相对繁荣的时期，同时也使得“町人文化”迅速发展起来，作者云起，对其作品的需求量逐渐增大。从而使得肉笔浮世绘进入版画浮世绘阶段。

浮世绘版画的印刷技巧，最初为单纯的墨摺本，之后发展有丹绘和漆绘，用彩笔添入。而真正的套色版画锦绘，是在公元1643年至公元1765年前后出现。此时浮世绘的印刷技术，已经达到了相当高的水准。但江户时代的人们更珍惜比版画产量小的肉笔画。然而，浮世绘之所以能在长达两个世纪以上的时间内保持旺盛的生命力，很大程度上是因为在版画这一未开拓的领域中追求新技法和新形式的各种可能性。

（《混沌武士》的OP中也有很多浮世绘元素）

浮世绘的题材极其广泛，有关于社会时事、民间传说、历史掌故、戏曲场景和花鸟鱼虫，也有专门描绘妇女生活，记录战争事件或抒写山川景物……浮世绘可以说是一部包含了江户时代人民生活的百科全书。

说到浮世绘不得不介绍浮世绘三大家。第一位是喜多川歌麿（mi），他以描绘从事日常生活或娱乐的妇女以及妇女半身像见长，是浮世绘美人画的第一位代表性画家。在人物绘上与其齐名的还有东洲斋写乐。如果说喜多川歌麿是美人画的顶峰，那么役者绘的巨擘就是东洲斋写乐了。然而东洲斋写乐在当时的画坛犹如昙花一现一般，仅出现十个月就消失了其生平至今都难以考证。

左图：喜多川歌麿代表作《宽政三美人》

右图：东洲斋写乐代表作

《三代目大谷鬼次の奴江户兵卫》

第二位是歌川广重，原名安腾广重，年轻时师承画家歌川丰广学习浮世绘。歌川广重善于描绘自然景象，他的创作量多达五千多幅，从他的一些木刻作品上还复制有一万多幅。比较著名的有《东海道五十三次》系列、《名所江户百景》系列等等。

这里还要顺便提一下“歌川派”，“歌川派”是江户时期浮世绘中的最大派系，始祖是歌川丰春，他的门下人才辈出。除了上述提到的歌川广重，还有歌川国贞、歌川国芳等多位浮世绘大师。其中歌川国芳是出了名的猫奴不仅在他的画室作坊里到处养猫，连作画时怀里也抱着猫。甚至还会为死去的猫设立祭坛。

歌川国芳代表作之一《化け猫》

第三位是葛饰北斋，他是入选“千禧年影响世界的一百位名人”中唯一一位日本人。他的影响力不单单是在日本的浮世绘界，甚至对欧洲画坛都有很大的影响。德加、马奈、梵高等多位印象派画师都曾临摹过他的作品。葛饰北斋一生最大的两个成就，一是《北斋漫画》，二是《富岳三十六景》。其中《富岳三十六景》中又以《凯风快晴》和《神奈川冲浪里》最为著名。梵高的名作《星空》中的漩卷图案酒杯认为是参考了《神奈川冲浪里》的海浪。

《凯风快晴》

《神奈川冲浪里》

这两幅画在《鬼灯的冷彻》中也有出现过，不知道大家有没有注意到过。

在日本，几乎可以在任何涉及到日本传统文化的饭馆、商店地方见到《神奈川冲浪里》这幅画。动与静的结合，鲜明活泼的色调，富有张力的线条，使得这幅画成为了同武士刀、鸟居一样，最能代表日本的符号之一。

最后给想要了解浮世绘的小伙伴安利一个动画电影——《百日红》，电影以江户时代被背景，讲述了23岁的女浮世绘画师的故事~强烈安利！真的好看！

文清的百鸟朝凤画作作品如何？

“百鸟朝凤”的题材取自一个流传极广的民间神话：传说凤凰原是一种简朴的小鸟，它终年累月，不辞辛劳，在大旱之年，以它辛勤劳动的果实拯救了濒于饿死的各种鸟类。为报答其救命之恩，众鸟从各自身上选了一根最漂亮的羽毛献给凤凰，凤凰从此变成了一只集美丽、高尚、圣洁于一身的神鸟，被尊为百鸟之王。每逢它生日之时会受到众鸟的朝拜和祝贺。整幅画章法清晰，构图严谨；在画面的正中偏右即是整幅作品的核心：凤凰。古代有卑左尊右的习惯，因而边氏构图将凤凰摆在了画面中正中偏右，对凤凰的刻画上也可谓巧夺天工，极力刻画出了一个高贵而华丽但又众望所归的凤凰的形象，非常自然而祥和地接受来自百鸟的祝福，而对于百鸟的刻画，无论仙鹤、野鹜等，不仅形态富贵，更有逸气，比之黄荃少了一份精细雕琢，多了一份传神写照，不可谓不妙。而除却对百鸟的绘制，画家对于其他场景的描绘则明显受到了文人绘画的影响，对于山石和树木，在富贵气息浓郁的宫廷绘画中，边氏非常大胆果断地用皴、擦等写意技法来描绘山石树木，将画面化繁为简，强调主题的同时淡化场景，寥寥几笔，其效果却不经意间大放光彩，不仅与极力细化描绘的百鸟朝凤主题形成了一繁一简的松紧格局，也让整体绘画的格调更上层楼，气韵流动，互相辉映。

西方艺术史中的超现实主义是什么时候出现的？

超现实主义绘画的观念和起源

超现实主义运动起源于20世纪初, 弗罗伊德精神分析学说中的“潜意识”是其创作的理论依据。“超现实”、“超理性”的幻觉、梦境被作为超现实主义艺术创作的灵感来源, 超现实主义画家强调梦幻与现实的统一才是绝对的真实, 他们认为最客观的还原事物真相的方法只有通过“无意识”的多维空间, 来最终真实地表现出客观世间的真相。因此, 他们力图把生与死、梦境与现实统一起来, 其作品具有神秘、恐怖、怪诞等特点。超现实主义绘画是对以往以理性、写实为特征的绘画的反动, 试图对真实进行深层次的探索和表现, 常采用的方式是将抽象意境与具象实体相搭配, 把具象表现与抽象情境巧妙嵌合, 创造一种既具体又模糊的虚实相交的境界。代表画家有德国的恩斯特, 比利时的马格里特和德尔沃, 西班牙的米罗、达利等。

超现实主义绘画的概况

(一) 超现实主义绘画的类型

超现实主义绘画的类型判定主要依靠的是视觉形式和创作手法, 主要分为两大类:一种是有机超现实主义或者叫做抽象的、象征的、生物形态的, 甚至有的时候还被叫做绝对超现实主义, 画家在创作的时候不受意识的控制, 来表达内心的真实幻想。另一类叫做魔幻超现实主义、超级现实主义或者自然主义的超现实主义, 这一类主要表现的是精致的绘画以及可能认识的场面及物体, 这些东西已经脱离了自然的构造, 拥有的是梦幻的色彩。也就是说超现实主义画家在绘画的时候, 将梦境中的物体以各种形式组合起来, 目的就是为了将头脑中的惯性常识脱离开, 并且还要保证观众能够接受。

(二) 超现实主义绘画的创作类型

我们可以在超现实主义绘画的作品中看出其创作手法丰富多彩, 但是, 仔细研究就会发现可以分为两个形式, 一种是抽象似的生物的变形形式, 主要采用的是幽默以及自动联想等。画家关注的重点主要在无意识的表达方式方面, 注重的是精神方面的力量。另外一种形式就是精细描绘的写实。这类画家在绘画的时候看重的是对于潜意识的描绘, 并且对于细节真实刻画, 给人的感觉是情节荒谬以及细节又很逼真。我们国家许多学者对此进行了研究和讨论, 最后认为超现实主义绘画创作方法是荒谬的幻想。在此基础上, 有学者对超现实主义绘画创作进行了分类:

1. 时空荒谬性

时空的荒谬体现在将与自然逻辑相背离的、幻想色彩严重的、多个不同时代的事物由作者的自己想象的安排一起的, 也就是说冲破了时间和空间, 作者将现实生活画上自己的色彩。

2. 形体错置的荒谬性

形体错置的荒谬性主要是表现对万事万物的质疑, 画家们对物体进行多方面的拆分或者进行夸张的处理, 具有极大的冲击力, 从而给人一种爆发力的感觉。

3. 对比的荒谬性

荒谬的对比方式主要是通过采用二分概念的对立造成的矛盾冲突, 产生荒谬的视觉效果。

三、超现实主义绘画的图像特征

根据画家的作品可以对超现实主义绘画的图像特征进行分析和研究。我们通过超现实主义绘画的特点和创作手法可以看出, 超现实主义的图像特征主要是超越现实。其图像特征如下:

(一) 超越现实和自然

图像与现实之间差的就是理性, 图像表达的是内心真实的想法, 并不掺杂理性的思考。这是一种超越现实的图像表现方式。这种图像特征吸引群众眼球的主要原因是能够将群众内心不敢表达的想法表达出来, 进而得到人们的青睐。

(二) 色彩的幻想性

这种幻想是对自然以及形体进行装饰, 带着画家自己的幻想而做出作品。这种作品能够让人耳目一新, 带人们进入到另外一种世界, 带来足够的新鲜感, 同时, 群众也根据作品产生不同的想法。其能将幻想色彩带入到每个人的心中, 使人们忘掉现在的现实想法, 带动人们走向内心另外一个纯真美好的世界, 开拓人们的思维。它能够带动人们回归纯真, 忘掉现实带来的冲击和烦恼。

四、超现实主义绘画视觉体验的表现方法

我们都知道超现实主义主要是通过表现出不合理性逻辑甚至人们无法理解的视觉异象, 带来巨大的魅力。人们在看到作品时总能够被它所吸引, 经过思考看到世界或者人性中的本质东西。许多不同的超现实主义画家各种各样的绘画风格带给了我们不同的视觉体验。我们对三种典型的视觉体验进行分析:

(一) 自动主义创作方法带来的视觉体验

自动主义就是下意识的创作手法, 运用的是纯粹心灵的无意识的行为, 艺术家认为绘画要摆脱理性思维和社会教育的框架, 这样可以开拓人的创造力和想象力。艺术家认为经验和理性不能获得真知, 只有依靠内心深处的直觉才能看到世界的本质。根据以上看法, 我们可以分为两种自动主义创作方法:

第一种叫做机械性创作, 他们需要借助某种道具或者某种手段来调动想象力。举例说明, 超现实主义画家马克斯·恩斯特, 他发明了许多的方法:摩擦法、拓印法等等。我们简单说一下摩擦法, 摩擦法主要是将纸张铺在凹凸不平的物体上, 用铅笔在纸上描画, 然后画家根据物体描绘出来的形象进行理解和绘画。

第二种自动创作方式是特别具有个人主观的, 直接能够表达出画家的主观想法, 画家达利就经常利用此种方法进行创作。他在创作的过程中特别注意周围的环境, 他特别喜欢在舒服自在的环境下创作, 全神贯注地盯着画布, 充满想象地进行画作。

这两种自动主义创作方法都充分表现出画家们想象力和联想的能力, 创作过程中发挥联想能力、自身的创造力, 提高自身对事物的感应能力, 将大脑中潜意识的想象描绘出来。这两种创作方法不同, 但是都是从内心世界出发, 表现的都是想象的东西, 根据潜意识创作出视觉异象。

(二) 非常规视觉体验

在超现实的创作表达中, 很多的绘画里面的物体以一种非常规的方式组合到一起, 这个物体已经跳到了另外一种环境, 被放到画家的画面上, 它原有的意义就会消失, 那么我们就要以一个全新的角度去看待它, 从全新的角度去认识世界。在这里我们特别介绍一位画家马格利特, 他的作品就常常与人们的视觉经验和生活经验相背离。他能够创作出人们日常生活中所没有的画面, 这样人们就会给他的画面进行一个全新的定义, 他还会将没有联系事物组合到一起, 有的时候会对事物进行排列, 排列还很奇怪。人们对他的作品的评价往往都是荒诞且幽默, 但是感觉又充满智慧。这给人带来一种全新的感觉, 使人们认识到一个他们所没有想到的世界, 人们对此也会有全新的感受。

(三) 偏执狂批判法

偏执狂又叫做妄想症, 在超现实主义绘画方面, 主要表现的是对绘画的狂热追求, 其从人的潜意识抓起, 将幻觉中产生的视觉异想引入创作中。在此类的作品中我们经常可以看到令人疑惑不解的组合方式和夸张的物体形象, 这些形象就如同内心的潜意识, 不容易被人们理解, 只有当人们的意识不够坚定的时候才能够进入到其中。画家们在创作时, 有意识地对潜意识世界题材进行加工, 只要这样才能够呈现出既充满超现实意味还能够反映社会现实的作品。

五、超现实主义绘画视觉体验分析

超现实主义绘画通过与众不同的艺术创作手法, 营造出一种看似矛盾实则有着丰富艺术内涵的画面效果。很多超现实主义绘画作品, 借助怪诞的作品情境的设计, 营造与现实格格不入的绘画艺术氛围, 具有了超越时空的绘画体验, 让观赏者感受到虚与实的冲突、感性与理性的碰撞, 获得不一样的视觉体验。

例如, 著名画家达利借助自由拼合的方式进行绘画, 营造出一种陌生化的、超现实主义场景。其代表作品《记忆的永恒》, 形象地表达了时间流逝的无奈以及画家自身在物质世界中所经历的种种挤压。作为20世纪典型的超现实主义作品, 达利的《记忆的永恒》, 从某种角度来说, 体现出了超现实主义作品绘画者的内在潜意识。在著名画家马格利特的作品中, 画家打破传统的视觉审美习惯, 借助冷调的色彩、明确的界限来营造出一种黑色幽默、光怪陆离的绘画体验。其作品《天降》塑造了神情古怪的人物, 画面极具写实性, 充分体现出超现实主义画家所追求的那种反常效果。

从这些超现实主义的绘画作品中人们可以深刻地感受到作品所具有的强大的视觉冲击力, 这种冲击力不仅让人获得视觉层面的体验, 更会在精神层面受到一定的影响。超现实主义绘画作品用一种看似“另类”的绘画处理方式来表达绘画者心底的声音, 无论是对自由的追求, 还是对世界和平的期盼与祝福, 都会让超现实主义绘画作品成为绘画艺术宝库的耀眼明珠。

总之, 超现实主义绘画具有其内在的独特性和与众不同的视觉体验, 需要在具体的作品中结合创作者的内心思想以及创作的时代背景进行综合的欣赏。超现实主义绘画的视觉体验带给人们的是一个全新的世界。