非首歌词是什么意思是什么歌，火红的萨日朗感觉这首歌其实很难唱？
说起一望无垠的草原大家都会想到什么呢～
牛羊成群、万马奔腾在无边无际的草原上，游牧人左手拿几尺鞭，右手拿着套马杆，一边吆喝着落在队伍最后边的几头牛羊，一边唱着草原上最美的情歌。即将归家的他们朝着远方的蒙古包疾行，远远燃起的篝火火把，悠扬的马头琴琴声还有游牧人心里的姑娘。他们像雨像云又像风一样的自由飞翔在金色的绿茵场上，放声唱出自己的心声，远离了尘世的喧嚣，他们就是草原上的天使。近日，有着“草原天籁”之称的内蒙古情歌天后乌兰托娅，携最新单曲《火红的萨日朗》强势曝光。此次发布的新歌《火红的萨日朗》内容在原有基础上更为充分，同时也丰富多变，多元化的音乐形式融会贯通，让人耳目一新，更加呈现出一个全新、有韵律又走在流行音乐前端的民族风歌曲。《火红的萨日朗》这首动听的歌曲出自乌兰托娅的第四张专辑《新套马杆》，这首作品以清新、自然、自由奔放的草原民族风为主，在融入流行元素后，一经推出便在酷狗音乐等各大音乐软件和快手等先锋视频软件中占据一席之地，同时也掀起了新一轮传唱风暴，并成为全民广场的热舞。此次乌兰托娅在音乐风格上尝试了大胆的突破，除了以传统的民族风格为基础，也对这首歌做了大胆的创新，突破了以往大家对民族风格的认识，也融合更多的时尚元素，在对乐器的选择和谱曲上，将民族流行音乐变得更具高水准和国际化，这也正是这首歌为什么不好唱的原因。清澈通透的嗓音与粗犷辽阔的草原结合，是“草原风”最极致的体现。低回婉转的马头琴和时尚的流行音乐相互融合，交织出了一曲美妙的天籁。除此之外，这首歌在造型方面也朝着潮流视觉系发展，让大家在面对着草原文化的同时与时代流行元素相结合，不仅把我们的民族文化推向高潮，也为我们的流行音乐走向国际打开了一扇门。 如今在大家传唱着这首旋律自然，又朗朗上口的歌曲时，也成为了大家喜爱的全民广场热舞歌曲。火红的萨日朗乌兰托娅清新自然的曲风和简单不复杂的动作，民族风情铺面而来，大步的向左又向右，一朵朵鲜红的“萨日朗”开放在祖国各地，一瞬间让人感觉到身心自在，像是和朋友们真的在草原上驰骋，放下了一天的疲劳和烦恼，沉浸在美妙的歌声中。原唱是乌兰托娅，歌词和旋律都很简单，包容性却是很强，热情奔放的曲风，非常迎合大众口味。这首歌曲编配的版本和原曲的旋律基本是一样的，完美的诠释了原曲的感觉。火红的萨日朗吉他谱和火红的萨日朗简谱中的和弦的走向非常简单。而在火红的萨日朗dj舞曲的出现，除了让人们在音符的吸引下高歌一曲，随着音乐律动摇摆，真正让大家在音乐中放松了自己，也让大家为民族文化的传播助了力。凭借着火红的萨日朗dj舞曲的短小轻快，网友纷纷录制火红的萨日朗舞蹈视频，在为这首爆红歌曲的传播，贡献出自己的力量，网友们的各种才华也纷纷上线，火红的萨日朗舞蹈视频，也填补着民族舞蹈发展的空白，让岁月随“萨日朗”越来越红火，火红的萨日朗舞蹈视频和火红的萨日朗原唱乌兰托娅和火红的萨日朗dj这无疑也为2020年的到来高歌！“草原最美的花 火红的萨日朗，一梦到天涯遍地是花香，流浪的人儿啊，心上有了她，千里万里也会回头望。 草原最美的花 火红的萨日朗火一样的热烈，火一样奔放痴情的人儿啊，心上有了她，有种幸福叫地久天长。”火红的萨日朗歌词中这样写到。
火红的萨日朗乌兰托娅和火红的萨日朗要不要买菜翻唱版的这首动听的歌曲，让对内蒙的风景、文化，美食一直情有独钟的人们和平时也喜欢听带有蒙古元素歌曲的大众网友们得到了满足，火红的萨日朗歌词中彰显的不仅仅是萨日朗这朵草原上最美的花，它有奔放的个性同时也象征着团结、向上和早生贵子，它美好的寓意值得每一个网友听众为草原祝福，也为自己的生活祝福。火红的萨日朗歌词中的每一句都仿佛带你来到一碧千里的大草原，此刻你仿佛置身一个翡翠般的翠绿世界里。 古人曾在这里放歌:天苍苍，野茫茫，风吹草低见牛羊。无边绿翠凭羊牧，一马飞歌醉碧宵。草原的天似乎比别处的天更可爱，每一朵云都会让人想象空气是那么清鲜，湿润的空气中夹杂着奶茶的醇香和萨日朗的芬芳。天空是如此的明朗，远远望去都挂着朵朵白云，每一片都让人想象，在草原上放歌，每一首都是对草原的赞美，富含着对未来长远之路的想象和向往。天空、草地、树林，在草原上这些景色仿佛瞬间拼接在一起，这样的连接总显得无比完美、漂亮，像一幅山水写意画--它似乎远在天边，美丽的萨日朗花开在一望碧绿的草原上，静悄悄的在风中起舞，在夜里歌唱。宽广又坦荡的大草原让人心情舒畅，阵阵风中夹杂着远方捎来的思念和花的芳香。我曾说在世间最美的地方要留下我们的名字，也说在最让人思念的地方为你分享。美丽的萨日朗在风中舞蹈，听着火红的萨日朗我们也想随着火红的萨日朗原唱一起跳起火红的萨日朗舞蹈视频为我们记录幸福的每一刻。在潇洒与自由里我们已经是天地间重要的一部分了。这是一片长满萨日朗的大草原，这里留着一份火红的思念，也是永远让人自由的大草原。如若有一天，定当去骑马，手捧几朵美丽的萨日朗，和心爱的人奔驰在苍茫的草原上。欣赏这世间不可多得的美景，尝尽世间美味，也一同看遍世间繁华，远离尘嚣。用自己喜欢的方式，带上一台相机，带上一块儿艳丽的头纱。可以的话，带上你一起。我们一同走进这个热情似火的地方。 草原上的鲜花与牧马，是游牧人的天堂，是蒙古人民的家，静谧中带着欢乐，轻松中携着潇洒，总是让人不经意的神往。蒙古族歌手乌兰托娅的单曲《火红的萨日朗》一首好听的草原民族风歌曲，欢快的曲调热情的歌词，不经意间张力满满，宽厚的歌声一如草原般辽阔，放松又充满质感，火红的萨日朗原唱是乌兰托娅，独特的声线演绎下，让我们看到了一幅草原美景，而在要不要买菜的歌声中又会让人情不自禁的沐浴在心中的草原上自由翱翔。这是一首自由的歌也是一首真的让人心胸开阔又积极向上的歌曲。 几年重现，碧绿草原，萨日朗绽放。乌兰托娅，火红的萨日朗原唱。萨日朗花，歌声悠扬，风中起舞，草原天籁，地久天长。而在要不要买菜对火红的萨日朗原曲重新演绎中，他依旧保留了草原独有的特质，以及具有民族特色风格的曲调，用内心深处的感悟,真挚的表达,和踏踏实实的嗓音，抒发出了对草原深沉的爱恋和对亲眼目睹火红的萨日朗的向往。 当你尽情策马，带着美丽的心情在大草原上奔腾驰骋的时候，随处可见的都是羊群，马群和牛群，它们成百上千，肥硕的身子铺满了碧绿的草原。悠扬的马头琴声响起，游牧人的吆喝声响起，每一声都为草原增添着风景。远方的少女也在天渐冷的时候穿起了厚衣物。在傍晚时分太阳落山之际，它们吃着被誉为“草原上的金子”般的油草，毛色在余晖的衬托下显得格外发亮，生在这里的每一个人和每一头牛羊都深深的爱恋着这片富有宽广自由的草原。
有的时候，牧群中会有叮当声响起，那是穿过树林和牧群的风，来到美丽的蒙古姑娘身，旁吹起了衣饰的一角，那是牧羊女们满是银饰的衣角和长靴的装饰在风中击响。牧羊女们也骑着骏马，天地辽阔，优美的身姿映衬在蓝天、雪山和绿草之间，每一个起跃在马背上的姿势此刻也显得十分动人。她们欢笑着跟着嬉逐的马群、牛群和羊群驰骋，渴的时候就端起侧挂在身边的水壶，每当停下来，就倚马轻轻地挥动着牧鞭歌唱她们的爱情。火红的萨日朗乌兰托娅，火红的蒙古族姑娘，火红的爱也流淌向远方。 此刻显得茫茫、无边无际的牧场中到处回荡着牡羊女的歌声“草原上最美的花儿，火红的萨日朗”，一条弯弯的小河，静静地流向远方。天下有多大，随它去宽广，大路有多远，那幸福就会有多长。山坡是满满的白色羊群在吃草，花开一抹红，花香从此地飘向远方。向远方望去,白云飘浮在山间，漂浮在半山腰上,微风吹过，这里刹时间形成了一片绿色的海洋。火红的萨日朗歌词中，流浪的人儿深深的爱着他的牧羊的姑娘，唱着动听的情歌，挥动着羊鞭和套马杆，游走在美丽的草原上，奔腾在河的对岸。傍晚，夕阳西下的时候，太阳初落，此时此刻在霞光的辉映下，草原与天连成一片。蒙古包里响起了委婉动听的马头琴声，这是草原上最美的画面，也是草原上最美的“萨日朗”吆喝声和牛羊群的叫声，还有远远望去的萨日朗，每一幅画面都怎不叫人心旷神怡。 火红的萨日朗是草原最美的花，也是草原人民对未来美好生活的向往与追求，它也给我们带来欢笑和美好，是每个听众网友的自由与欢乐，也是大家内心深处最深沉的喜爱和最美好的祝愿。
如何评价刀郎的歌？
你好，作为音乐领域的创作者，我就为大家解答一下下面的问题。
"百花齐放，推陈出新”，2004年正是这个内敛的四川男人罗林的歌声，有如席卷万里的塞外长风，把人们从喧嚣繁华的都市的浮躁带到了西域天空的广袤和宁静，成为了中国流行乐坛最大的传奇和特例。只闻其声不见其人的神秘，雅俗共赏，老少皆宜的久违感动和共鸣，让这张低成本制作的专辑《2002年第一场雪》在新疆本地一个月销量就达30万张，在内地没有任何宣传的情况下正版销量达270多万张，盗版有50多种，1000多万张。其中的原创歌曲《2002年第一场雪》、《情人》、《冲动的惩罚》以及《新疆好》、《驼铃》、《草原之夜》、《怀念战友》等经典民歌被重新演绎，广泛传唱。中年人从中找到的是一份“寻找回来的世界”，青年人找到的是一种莫名的驿动和倾诉的快感。他的第二张由李宗盛操刀的专辑《喀什葛尔的胡杨》，坚持了原来的风格，当时国内订单就达到520万张，正版销量100多万张。
一夜之间刀郎的歌声横扫华语乐坛，直至香港和海外，垄断了整个内地唱片的流行视听，中国的城市乡村，大街小巷，包括音像店、商铺、车站、饭店、公共交通上全都是他的歌声，听众上至公司老总、政府高官、杰出艺术家、高级知识分子，下至公司白领、大学生、军人、老中青基层群众，直至今天，在某个县城的车上依然能听到刀郎的歌声。“刀郎现象”一度成为公众和媒体热议的话题，褒贬不一：有人说这样的东西很粗糙，也有人说这种修饰与不修饰之间正是刀郎的美。“刀郎”这个品牌商业价值的成功也成了“反潮流，反体制”的象征和商家、学者研究和反思的案例。事实证明：刀郎和他的创作团队以敏锐和独到的市场意识，以“四两拨千斤”的手笔奠基和开拓了一个更广泛的新市场，让人们看到中国内地大量二、三线市场的巨大潜能，而寻找更根源、更本地化的艺人和音乐，成为其后不少唱片公司新的音乐制作方向。比如随后而来的草根歌手和音乐，如凤凰传奇，旭日阳刚以及大批网络歌手。然而刀郎本人属于“有创作欲、制作欲，但没有表演欲”的歌手，本想做一名对成绩没有太大野心的幕后音乐人，用他的话讲“希望自己的作品被人了解，但不希望他这人被知道”，但其创造的令所有音乐人都羡慕又嫉妒的奇迹给他带来了一时难以调整和适应的尴尬，使得他为了找回迷失的自我而一度沉寂乐坛，难寻踪迹。
谭咏麟评价其是中国歌坛不可多得的，十年难得一见的几位歌手之一；罗大佑说其具有生来就是唱歌的嗓子，可以把歌唱得像诉说一样地自然；昔日老友“青歌赛”专业组民族唱法金奖获得者，总政歌舞团男高音歌唱家王宏伟说乐坛不缺艺术院校毕业、形象好嗓音好的歌者，缺的是像刀郎这样闪烁着个人魅力和独特风格的艺术家。
从王洛宾到刀郎，新疆流行音乐曾经出现过两次巅峰，如果说王洛宾是新疆民歌的代表，刀郎便是新疆流行音乐走向市场化的开端。刀郎，一个从中原而来的新疆传歌者，其演绎的歌曲的传播度、广度、力度在中国至少十年不遇，包括“刀郎”这种原生态文化也是在他成功之后才得到进一步的展现和保护的。刀郎，一只木讷而内心感情丰富、特立独行的苍狼，经历巅峰选择沉寂的音乐游侠浪子，一个独树一帜的天赋非学院派男中音，一个浑然天成的沙哑集大成者（四川老乡形容为：“烟锅巴嗓音”；湖南台采访他觉得自身音质特点时，刀郎描述为“风沙”的感觉），一个只属于刀郎的声音：他的歌声散发着北国男子的气魄和豪情，给人心灵横空出世的震撼，他的魅力来自于声线，中低音沙哑，但主音清亮且不失细腻的表现，旁支沙音扩散，高音却具有一种“西北望，射天狼”般势如破竹的穿透力和爆发力。性感、江湖味、老烟味、粗砺、苍凉、质朴奔放、激越高亢（Hight C以上）、大漠孤烟、北风割喉、阳刚味十足的狂野和豪迈不羁都是其声音的质感。听他那不加修饰的苍凉之声，听众仿佛被带到了异域的土地上翱翔，感受到的是一种质朴、一种粗犷、一种深情、一种热烈、甚至还有淡淡的忧伤、无奈、颓废的痞气以及压抑的透支感，他用他独特的嗓音、直白的歌词和深沉的情感，述说着人性的心声、执着和回归，诠释着茫茫戈壁的空旷与荒凉，演绎着来自那方神秘土地的独有风情，展示了大西北人民特有的粗犷豪迈的性格。
他的音乐中表现出来的流浪情绪、游子心态、无边的乡愁是否击中了我们这个时代柔弱的神经？是否是大众喜欢他的原因？是否是这2000万销量的真正秘密？刀郎不仅仅是刀郎，是乐坛的一个神话，在过去的十年里，刀郎绝对算得上一名很有影响力的音乐人。从音乐本身的角度来说他将民族地域性的音乐与流行音乐的融合做出了大胆创新和尝试，从音乐专业的角度说在唱片、录音、编曲品质上也是高标准磨练自己，超越自己。尤其难得，在这个浮躁的音乐圈内，还能潜心在于通过真实生活的点滴来感悟及创作来自于民的音乐，而传唱度之高，无人能及，可以称的上是内地音乐的新旗杆。
他的声音熟悉中蕴含着感动，宏韵中参杂着细腻，狂野中酝酿着沧桑，游离中沉淀着坚毅。从那场不期而遇的初雪，那刻在心灵深处的冲动，从那玫瑰花一样的情人，刀郎能把一个男人的柔情，一个男人的沧桑，一个男人的绝望用他的歌声表达出来，像天山上的融雪流过你的心田，如胡琴般悠扬激荡你的心弦。没有一种声音能这样忧伤，那是经过真正的失落，彷徨，历练，伤痛以及被大漠风沙的洗礼之后的灵魂之音，没有一种声音能这样深情，那是经过真正的爱与被爱，一个男人刻骨的心灵诉说。没有一种声音能这样奔放，那是真正见识过茫茫的戈壁，倾听过悠扬的驼铃，眺望过雪山的雄鹰，目睹过三千年不倒的胡杨之后才有的高亢热烈。没有一种声音能这样真实，没有所谓先进的技术，没有所谓花哨的技巧，只是歌唱着，真正的歌唱着，一如戈壁驼队的铃声，如此悠扬又如此朴素，直达人心最深处。
刀郎就是这样的人，创作的时候很细，表达的时候像迸发，他不太讲究收放尺度，来的都是比较直接干脆，不拖泥带水（云山雾罩不是他追求的风格）。作为民族流行音乐人，他的音乐来自于经典，深入于民，能给心灵以抚慰、释放、激励和想象，甚至触动了我们这个民族和时代内心深处的东西，这就是大众喜欢他的真正原因。
故乡是北京听起来像是哪首京剧？
京剧没有论首的，京剧讲究的是腔调和韵味。之所以李谷一唱的《故乡是北京》会让你听起来像是“一首京剧”，这离不开这首歌的曲作者——空军政治部文工团的国家一级作曲姚明。
这个姚明可不是打篮球的那个，而是创作出了《前门情思大碗茶》《说唱脸谱》等一批脍炙人口的戏歌的那位。
姚明创作出来的这些戏歌也基于他本身对京剧的熟悉和热爱，在一次采访中，姚明提到他在为朋友的乐队改变京剧曲牌的时候认识了中国唱片社的刘磊编辑，她无意中说：“姚明你对京剧这么熟悉，能不能用京剧的曲目写首歌？”于是便有了这首《故乡是北京》。
所以，《故乡是北京》《前门情思大碗茶》《说唱脸谱》等都是借用了京剧的曲目，所以让人听起来像极了小生花旦们那些咿咿呀呀的唱腔。
你觉得童安格最好听的歌是哪一首？
岁月如歌！虽然人才辈出，长江后浪推前浪，青出于蓝而胜于蓝，一代又一代歌星已经渐行渐远了，但是童安格仍然在不少人的心目中还有位置。提起童安格，大家首先会想起他的成名曲，明天你是否依然爱我，并且情不自禁哼唱起来。这是一首情歌，从午夜的收音机开始，一直到所有的爱情，只能有一个结果，我深深知道那绝对不是我……最后问一句，明天你是否依然爱我？许多人还记得，童安格和这首歌，一时间红遍大江南北。是的，童安格走红之后，虽然高产高品，几乎每一首都打红，比如耶利亚女郎，把根留住，一世情缘，花瓣雨等，但是相比起来，我还是觉得，童安格的明天你是否依然爱我，这首歌最好听！
如何评价周杰伦龙拳这首歌？
这是华语乐坛最好的广告歌。
《龙拳》是周杰伦为百事可乐写的广告歌，这是首先要明确的一点。
周杰伦从2002年开始代言百事可乐，在2002至2007年周杰伦与百事合作期间，恰好经历了他与蔡依林从热恋到分手，再到“反目成仇”的心路历程（2008年开始，周杰伦就转而代言可口可乐旗下的雪碧了）。
《龙拳》的制作阵容堪称豪华，尤其是它的录音效果，混而不杂，主调鲜明，配之以古筝、花鼓的传统声乐元素，使得周杰伦后期的所有同类型歌曲再也没达到《龙拳》这样的高度。
《龙拳》至少在以下三方面达到了华语乐坛从未有过（甚至连想都不敢想）的高度：1.把民族文化和嘻哈元素结合在一起。
作为周式中国风，《龙拳》开场的花鼓和自29秒出现的电吉他，以及震撼的金属重音，让所有人都知道这是一首很现代的歌。“民族文化”和“现代”怎么融合呢？看看光荣旗下的三国无双，历史故事、古战场激斗加上日式摇滚，让无数拥趸置身其中，感受古典和现代的融合。
我们通常以为只有日本才能做好的东西，周杰伦十八年前就做到了。
如何写一首广告歌，而又通篇不出现商品的名字？
自古至今这都是个难题。你看，杜甫写“今夜鄜州月，闺中只独看。遥怜小儿女，未解忆长安。香雾云鬟湿，清辉玉臂寒。何时倚虚幌，双照泪痕干”通篇想表达对妻子的思念，以及妻子的美貌，但通篇不带一个“思”或“美”字。
《龙拳》用嘻哈的方式，讲了一个青年人“智斗魔人”的故事。这个青年人以第一人称出现（“我”用手臂拉开这整个土地的重），象征了中华民族的龙脉和精气神，“魔人”代表了国外文化的入侵。
这就是为何MV里，魔人偏偏要抢走“精武馆”的牌子，按说这牌子也不值钱。
这“精武馆”象征的是文化血脉，这个东西一旦被抢走，丢失了不仅仅是一块牌子，而是几千年来的龙脉和血性。
民族文化，最不能缺少的，就是血性。没有了血性，其他一切风花雪月、吟诗作词都没有用。
2.达到了华语乐坛音乐创意的巅峰。
虽然后面的《乱舞春秋》，再次展示了周杰伦的音乐创意，但《乱舞春秋》稍显刻意，雕琢痕迹明显，有炫技的感觉，而《龙拳》全无炫技之感，Flow、咬字断句、编曲、音效、创意和一些画龙点睛的细节（比如副歌开头“渴望着血脉相通，无限个千万弟兄”的双声道轮换，以及末尾的“慢着，我就是那条龙”），振臂一呼，唤醒的不仅是中国功夫，也不是MV里周杰伦的那些师兄弟，而是民族文化的魂。
《龙拳》是一首有魂的作品。某种程度上，这首歌也可以叫《龙魂》。
间奏部分，采用动、静、动、静的结合，收放自如，尤其配合MV激烈的漫画打斗场景，音、画融合程度之高，技法之精湛，无一不是教科书级别的案例。
高潮部分的高音“我右拳打开了天，化身为龙”，和随之而来的低音“把山河重新移动，填平裂缝”，这种音调的转换，虽然不像复调那么华丽，但这已经打破了此前所有的唱法。
在《龙拳》之前，没人能想到：歌曲还可以这么唱。《龙拳》这首歌与其说是唱出来的，不如说是吼出来的。
唱别的，是六朝以来奢靡无味的靡靡之音；吼出来的，是新千年的气魄，和中华文化的复兴。
3.奠定了周杰伦的音乐格调。
周杰伦的音乐格调是从《龙拳》开始奠定的。因为周杰伦出道伊始，就是一个音乐“狂人”。这种“狂”，在《龙拳》中体现得淋漓尽致。
它可以是年少轻狂，可以是初生牛犊不怕虎，可以是桀骜不驯，可以是叛逆不羁。总之，周杰伦一开始就向世人宣告：我将以一个革命者而非追随者，纵横在华语乐坛。
如果说在前两张专辑中，周杰伦还不太好意思展现这种“狂”，那在《八度空间》里，周杰伦已经可以“肆无忌惮”地去展示了。
《龙拳》是周杰伦第一首登上春晚舞台的作品（2004年春晚），是周杰伦在2003MTV亚洲大奖上打败日韩天团的作品。
在周杰伦出道的年代，华语乐坛有不少这种歌手：只凭一首歌，红遍了大江南北。当然，这种红是不可持续的。
这些歌手如今早已销声匿迹，虽然当年他们名噪一时。
我很难想象：即使在今天，如果有哪个歌手，推出了像《龙拳》这样的神作，那种震撼，那种媒体铺天盖地的赞誉，那种网络上难以计数的盖楼和评论，将会是怎样一番场景。
“这里交给你了！”“师父慢走！”
一人江湖，江湖一人。
一首歌，可以吊打一大堆歌手；
一个人，可以吊打全部华语乐坛。
很难想象我们真的经历过这样的时代，很难想象，这一切竟然真实发生过。
歌曲应该先写词还是先做谱？
歌曲先写词还是先谱曲，这个是没有固定顺序的。
音乐创作是很主观的一件事，不同创作者都有自己的习惯，我个人理解的话，可分为下面两种创作类型。
第一种是原创音乐人/唱作人的创作。他们通常都是一个人包揽了词曲，很多时候都是靠灵感创作。也许先有词、也许先有曲，也许一气呵成词曲都有了。
像我们熟悉的国内摇滚歌手郑钧，他的那首《灰姑娘》，就是半夜睡不着，想起大学时代的恋人，于是起床拿起吉他就一气完成了。
灵感来了，拦都拦不住，哈哈…😄
还有像朴树，他第一张专辑里那首《New Boy》，盘尼西林乐队在《乐队的夏天》节目里曾翻唱过。
这首歌写出来的时候只有曲，很长时间里都没有填词，直到要录唱片了才把词写好。
朴树在访谈节目里也说到，他最头疼的就是写词，一直逼到最后才能写出来。我觉得他的“头疼”并不是说他没有能力写好，而是对音乐一种较真的态度。
第二种是职业作曲人/作词人的创作。通常他们的作品都是给其他非原创类歌手来演唱，自己不会去唱，扮演的是幕后制作的角色。
唱片制作的流程，其实就是一个标准化的流水生产线，分工明确，各司其职，我们听到的大部分歌曲都是这么出来的。
唱片公司邀歌，他们根据不同歌手的特点和风格来创作，至于是为曲填词、还是为词谱曲，也因人而异。
像著名香港作词人林夕，他的创作习惯就是为曲填词，没有旋律之前他是不写词的。
而跟他相反的是音乐人小柯，习惯先有词再谱曲。
两个人在合作奥运会主题曲《北京欢迎你》的时候，就出了点小尴尬，相互都在等对方先开始，哈哈…就僵持着无法继续了。
最后没办法，小柯只好自己临时先写了一段词，然后把曲写好后，交给了林夕来填词。
上面说到的两种情况，都说明了一点，词曲的先后顺序没有一定之规，完全看个人创作习惯。
我是弹个没完的达子，一名吉他老师，大家如果还有其他看法，欢迎留言哈，我们一起探讨。