浅析大卫霍克尼代表作品，如何成为一个风光摄影师？
如何成为一名优秀的风光摄影师，这是每位摄影者必须回答的而且需要努力践行的。一名优秀的风光摄影师必须具备一定的思想素质、物质条件和拍摄技巧，包括以下几个方面：
一、热爱生活，热爱自然，对风光摄影充满热情。英国著名画家、摄影师大卫·霍克尼说：“享受风光是一种爽到家的体验。”这句话完美道出了风光摄影的真谛。风光摄影本身就是一种生活和艺术结合体，是人类感情升华，艺术的创作，需要感情的投入，热情的浇筑，才可以完成。同时，还要有一个健康的身体，可以承载者繁重和恶劣自然条件下工作和生活，具备其他人进行交流、沟通和合作能力，还要具备良好的职业道德、政治素养和人道主义精神，这是一个优秀的风光摄影师的前提条件。
二、具备良好的艺术修养，独特摄影风格，独具匠心审美能力。风光摄影是艺术创作，作品需要具有一定的美感的，拍摄画面的构图和色彩搭配，有一定的独到见解、独特的视角和独具匠心审美标准，通过拍摄的作品，美才能更好的呈现出来。
三、备好相对齐全的风光摄影的设备，这是保证风光摄影物质前提。每个摄影师有自己的偏好、现实条件和拍摄对象做出选择，不可能面面俱到，这里只提供思路。一是使用胶片机。风光摄影师使用大画幅和中画幅的相机以纪录更丰富的细节，可以通过选择不同类型的反转片控制色彩特性、影调特性。二是便携数码相机。一台不可更换镜头的高端便携数码相机也是选择之一，如索尼R-1、富士S9500。三是数码单反相机是风光摄影的首选项。有些拍摄地点需要走上很远的路才能到达，最好只带一两支镜头就好。镜头配置当然是覆盖各个焦段、变焦和定焦兼备、光圈越大越好，长焦和广角风光摄影既需要广角，也需要长焦。在风光摄影中广角镜头，如17-40mm，适合庞大恢宏的场景，长焦镜头，如70-200mm能从杂乱的场景中裁切出最有趣味的内容。 夜景光线环境下，特别是有人文环境的风光摄影中，大光圈镜头是纪录特定光线氛围的利器。风光摄影选择广角定焦镜头，比如24mm、28mm、35mm，在使用大光圈时仍然具有足够的景深，而避免背景过于虚化。其它配件，偏振镜在斜射光及侧光时使用，可以增加色彩的艳丽程度，渐变镜用于压暗天空，三脚架和快门线可以提供拍摄稳定性，备用电池、存储卡和镜头附件等。另外,身上穿的衣服最好能应对各种天气变化的需要。此外，需要携带帐篷、睡袋和炊具。
四、制定风光摄影的拍摄计划。首先要确定鲜明主题，来捕捉观众的兴趣。其次是捕捉这个主题的镜头及其他设备。第三，进行时间安排，提前准备将节省您在现场的时间，让您利用最佳光线时间，帮助您避免错过最佳机会，并让您在现场获得更多的时间，最好提前亲自到达您的位置。大多摄影师较少使用中午时光线，选择日落和日出为拍摄最佳时段。这使您可以在日落和日出之前前往最佳位置，这样您就不会错过最佳拍摄，并且无论光照条件如何，它都可以帮助您在一天中的任何时间都有用。
五、相机参数设置。拍摄风光时所需的相机设置，要重点把握。一是使用光圈优先模式,通过控制光圈来控制景深,快门速度则交给相机把握。二是拍摄模式以光圈优先Av模式为主，以速度优先Tv模式为辅，Av模式可以控制风光的合焦范围，即清晰范围，Tv模式用于拍摄水景特效。三是测光模式以评价测光为主，点测光为辅，白天时使用评价测光，日出日落时多利用点测光。四是曝光控制为自动曝光，曝光补偿可稍微降低曝光，掌握宁欠勿过原则，突出光影明暗变化，雪景除外。五是对焦模式使用单次对焦，进行精确稳定的对焦。对焦点选择使用单点对焦，主体或具有视觉中心点的景物最好是被摄对象。六是光圈值推荐f/8～f/16之间，小光圈有利于增加清晰的景深范围。七是快门速度1/60s～1/400s，中等速度保证拍摄的稳定性。八是ISO感光度设置，ISO100-ISO400，较低的感光度可以保证照片的画质细腻无噪点。九是白平衡设置，白天使用自动或日光白平衡，日落使用阴天白平衡，白天还原自然色彩，日落时突出金黄效果。按照上述参数设置相机之后,你还可能加上滤镜,相机快门速度也许会变得非常慢。如果当你发现快门速度低于1/125秒的时候,要使用三脚架稳定相机,避免由于微小的机身抖动导致的画面模糊。
六、拍摄具体方法。一是对焦方法，风光摄影最好的对焦方法是将镜头设置为手动对焦模式,然后转动调焦环选择最合适的对焦位置，将场景从地平线到相机的位置划分为三等分,然后将焦点大概放在距离相机较近的三等分点位置上。但是，这不是一直需要遵循的规则，拍摄对象包含一个应该成为关注焦点的特定焦点，你可以专注于那里。当我们确定对焦点后,就可以通过取景器或开启实时取景模式的液晶屏观察并调整调焦环。当该点看上去达到最佳清晰度之后,试拍一张,然后放大查看从远景到近景的各处画面清晰度。如果前景清晰背景模糊,那么还需要将焦点后移,反之亦然。调整时需要多一点点耐心,有时需要反复几次才能达到画面从远到近清晰一致的效果。二是保留天空细节，中灰渐变镜简称渐变灰,是风光摄影必不可少的一种滤镜,它能帮助我们单独减少画面上半部分的进光量,对于画面下半部分区域不造成任何影响。这也就意味着我们能在天空与地面亮度反差极大的情况下依旧获得平衡的曝光。 三是抓住蓝调时间，傍晚是一个绝佳的拍摄机会,其中最为人称道的就是“蓝调时间”。蓝调时间大约为太阳下山之后的一个小时以内。在这段时间里地面被蓝紫色波长的反射光占据,天空可能还残留着一抹红霞,因此能拍摄出极其漂亮的冷暖对比效果。 四是阴雨天气也可以拍摄不一样的风景，在风起云涌之间就潜藏着无数的细节,让我们拍摄出无数氛围感十足的照片；太阳偶尔透过云峰的间隙里,画面还会显得更加迷人。
细节决定成败，风光摄影也要在细节上下功夫，要想成为优秀的风光摄影师就要提高自身素质，通过学习交流，不断提高自己的摄影水平，达到一定的高度，拍摄出优秀的好作品。
本文照片采用名家风光摄影作品，表示感谢。
中国画却和实际差别很大？
油画的写实油画像真人，抽象派的一样和真人差别大；国画的写意人物和实际差别大，国画的写实和真人也比较像！
油画南海岩国画《金色原野》李乃宙国画《一代宗师》大家可以看下上图的3幅作品，难道您觉得下面的2幅国画和真人不像么？这个问题本身就是个问题？
油画写实中还有一种超写实，例如油画家冷军、米巧铭等。冷军作品局部米巧铭作品局部米巧铭与谷爱凌就我个人而言，我对油画的超写实，真的不是很喜欢，画得太逼真还不如用相机拍照了，抽象派的更是欣赏不了，没有那么高的审美造诣；我个人比较喜欢的油画人物是类似于油画家张文新老师的风格，如下图：
张文新油画作品《小孩与狗》就上图而言，画家把人物的主题描述得相对比较清晰，而狗和人物相比，就比较简单，整体画面突出了人物，这种类型的作品我喜欢；最重要的是我觉得这是相机拍不出来的，完全是画家创作，手机前的您觉得如何呢？
国画之中的人物画，我也是喜欢这种虚实结合的类型，例如下图：
李乃宙作品《小字辈》这幅画李乃宙老师用纯水墨铺满了画，唯独留出了人物的脸和手，又配上我们中国的传统书法，这就让观者看着特别舒服，同样的道理，现在摄影作品之中也不乏这类作品，拍出来后成片的效果就特别舒服，如下图：
来源于网络综上所述，任何一种艺术表达的方法、方式，只要是作者用“心”创作，都会有属于他的艺术语言，看过一本书上说：“心画”是中国美术史上的第三个阶段。我觉得这“心画”可以用在任何艺术领域，您觉得呢？
分享书画，欣赏艺术，感悟我的人生路，我是洪利！欢迎大家莅临我的头条号来观赏指导！
踏遍青山，中国国家画院研究员李乃宙，用“心”去画中国画
霍克尼的肖像画？
如今的大卫·霍克尼身上贴着很多标签，类似“最出名的英国在世画家”，“是那个时代最后一位在世的大师了”、他就是“一块关于20世纪六七十年代的活化石”，“他的画笔记录下波普艺术和嬉皮文化的鼎盛时期”。在中国艺术界，霍克尼也是位传奇人物。为此2015年“大卫·霍克尼个展：春至”在北京展出时引起了艺术界和文青们的疯狂追捧。
1937年出生于英国约克郡的布拉德福德的霍克尼，在其还是个少年时便显示出艺术家的天赋。十多岁时就因设计了一款手表广告而赢得了全国报纸竞赛的第二名。在上世纪60年代，霍克尼更是成功跃升为伦敦的标志性文化人物。事实上，1962年从伦敦毕业后，霍克尼大部分时间都在美国生活及创作。但正因其创作过于出色，伦敦很自豪地视其为标志性文化人物。在艺术创作之初，大卫·霍克尼最早采用了当时还是新材料的丙烯作画，对水、光的画法更是开创了先河，加上像广告喷画式的风格，令其成为英式波普艺术的代表人物之一。不过在60年代后期，霍克尼从波普转向更传统的具象绘画方式。在肖像画创作中，霍克尼颠覆了英国传统肖像画的风格，为其中注入了更多的情色意味。其最出名的“泳池系列”便是在这个时期的创作，也是艺术家本人最喜欢的主题之一。
此后，霍克尼也尝试了摄影制作、照片拼贴画等，并在一段时间内专注风景画。2013年由于一些变故，霍克尼又开始画肖像画。在他看来，只有肖像画才是最好的选择，能让其情绪变得直观。他开始邀请他的朋友来做模特，创作了一系列肖像画。虽然我们已经进入自拍时代，但肖像画依然能表达出无尽的含义，霍克尼用自己的画作证明着这点。
大家觉得在抖音上恶搞艺术是一种什么现象？
自从杜尚把小便池搬进了博物馆，“恶搞艺术”开始走进大众的视野。随着现代技术的发展，越来越多的恶搞作品成为了“网红”。恶搞，究竟是全新的艺术形式，还是哗众取宠的娱乐消遣？每个人心中都有自己的答案。
反叛的艺术
前段时间，在英国某个艺术展上，一个大学生随手将一个菠萝放在了展厅中。结果两天后，这个菠萝被当成展览品放到了艺术展的中心，并被工作人员用玻璃罩保护了起来，令人啼笑皆非。这位学生在接受采访时说：“我看到了一个空的展览台，就把菠萝搁到了那里，想看看那个菠萝会待上多久，以及是否有人真的觉得这个菠萝是艺术。”
“菠萝事件”在网络上被疯狂转发，成了热议话题。其实，这样的“恶搞行为”早在100年前就已经有人做过了，并且成为了艺术史上的里程碑。
马歇尔·杜尚《泉》
1912年，法国立体派拒绝了杜尚以《下楼的裸女》参加独立沙龙展的请求。次年，这幅作品在美国展出时也被评论家们讥讽为“木材厂大爆炸”。1917年，杜尚从五金店买了一个男士小便池，签上了“R.mutt”的名字，把它送到了纽约独立沙龙展上，并将之命名为《泉》——恶搞了学院派代表人物安格尔的同名作品。叛逆不羁的杜尚给当时的“艺术权威”们带来了一个天大的恶作剧。
当时的立体派画家们认为《下楼的裸女》“超出了人们所能忍受的限度”。
从此以后，恶搞公认的经典作品成为了“反艺术”的一种形式。在《泉》之后，杜尚又为蒙娜丽莎加上了一撇小胡子，并将作品取名《L.H.O.O.Q》（意为“屁股热烘烘”）。更有趣的是，他又在商店买了一张“蒙娜丽莎”的明信片，称之为《L.H.O.O.Q剃掉了胡子》。
马歇尔·杜尚《L.H.O.O.Q》
在上世纪80年代的美国，一群由专业艺术家组成的艺术群体开始活跃起来，她们称自己是“游击队女孩”。这些艺术家头戴大猩猩面具出现在公众场合，用已故女艺术家的姓名作为自己的代号。她们通过恶搞世界名画中的女性裸体画，控诉艺术界内的性别歧视问题并为女性发声。
游击队女孩在1989年创作的海报：“女人一定要裸体才能进大都会艺术博物馆吗？”
在国内，当代艺术家岳敏君曾创作过一系列由世界名画改编的作品。在一部分作品中，原作中的人物都被他标志性的大笑男子替代，西方世界的背景与典型的中式人物形象混搭出了极具反讽意味的风格；在另一部分作品中，他对名画“做减法”，传递出了他对艺术的新思考。
爱德华·马奈《枪决国王马克西米连》
岳敏君《枪决》
欧仁·德拉克罗瓦《自由引导人民》
岳敏君《自由引导人民》
除了上文提到的艺术家们，还有很多艺术家都用“恶搞”这种极端戏谑的方式，表达着对现状的不满与控诉，提出了全新的想法与观点。恶搞只是他们创作的手段，而不是最终的目的。
娱乐时代的商业工具
好莱坞动画片《小黄人》上映前，官方曾发布了一系列由名画恶搞的人物海报。超萌的小黄人化身世界名画中的人物，着实抓住了网友们的眼球，为电影最后的票房成绩贡献了不少力量。
在娱乐产业极为发达的西方社会，恶搞作为商业宣传工具的例子随处可见。前段时间，歌手张靓颖的新单曲《Dust my shoulders off》一上线就引发了热议。
歌曲官方宣传海报
在歌曲MV中，张靓颖穿梭在爱德华·霍普、梵·高、达利、马格利特等艺术家的12幅世界名作之中，cosplay了《戴珍珠耳环的少女》等众多经典形象。
张靓颖作品《Dust my Shoulders off》MV片段
在动画片《马男波杰克》中，马男的家里挂了很多装饰画。仔细一看就会发现，这些装饰画都是由著名的画作改编而来，其中不乏马蒂斯、马奈等大师的作品。
亨利·马蒂斯《舞蹈》
大卫·霍克尼《艺术家肖像（有两个人物的泳池）》
荷兰艺术家Mike Frederiq就将大家熟知的奢侈品牌Logo进行了再创作。品牌创始人的肖像被弯曲组合以后，呈现出品牌Logo的样子。这些“高冷”的品牌经过他的恶搞，竟然有了“呆萌”的气质。
其实，还有很多恶搞作品的目的是反商业、反娱乐。街头艺术大师KAWS在进驻高雅的艺术馆和画廊之前，他的创作阵地还是在纽约街头的广告牌上。他通过其标志性的交叉双眼等图案对车站、电话亭上的大牌广告进行恶搞涂鸦从而名声大噪。
KAWS早期在街头的创作
在当今社会，我们无论如何也无法绕开“金钱利益”这个话题。如何在正视利益的同时保证艺术创造性，这成为了当下恶搞艺术需要解决的问题。
现代技术的冲击
随着现代技术的发展，越来越多的艺术家开始尝试用恶搞的形式进行创作。他们不仅让经典名作“动了起来”，还在其中加入了现代的元素，让人直呼：“还有这种操作？”
来自俄罗斯的艺术家Svetlana Petrova就将自己的宠物猫放到了众多名画之中。神奇的是，这只姜黄色的肥猫在这些作品中丝毫没有违和感，艺术家精心挑选的猫咪形态总能与画作的风格气质一拍即合。很多人也表示，在欣赏完这组风趣幽默的作品后，都会找来原作进行对比。
和Svetlana Petrova的温暖路线不同，波兰新媒体艺术家Kajetan Obarski制作的一系列GIF动画，让这些名画不仅动了起来，还根据不同的情境被赋予了现代社会独有的趣味。
Kajetan Obarski作品
而在我们身边，故宫博物院推出的一系列周边产品更是成为了有着超高人气的“本土网红”。通过PS等现代媒体技术，画作中不苟言笑的皇帝、皇后都拥有了萌萌哒的新表情。而深藏在展厅中的文物摇身一变，被制作成了生活中的日用小物，拉近了大家和故宫的距离。很多人变成了故宫博物院的忠实粉丝，专程前往故宫游览。
这样的恶搞作品，不仅能将古老遥远的经典名作和现代社会相联系，还能通过轻松诙谐的方式带领我们去了解这些陌生的艺术作品。但是，我们应该清醒地认识到恶搞和亵渎之间的区别。现代技术的无限制使用，使很多人以无聊的娱乐消遣为目的，对很多经典传统的作品进行亵渎，这样的“恶搞”不值得被提倡。
达利版的“蒙娜丽莎”充满了讽刺意味
其实，很多进行恶搞艺术创作的艺术家，譬如杜尚、达利等，都比传统派更有想法、更有实践精神，也更有勇气。他们敢于挑战权威、反叛传统，大胆地实践自己的想法。虽然到了现在，恶搞艺术与商业娱乐的联系越来越紧密，但真正用心的创作始终会得到人们的欣赏。
就像杜尚当年的《泉》一样，或许今天某些恶搞艺术到了百年之后，也会被认为是里程碑式的伟大作品呢？
西方绘画中的镜子到底隐含多少秘密？
在东西方绘画中，
都有很多关于镜子的作品。
镜子是个很神奇的东西，
它既有实用功能，
还带有不少象征性和隐喻。
我们一起来看看画中的镜子和镜中人——
最早的镜子，
可能是能够反光的各种东西比如水面。
画中表现的就是希腊神话中经典的“美少年照镜”的故事，
讲的是美少年那喀索斯沉迷于自己的美貌终日在湖水倒影欣赏最后憔悴而死，
而这就是著名的水仙花顾影自怜。
照镜子一直是女人的一大爱好，
即使是女神维纳斯也要照镜子，
更别说很多漂亮的贵妇人了——
而除了实用功能，
镜子在绘画中出现一个非常重要的作用，
就是拓展了有限的空间。
比如画中一面镜子的出现，
既可以让我们看到女性身体之外漂亮的脸，
也能看到脸之外的身体。
而镜子，
有时还起到画龙点睛揭示真相的作用。
比如《宫娥》中小小的镜子中，
出现了皇后和国王的小小的影像，
而整个王宫权力的中心正是他们两个，
而非画中实际出现的其他人。
卞之琳有个非常出名的诗句：
“你站在桥上看风景，看风景人在桥上看你。明月装饰了你的窗子，你装饰了别人的梦。”
靠镜子，
艺术家可以创作出亦真亦幻的现实景象。
比如最后一幅画中的人物和镜中人衣服颜色都不一样，
所以看似真实其实是虚幻的。
甚至镜子可能是人格的反应，
比如画中人镜子中的痛苦表情，
也许就是她心情的真实写照。
画中的镜子是如此的微妙，
你觉得呢？
感谢你的阅读，喜欢请尽情点赞评论吧！你见过哪些天赋爆表的画作？
国美色彩高分配方：来自大象的浓郁系~
以下为大象画室专业老师近期色彩作品：近期，趁着美院初试阶段，画室的色彩老师展开了两三天的教研时间，期间老师们也出了一些色彩作品。当小编看到作品的第一眼，就觉得，是大象的味儿....而这批作品，也能够让学生有一个参照的方向，贴在墙上，也能够让学生对比自己的画面，有哪些区别。当然啦，这次色彩老师教研的主要目的也是为中国美术学院设计类的静物教学练习做准备，所有的色彩老师都参与其中。相信，在接下去的美院教学冲刺中，老师们都会全力以赴，引领小象们去往理想的美院！很多时候学生不适应校考画面的练习，是因为他觉得自己的画面深入度不够，更觉得自己画得不太好，但在专业老师眼里，其实他画得挺好的。很多地方过来、联考后来画室学画画的学生，之前没有练过美院写生，一下子会难适应，但其实慢慢调整，就好了，不用太担心！联考与校考的画面区别，求同存异，本质上是一样的。只不过校考画面在观察方面、颜色上会有一定差别，就像最近写生的作品，打了暖光，冷暖对比会比较强，补色关系做得比较强，空间推得比较多。而联考相对概念一些，你甚至可以默、背一幅画。笔触大小、色调都是可以固定去记和默。当然，联考转校考也有比较吃力的点需要注意：1、在调色上学生习惯用联考的调色方式去调颜色，虽然大致的东西相差不大，但校考画面要求颜色一定要调准！因此教学过程中，专业老师会用一定的调色技巧，训练学生的调色能力，问题也不大！ 2、画面美感校考画面的美感很重要。比如注重物体造型特征与生动性，以此来考察你的感受力。通俗地说就是在基础能力较好的前提下选择更有个性，审美更突出的学生。不过，美院其实也有一定的套路，但是两者方向不一样。美院画面甩得更开一些，联考则会小心翼翼一些，美院画面中，学生可以展示自己的风格，加入自己对画面的情绪。而针对美院校考的冲刺，画室有自己的独特教学方式。刚开始校考冲刺，会让学生临摹往年国美的色彩高分卷，老师也会对高分卷进行讲解、做范画等，并且引导学生去看一些塞尚、尤恩等大师的画面......兰熠鑫老师说，在他教书的这么多年里，没有碰到过一个学生不能适应联考转校考的。学生都能转变过来，因为，本质上，联考和校考就是一样的。去年带的学生，光是国美高分卷就有二十多张。所以，小象们跟紧老师的步调，一定能行！加油！ 浓郁的色彩指：色调上更有爆发力！国美历年高分卷基本上所有的画风都是比较浓郁的。像上美、天美、西美等美院，其实颜色上也差不多，虽有一定的区别，也仅仅是在一些塑造上、画面的完整度上。