中国抽象壁画代表作品

中国抽象壁画代表作品，裸体在国画艺术作品中几乎没有？

所有视觉艺术，包括绘画、雕塑、摄影等，都是一个国家文化观念和审美趣味的外在投射。我国的文化观念以儒家思想和道家思想为基础，通常以“二元辩证法”来看待问题，认识自然规律，把自然万物的运行规律看作是一个有机整体，自然万物的运行都遵学着“自然之道”，只有自然之道保持平衡，整个宇宙才是和谐的。

古人把人看作是自然万物的一部分，人在大自然面前，是很小的一部分。人的所作所为都离不开自然之道的约束，人去适应自然才是生存之道。所以，表现人与自然，人与社会，社会与自然之间的关系，是古人对自我的根本认识。

因此，传统中国画里边大多表现的是自然山水，花花草草，动物花卉之类的东西，很少看到专门表现人的喜怒哀乐的作品，更不要说“裸体”绘画了。

（赫拉科斯勒杀死雄狮）

而西方的文化观念跟我们截然不同，西方的文化观念历来奉行“物竞天择，强者生存”，认为人不是大自然的附庸者，而是主宰者和改变者，人的价值体现在对自然的改造中。从这个层面来讲，西方人的意识里，大多有以“自我为中心”的思想，把人的权利、尊严、欲望等，看得高于一切。

（宙斯与赫拉）

在这种文化观念的支配下，西方人很早就把艺术视角投向了人。比如，早在2700多年前的古希腊时期，西方人就用雕塑来展现人体的自然之美，男人的体格必须高大、健壮、魁梧，充满阳刚之气和力量感。女人的体态必须要丰乳肥臀，凹凸有致，那样既是生殖崇拜的象征，又是阴柔之美的体现。

（海神波塞冬）

雕塑为西方油画做了一个好榜样，当油画在13世纪末期诞生后，画家们自然而然吸收了雕塑的艺术观念，就把表现裸体油画看作是艺术创作的主流。

又因为西方神话体系非常丰富，他们的神话人物的生活方式跟凡间的人一样，人神共性，可以结婚生子，可以有七情六欲，可以为了爱恨情仇而争斗。

（洛神赋）

所以，画家为了表现这些丰富的人生百态，就刻画出一个个充满各种欲望的神灵或人物，如，风情万种的维纳斯，历来是爱情之神，英俊潇洒、人高马大的阿瑞斯是男人们非常景仰的战神。

我国国画诞生在战国末期，从出土的一幅战国帛画《龙凤吉祥图》来看，中国画在诞生之初，从来没有把人作为表现对象，以表现形而上的观念为主，不像油画，以直接表现人为主。

油画赏析1000以上？

1890年，他开始着手创作他一生中最重要的系列作品“生命组画”。这套组画题材范围广泛，以讴歌“生命、爱情和死亡”为基本主题，采用象征和隐喻的手法，揭示了人类“世纪末”的忧虑与恐惧。蒙克1893年所作的油画《呐喊》，是这套组画中最为强烈和最富刺激性的一幅，也是他重要代表作品之一。在这幅画上，蒙克以极度夸张的笔法，描绘了一个变了形的尖叫的人物形象，把人类极端的孤独和苦闷，以及那种在无垠宇宙面前的恐惧之情，表现得淋漓尽致。蒙克自己曾叙述了这幅画的由来：

“一天晚上我沿着小路漫步——路的一边是城市，另一边在我的下方是峡湾。我又累又病，停步朝峡湾那一边眺望——太阳正落山——云被染得红红的，象血一样。

“我感到一声刺耳的尖叫穿过天地间；我仿佛可以听到这一尖叫的声音。我画下了这幅画——画了那些象真的血一样的云。——那些色彩在尖叫——这就是‘生命组画’中的这幅《呐喊》。”(Thomas M．Messer著《爱德华·蒙克》，Harry N．Abrams，INC，Publishers，NewYork，第84页。笔者译。)

在这幅画上，没有任何具体物象暗示出引发这一尖叫的恐怖。画面中央的形象使人毛骨悚然。他似乎正从我们身边走过，将要转向那伸向远处的栏杆。他捂着耳朵，几乎听不见那两个远去的行人的脚步声，也看不见远方的两只小船和教堂的尖塔；否则，那紧紧缠绕他的整个孤独，或许能稍稍地得以削减。这一完全与现实隔离了的孤独者，似已被他自己内心深处极度的恐惧彻底征服。这一形象被高度地夸张了，那变形和扭曲的尖叫的面孔，完全是漫画式的。那圆睁的双眼和凹陷的脸颊，使人想到了与死亡相联系的骷髅。这简直就是一个尖叫的鬼魂。“只能是疯子画的”，蒙克在该画的草图上曾这样写道。

在这幅画上，蒙克所用的色彩与自然保持着一定程度的关联。虽然蓝色的水、棕色的地、绿色的树以及红色的天，都被夸张得富于表现性，但并没有失去其色彩大致的真实性。全画的色彩是郁闷的：浓重的血红色悬浮在地平线上方，给人以不祥的预感。它与海面阴暗处的紫色相冲突；这一紫色因伸向远处而愈益显得阴沉。同样的紫色，重复出现在孤独者的衣服上。而他的手和头部，则留在了苍白、惨淡的棕灰色中。

画中没有一处不充满动荡感。天空与水流的扭动曲线，与桥的粗壮挺直的斜线形式鲜明对比。整个构图在旋转的动感中，充满粗犷、强烈的节奏。所有形式要素似乎都传达着那一声刺耳尖叫的声音。画家在这里可以说是以视觉的符号来传达听觉的感受，把凄惨的尖叫变成了可见的振动。这种将声波图像化的表现手法，或许可以与凡高的名作《星夜》中力与能量的图像化表现相联系。蒙克在这里，将那由尖叫所产生的极度的内在焦虑，转化为一种令人信服的抽象意象。如此，他将其画面上的情感表现几乎推向了极致。

爱德华．蒙克(Edvard Munch，1863-1944)伟大的挪威画家，现代表现主义绘画的先驱。

爱德华．蒙克(1863-1944)是具有世界声誉的挪威艺术家，西方表现主义绘画艺术的先驱。他的绘画带有强烈的主观性和悲伤压抑的情调。毕加索、马蒂斯就曾吸收他的艺术养料，德国和法国的一些艺术家也从他的作品中得到启发。

人们发现,在绘画艺术中,精神分裂症能唤起没有艺术素养的人的艺术活力,有时还能增加已成名的艺术家的创造力.也许像心理学家们所表明的那样,艺术家确实存在潜在的精神病的倾向,而艺术创作则有助于防止潜在的精神错乱表面化.有位作家曾说过:"有时我奇怪,所有那些不写作、谱曲或画画的人是怎样做到得以逃避发疯、忧郁、惊恐这些人类境遇中总是存在的东西."这种绘画的治疗作用在表现主义绘画之父爱德华．蒙克身上表现得犹为明显.

蒙克于1863年出生在挪威的一个知识分子家庭.父亲是位知识渊博、阅历丰富的军医,母亲也受过良好的艺术教育.在他5岁那年,母亲因患肺结核而去世,姐弟五人由姨母代养,母亲去世后,父亲难过得好几天没有走出家门,他抑郁的神经强烈地感染了失去母亲的蒙克,这是他一生中首次感受到死亡的恐怖.蒙克13岁那年,年长两岁的姐姐也因肺病去世.

蒙克与姐姐关系十分相好,感情极深,她的死再次刺激了蒙克的神经.接下来他的妹妹也患了精神分裂症.这一系列的打击所引发的伤痛,深深地印在了蒙克的内心里,决定了蒙克的性格和他前半生创作的基调.从他的《病孩》、《母亲之死》和《在灵床旁》等作品中我们能很清楚地看到这一点.特别在1889年父亲去世后,他的精神更是无法寄托,性格变得忧郁而孤僻.孤独、绝望、死亡等感觉深深地困扰着年轻的蒙克,到了非表达不可的程度.他要呐喊,他要画出活生生的人们,以及他们的呼吸、感觉和受苦受难.在这一时期,他画出了他最重要的作品《呐喊》.画面表现的是一个形似成形婴儿的小人张着口从桥上跑来,远景是海湾和落日景象.天空像滚动着的血红色波浪,令人感到震颤和恐怖,仿佛整个自然都在流血.蒙克后来在谈及此画时说:"我和两个朋友一起走着,夕阳西沉,天空变得像血一样红,我忽然无精打采,极度疲倦地止住脚步,黝黑色的海峡和道路显示着血与火一样的光舌.朋友走着,我却一个人停在那里因不安而颤抖着,我感到了自然强烈的呐喊."

蒙克的《呐喊》和他所有的作品一样,都是通过自身体验才画出的,他不是为了艺术而艺术,他所表达的只是有关他自己的忧郁和不安.这就是他的创作的原动力所在.蒙克正是通过创作才打开了自己幽闭着的情感通道,在不自觉中泄露了自己无意识的情感,使内心产生的巨大精神能量得以渲泄.正如弗洛依德相信梦能使紧张在某种程度上缓解一样,通过艺术来表达情感可以使他自己达到一种较为平和的状态.倘若不是通过大量的创作来表达自己,那他也许早就像其妹妹一样过早地精神崩溃了.

不幸的是,蒙克还是在1908年精神分裂了.在精神分裂中,他的精神得到了最彻底的解脱.从丹麦的哥本哈根接受治疗回到挪威后,他仍能以很高的热情坚持创作,他为奥斯陆大学讲演厅创作热力四射的巨大壁画《太阳》,也画了一些诸如《扫雪回家》和《工人回家》等纯朴自然的画作,但他作品所表达的东西与发病前彻底不同了,作品变得明亮、宁静而富哲理.这就是美术史学家们所称的"第二时期".从这一时期的作品中我们只能得出一个结论,那就是蒙克内心的痛苦和冲突已经被释放得无影无踪了。

为什么画人体艺术的作品价值远高于拍摄人体艺术照的照片价值？

绘画作品是人们运用绘画工具和绘画语言来表达对客观对象的情感，而摄影艺术则是人们运用摄影工具和语言完成对客观物象的再现。这使两种艺术具备共同的特征，即都能够成为审美对象，并在此基础上供人欣赏和玩味以得到使人们的精神逾越、审美享受和心灵慰藉，从这方面来讲，人体绘画作品和摄影艺术照片并无孰高孰低之说。

那么，为什么人体绘画作品的价值为何远高于摄影艺术照片的价值呢？这就要从绘画和摄影这两个艺术门类的比较中来获得答案了。

其一，绘画较之摄影艺术，具有自己独特的艺术语言这就是意念，即主观感情，是艺术家在其作品中所表达的想法，具体指一种思想、观念，或是某种感情、趣味和情调。画家正是将在现实艺术实践中受到某种启迪，运用绘画的表现形式，通过绘画作品表达自己的主观思想感情。这是摄影艺术无法与之相媲美的。

其二，摄影只是对生活中的具体物象的描摹、再现（这是摄影艺术的基本特征）。而绘画作品则是艺术家在对现实物象观察、对物象理解之后，在大脑中产生主观意念，再运用绘画工具和绘画语言将这种意念具体表现出来，是艺术家在主观意念的作用下对现实物象的主观描摹、再现。

其三，绘画作品中运用线条、形体、块面、空间、色彩、透视、肌理等因素描绘出的现实物象，肯定是不同于摄影艺术所描摹、再现的物象。

其四，工具和材料是创造艺术形式并表达意象的物质手段。例如在油画中，即笔、刀、颜料、画布、画框等。这是摄影艺术无法企及的。

其五。摄影作品只是单纯的瞬间性记录，而绘画作品可以跨时空多空间记录，可以将现实生活中不可能再现的场景表现在油画作品中，表达到画面当中。

通过以上可以理解，绘画具有自己独特的艺术语言，这种独特的艺术语言是摄影艺术无论如何也无法达到的。所以说，绘画人体艺术作品的价值高于摄影人体艺术的价值也是必然的。

共同的视角，相通的视界，我是魔韵，欢迎同道互动交流。

将西方油画打马赛克发布？

时至今日，人们对油画艺术的喜欢或是爱慕，已经无法用三两句话就可以说清楚了，其实，油画还是那个油画，有写实与抽象，有风景与人体，或许是因为人们的物质生活水平提高，有更多的时间精力去追求享受艺术，那么，将西方油画打马赛克发布，是种什么样的行为？

真正的油画艺术作品是没有马赛克的，不过，有画风类似于马赛克的油画艺术作品，比如，西方维也纳分离派画家克林姆特笔下的油画《吻》，画中人物只露出一个头，其他部位均用色彩斑斓的金黄色调，看起来，就像是打了马赛克技术，当然了，这不是真正的马赛克，

我们言归正传，将西方油画打马赛克发布，这是一种亵渎艺术的行为，也就是轻视、不尊重艺术和艺术家的行为，这就好比，在别人脸上抹黑的意思，好好的一幅油画，无论是否裸露，只要打了马赛克，就影响了画作的整体画面感，毕竟，马赛克又不是画家的亲笔落款，

当然了，我们要看，被打马赛克的油画作品在哪里发布，因发布环境而定其行为性质，如果是在网络上发布，这就说不上是否是亵渎艺术了，本身对于网络平台来说，赤裸裸的人体油画就是色情画，将色情画打马赛克，遮掩人物赤裸隐私部位，这是某些网络平台的规则，

如果是将打马赛克的人体油画发布在博物馆、画展中，那就是在亵渎艺术了，这是故意引起观者的好奇，或者说是变相“宣传炒作”作品；将一幅完整的画，打了马赛克，其画作的主题“兴趣中心”也就发生改变了，人们会将注意力集中在打了“马赛克”的地方，作品也就缺失了欣赏的意义价值了。总而言之，人们对艺术容不得任何一点瑕疵。

什么挂画最漂亮？

清新舒适的植物，是多数人喜爱的设计，可以让空间显得精致舒适又惬意。在简约、北欧风格的空间里，选择植物图案的挂画来搭配，精致优雅有格调。

02、动物图案挂画

动物图案的挂画有多种选择，小鸟、小狗、猫咪可以让空间变得更加活泼可爱。

而骏马、大象、狮子等动物挂画则体现主人冷静成熟的气质，彰显不凡的品味。

03、自然景色挂画

自然风景的装饰画也很受欢迎，山川、河流、大海，气势磅礴，营造出舒适而又端庄的空间感。山水画贴近自然，是都市生活中最向往的岁月静好，是心灵上的诗和远方。

04、建筑风情挂画

建筑风格的装饰画，在美式、古典等风格里面比较常见。家具与挂画的相呼应，让空间显得更和谐。这种风格比较受年轻人的喜爱，彰显个性，美得与众不同。

05、几何图案挂画

几何图案、线条、地图等元素，用在装饰画上，与户型空间的呼应，让空间立体感更加强烈。现代风格、极简风格、北欧风都可以选择几何挂画，打造不一样的空间感。

06、黑白格调挂画

无论是图案或是字母数字的画面，通过黑白格调的搭配，都可以显得很高级。黑白调的挂画，搭配黑白色为主的家居设计，保持空间的一致性，时尚新颖。

07、抽象艺术挂画

抽象图案也是一种比较百搭的元素，艺术感十足，神秘优雅的感觉。通过朦朦胧胧的画面，若隐若现的视觉感，可以提升空间档次。

你喜欢什么风格的油画？

大家好[耶]，非常高兴来讨论和回答这个问题，个人非常喜欢抽象主义旅法画家朱德群和赵无极，两位大师的画。是最早将中西艺术融前辈。

朱德群，那是早期中国艺术学习西方艺术的先贤，在艺术探索的道路上，选择东西方融合的方式。

他将中国绘画的（水墨晕染画感），和西方色彩光影效果融入画风，灵动飘逸，犹如中西方音乐狂想曲。使观者 沉思在意境之中。

形成独特风格，为世界艺术融入中国元素，为中国抽象主义画家指引方向，其影响远大，对现有画家有指导借鉴之作用。

赵无极，早年师从林风眠深刻学习了中国绘画理念。后去西方法国艺术之都晋升，受西方抽象主义绘画影响，他把西方的绘画艺术理论， 结合中国绘画中的润染泼墨技法，使其画面富有张力大感，以无形的画面体现有型的气魄，带有自然美感，其层次丰富，似有非有之感，传达出无限的想象空间。

使其作品风格独特，具有代表性，为中国元素融入世界艺术，做出贡献。

我的回答完毕，谢谢浏览[呲牙]