外国工艺美术时期代表作品，从不同的角度划分？
答：
艺术分类法主要有以下六种：
第一种：以艺术形象的存在方式为依据，将艺术区分为时间艺术（音乐、文学）、空间艺术（雕塑、绘画）和时空艺术（戏剧、影视）。
第二种：以艺术形象的审美方式为依据，将艺术区分为听觉艺术（如音乐）、视觉艺术（如绘画）和视听艺术（如戏剧）。
第三种：以艺术作品的内容特征为依据，将艺术区分为表现艺术（音乐、舞蹈、建筑、抒情诗等）和再现艺术（绘画、雕塑、戏剧、小说等）。
第四种：以艺术作品的物化形式为依据，将艺术区分为动态艺术（音乐、舞蹈、戏剧、影视等）和静态艺术（绘画、雕塑、建筑、实用工艺等）。
第五种：在欧美等国家新兴的分类法，把艺术分为：视觉艺术，包括绘画、雕塑、摄影艺术、建筑、工艺，以及现代艺术设计、广告艺术、电影艺术、计算机三维动画等；表演艺术，包括音乐、舞蹈、戏剧，以及在发达国家近年来广受欢迎的音乐剧等。这种分类方法的优点是适应现代艺术的发展趋势，及时容纳了最新出现并广受欢迎时新兴艺术门类或样式。但是，这种分类方法毕竟刚刚出现，尚未经过时间的检验，尤其是在目前尚未得到世界各国艺术界、学术界、教育界的普遍认可。?
第六种：从艺术分类的美学原则来看，可以将整个艺术区分为五大类别，即： 实用艺术(建筑、园林、工艺美术与现代设计)、造型艺术(绘画、雕塑、摄影、书法)、表情艺术(音乐、舞蹈)、综合艺术(戏剧、戏曲、电影艺术、电视艺术)和语言艺术(诗歌、散文、小说)等。
你见过最丑的艺术品是什么？
丑的艺术品？
首先要尝试去定义什么是丑的艺术品，很多专业人士此时会跳出来指则你世俗意义上的审美标准对于一定年代以后的艺术品就不再产生作用了，也就是说，很多现当代艺术品完全跳出了“大众审美”的范畴，他们习惯用精致的语言和智力游戏来伪装“看上去简单”的艺术品。
但今天这里并不是为了上一堂艺术史课，也不是为了说明什么是“美”，什么是“审美”，在今天个人的主观式审美感受到底重要不重要，那么，到底有没有通俗意义的丑的艺术品呢？
当然有，还有很多。
意大利作家艾柯就有一本书叫做《丑的历史》，里面收录了丑得千奇百怪的艺术作品，看来，记录“丑”，本身就是艺术部分工作之一。
众所周知，西方绘画到了现代艺术的阶段，就跳出了写实和追求“美”的范畴，开始出现了对各种形式的尝试，而这一阶段的绘画作品，更是让大众们开始觉得触目惊心。
几个例子：
德库宁：
cy twombly:
Antoni Tapies:
以上只是举了三个艺术家的例子，相信大多数人看到这样的艺术作品时，首先从审美感受上是会排斥的——因为确实看起来很“丑”！
但是，这在艺术史上早已经见怪不怪了，我们再来看看比较早期的“丑”画：
这是保罗·塞尚1890年代的一张画，这张画，以传统写实的角度去观察，画得并不能算好，那为什么塞尚却偏偏成为了对于现代艺术发展而言极为重要的艺术家之一呢？
不妨换个角度去理解，与此之前的画家们几个世纪以来一直都在追求写实主义的理性光芒，如何画得像如何画得“好看”是重要的议题，但随着时代的发展（此期间又诞生了对写实绘画影响巨大的摄影技术），如何画得好看，早已经不再是艺术家们所追求的目的。
我们来假设每个时代的世俗审美都有一定的标准，有一条线，高于这条线的叫做好看，而在这条线之下的，我们就称之为丑。很长一段时间以来，艺术家们都致力于怎样做到这条线的最上方，但久而久之，随着一系列艺术史上重要事件的发生，艺术家们渐渐不再在乎这条线，甚至有些艺术家，刻意想在这条线之下游走。
也就是说，如何画得丑，丑出自己的风格，也成了部分艺术家的目标。
很多人第一次在网络上看到Antoni Tapies，Cy Towmbly等人的作品时，首先会惊呼：这也能叫艺术品？我也能画！但事实上，忽略了画作的材料和真实尺寸以及制作时使用的技术，除了艺术家本人以外，任何其他人都很难再创作出跟艺术家相似的图像。
如果想要研究的，现当代艺术史上还有很多致力于画得丑的艺术家，比方说，马丁·基彭伯格：
又比方说中国艺术家廖国核：
（廖国核的例子可能不是那么恰当，感兴趣的同学自己搜索吧，也可以了解些bad painting）
又有人会惊呼，这也能使艺术作品？是的，它们还被郑重其事地挂在了美术馆。关于什么是bad painting，又能做一篇专业的研究，但是这里还是想要告诉大家：既然艺术品能是好看的，精致的，那为什么不能是粗糙的，看上去不那么好看的？
对于大部分大众看不上的“丑”的艺术品，你都没法做的跟艺术家一样。可能很少有大众意识到，如何让自己的作品画得丑，又丑得和谐，又能丑得有可持续发展性，其实是很难的。
这年头，你连画得丑，都可能丑不过艺术家。
你还知道哪些艺术形式？
形式是指事物和现象的内容要素的组织构造和外在形式。
艺术形式与艺术内容并举，指的是艺术作品内部的组织构造和外在的表现形态以及种种艺术手段的总和。一是内形式，即内容的内部结构和联系； 二是外形式，即由艺术形象所借以传达的物质手段所构成的外在形态。在任何艺术作品中，内形式与外形式是结合在一起的，只有通过一定的艺术形式，艺术作品的内容才能够得到表现。艺术形式具有意味性、民族性、时代性、变异性等特点。构成艺术形式的要素有：结构、体裁、艺术语言、表现手法等。由于艺术形式分类的原则和角度不同，大致可以分为： 第一种：以艺术形象存在方式为依据，可以将艺术区分为时间艺术、空间艺术和时空艺术。时间艺术：音乐、文学；空间艺术：建筑、雕塑、绘画；时空艺术：戏剧、影视、舞蹈。第二种：以艺术形象的审美方式为依据，可将艺术分为听觉艺术、视觉艺术、和视听艺术。听觉艺术：音乐；视觉艺术：建筑、雕塑、绘画、书法，盆景，餐饮；视听艺术：戏剧、影视。第三种：以艺术作品的内容特征为依据，可以将艺术分为表现艺术和再现艺术。表现艺术：音乐、舞蹈、建筑、书法；再现艺术：绘画、雕塑、戏剧、电影。第四种：以艺术作品的物化形式为依据，可以将艺术作品分为动态艺术和静态艺术。动态艺术：音乐、舞蹈、戏剧、影视；静态艺术：绘画、书法、雕塑、建筑、工艺美术等。我们常说艺术很美？
美是什么？这是一个十分复杂的问题。
个人认为，我们所认为的美，大致分为这几种基本情况：
1、道德高尚之美：这是人类对善的永恒追求，是人与人之间的脉脉温情，是人对一个更加和谐舒适的社会关系的向往。一切人与人的关系以及各种人为的制度都可以纳入其中。它是一种最符合当下并且倾向于理想的社会运行机制，符合这种机制的，便会令人欣赏，让人觉得美的，反之则让人厌恶，让人觉得丑。
2、情感真挚之美。人类毫无疑问是感情最丰富的生物，感情对于每一个个体，或许是一个比物质世界更真实的存在。一切物质都不能直接带给人生什么，只有当它转化为一种感受时，才能成为我们真实的拥有。人的情感是如此的微妙复杂，如此的色彩斑斓，人类的情感世界无疑包容着巨大的美的可能性。
3、思维深刻之美。小至原子夸克，大至宇宙时空，具体至眼前事物，抽象至情感以及思维本身，人类的思维触角几乎可以深入到天地万事万物之中，我们处处可以看到人类的思维火花在闪耀。如果说情感是一个人存在的意义，那么思维便是一个人的本质表现。思维可深可浅，可宽可窄，思维之美正在于它无限的创造性和穿越表象的深刻性。
4、形式精巧之美。这里指现实物质（声音也是一种物质）带给人的直接感受，包括艺术品的直接感受。如果我们对一个艺术品进行更深入的观照，那我们感受到的可能是创造思维之美，可能是其中蕴含的情感以及伦理道德之美，那么就要另当别论了。人为什么会直接的感受到一些东西是美的，一些东西是丑的呢？或许这需要从原始心理集体无意识等心理学领域进行研究。
这四点从宏观角度对人类美的领域进行简单归纳。伦理之美在于和谐，情感之美在于真切，思维之美在于创造，自然之美在于直接符合人类的心理特征。当然，我们所认为的美，通常并非仅仅是其中的一种，而是多种的融合。尤其当我们在欣赏艺术作品时，可能包含更丰富的感受。比如一幅画，可能第一眼我们便直接觉得它很美，它的色彩，它的形式，给了我们直接美好的感受。而进一步审视，我们可能发觉其中包含着画家某种强烈的感情或者某种深刻的思考，那种感情令我们感同身受，那种思考令我们深以为然，它不仅让我们感受到自然的美妙，也让我们感受到人与人的温暖、人伦关系的珍贵——这些将进一步加深我们的审美感受，让我们对这个作品产生感觉深刻的“美”的体验。当然，有时候这几个方面可能是相辅相成的，也可能是相互矛盾的。一个形式精美的作品，其主题立意我们可能无法接受，一个情感动人的作品，其价值观念可能却令人不耻——那么它的审美感受便要大打折扣，甚至由美转丑了。
总的来说，艺术作品的美，包含着丰富的内容。从直接的感觉，到深沉的感悟，不同的人，可能会有很不同的感受。但艺术作品的美并非无迹可寻，也并非完全因人而异。好的艺术作品，往往是在四个方面都有可圈可点之处，或者某一方面比较突出，其它方面配合较好。
欢迎大家继续探讨。
那些美术学院的学生为何要画真人人体模特？
【不对着真正人体，画不出好的人体画。】真人体模特，和雕塑人体，是两个完全不同的对象。真人体有血有肉，生动有“味道”，而雕塑人体一般达不到这个效果（那些顶级大师雕塑人体作品除外）。
画人体画，为什么要对着真人模特画呢？
这一现象在大多数人看来是惊骇、难以接受的，但其背后隐含着西方艺术2000多年演变中，人体艺术的萌芽、发展和流变。
无论是公元前古希腊时期，那些精妙绝伦的人体雕塑，还是文艺复兴时期大批透视精确、解剖的人体画，
亦或是巴洛克时期华丽烂绚的人体画，洛可可时期迷人娇柔的人体画，
这些震撼观众的人体作品，都离不开艺术家们、对真实人物躯体的仔细观察，和描绘记录。
真实的人体模特，和雕塑人体，从艺术角度来说，有着很大区别，
这里谈谈内在、外在两个方面：
先说内在真实的人体模特，每个人在不同年龄、不同性别、不同生活下，所表现出的精气神，会有很大差别。
比如说同样是女子，年轻的和年老的完全不一样：皮肤质地、气色好坏、精神状态等，典型例子如安格尔的《穿蓝色礼服的女子》和丢勒的《母亲肖像》。
就算同是年轻女子，20岁的少女和30岁的少妇也不同：20岁的少女青春有活力，30岁的少妇更丰满迷人，比如维米尔的《珍珠耳环的少女》和达芬奇的《蒙娜丽莎》。
进一步讲，同是20岁的少女，农村姑娘、小镇女子和城市女郎，她们的眼神表情、坐立姿态和气质感官等，都是有各自差异的。
真实的人体模特千差万别，每个人是独特的，吸引人不断地去描绘。
再说外在女性人体皮肤柔软、曲线窈窕动人，而男性人体较之女性，更为阳刚雄健、肌肉分明。
同样是男性人体，在不同的年龄阶段，会呈现出明显差异：少年人柔韧修长，中年人成熟阳刚，老年人饱受沧桑。
少年人总是精神饱满，朝气勃发；中年人经历世事后，变得沉稳有阅历；
老年人历经岁月打磨，身形佝偻、腰腿大多弯曲。
比如说达芬奇，就很喜欢画长得奇形怪状的人，在他留下的近7200页手稿中，能看到不少人体人物速写，很多都长得奇葩有特色；
再比如说巴洛克代表卡拉瓦乔，他常常把自己年轻貌美的情人画进作品里，卡拉瓦乔的《酒神巴克斯》《音乐家们》等，画中的年轻男子眉目纤长，洋溢着满满的中性迷人魅力。
真实的人体模特，和雕塑人体，无论是从“人”的精神气质这类内在，还是体型胖瘦这类外在，在艺术家看来，是完全两个不同维度的对象。
真人模特，虽然都是一个鼻子两只眼睛，但每个人都是不同的：真人会哭会笑表情丰富，体型胖瘦高矮差异也大，再加上各自不同的生活经历，每个模特都是独一无二的绘画对象。
而雕塑人体，美则美矣，却没有真实人体这种灵动活现的精气神，这反映在画者眼中、和画作品上会呈现出非常不同视觉感受。
要画出一幅富有生机、打动人的人体画作品，少不了画者对真实的人体模特，细致入微的观察，探究和思考，
甚至画者和被画对象之间的眼神、情感交流，也会影响这幅人体作品最后出来的效果。这个维度上来说，雕塑人体是远远比不上的。
人体画对着真人画，不是一味的猎奇、满足私欲，这是在有了扎实基础后，探索广阔人体艺术、必不可少的研习步骤。
在练习初期，用人体雕像无可厚非，但真到了创作人体作品阶段，对真人模特进行仔细观察、思考和研究，是创作的必经之路。
朋友们，人体画为什么要对着真人画，你是怎么看的？
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工艺美术运动的历史场景及地位分析？
在工业革命的冲击下，机械化逐渐代替了手工业的制造，导致英国进入了完全的工业商品时代，但是工业设计出来的产品外形粗糙简陋，没有美感，使民众对其有排斥倾向，产品不美又毫无实用价值，不可能为大众真正地服务。同时也反感维多利亚风格只为名人和贵族服务，产品装饰矫揉造作，华而不实，繁琐奢华，与技术相违背。因此在这种不满情绪积怨已久的情况下，“工艺美术”运动就随之爆发了。
“工艺美术”运动是19世纪下半叶，起源于英国的一场设计改良运动，又称作艺术与手工艺运动。