纯粹美的音乐代表作品

纯粹美的音乐代表作品，黄家驹的真正音乐理念是什么？

永远的BEYOND 一、对大众的影响 一代人的精神鼓舞，一代人的青春写照 顾城先生有一首诗是这样写的：黑夜给了我黑色的眼睛，我却用它寻找光明。 不知为什么，在提笔准备写家驹和BEYOND时，突然间想起了这样一首诗，诗的名字叫做“一代人”。 不知从什么时候起有了七十年代这个概念？那么在流行乐坛，七十年代的精神偶像是谁？罗大佑和崔健吗？不可否认他们的影响之巨大深远，但是他们影响更多的停留在上世纪60年代末到70年代中期出生的那一拨人。而影响真正贯穿整个七十年代生人的却是黄家驹以及他领导的BEYOND，他的歌声和大佑和崔健一样记录了我们真实而生动的青春。 也许是偶然，可能是必然，在BEYOND乐队最为活跃的1983年——1993年，刚好是1970——1979年出生的人们成长的关键时期。BEYOND以一种非同寻常的音乐精神征服了这一代人的心灵。他们的音乐以摇滚为基调，以旋律化的歌曲直抒胸臆。他们的歌词题材广泛，但是全部都是积极向上的，即使是情歌，也有一种大气磅礴的力量。 那个年代，流行音乐是纯粹的，没有宣传费，没有打榜黑幕，音乐在一张张唱片和一家家电台之间流传，在一个一个歌迷之间流传，对个体的影响逐一相加扩散成一个群体，蔓延到整个有华人的地方，蔓延了整个时代。 那时候我们的青春就像家驹的歌，激越而又内敛，自信而又悲壮。太多人的生命轨迹因为听到家驹的歌而产生变化，我们无从计数。 他们改变了大众对流行乐的看法 20年前，一个崭新的摇滚乐队，出现在一张叫做《香港》的唱片里，它的名字叫做BEYOND，乐队的名字面解释了他存在的意义——超越。 20年来，他们超越的东西已经太多。简而言之，他们超越了时间，影响了潮流。 当BEYOND的声音冲击我们的耳膜之前，我们都认为摇滚乐只是一小部分人的专利，而且在大众的心目中，摇滚乐必然是吵闹的另类的和不好听的，但是他们改变了这一点，他们用好听的易于流传的旋律，传达了同样人文的，大气的，有深度的内容。从另外一个方面，他们的浮出水面，为香港的乐坛注入了思想，为流行音乐注入了人文精神。从而改变了大众对流行音乐的看法，在此之前的流行音乐是靡靡之音，是市井的小曲。BEYOND让人们意识到流行音乐也可以抒怀咏志，也可以为国为民。 二、对流行乐坛的影响 一种原创精神 在香港流行音乐史上，第一波乐队浪潮有70年代的“温拿” 、“泰迪罗宾与花花公子”、“莲花”等乐团，他们以翻唱欧美歌曲为主，创作比重很低。而且当时香港乐坛的环境也注定了这次浪潮短促而影响甚微。最重要的是1987年前后兴起的第二波乐队浪潮，涌现了达明、RAIDAS、太极、小岛、BLUEJEANS等优秀乐团，而BEYOND也从此走上地上，成为这次浪潮中的代表乐队之一，也是影响最为深远的一个。家驹这样评价这次浪潮，这不是复苏，而是一场音乐革命。 第二波乐队浪潮里的乐队都是创作性的，这一现象与当时香港乐坛大翻欧美日本流行曲的现状形成了强烈的反差。这些乐队的出现慢慢扭转了这种局面，令香港的流行乐坛进入一个原创音乐的时代，大量优秀的本地音乐人开始涌现，香港流行音乐的特色开始形成，并且开始以这种特色影响着内地流行音乐，而最早来北京开演唱会的BEYOND无疑是其中最关键的力量。 很多后来的乐队都直接或间接的受到过BEYOND的影响，且不说有多少人因为家驹才开始写歌开始走上音乐这条路，举一个最简单的例子，90年代之后，几乎每个乐队的创建之初，几乎每一个初学吉他的人，第一首练习曲都是《真的爱你》。另外，作为第一支从地下到地上的乐团，他们的发展方向给众多后起的乐团指了一条康庄大道。但是，也有一些乐队，只是拙劣的模仿其商业的形式，但是在音乐理念上和歌词深度上，远远无法超越BEYOND，如果把这些乐队的泛滥归咎于BEYOND的话，那么这可能是BEYOND造成的唯一负面影响。 一种商业理念 尽管是一支以摇滚形式出现的乐队，也曾经玩过很重的金属。但是BEYOND乐队真正的影响，却属于流行乐的范畴，它将band的形式与悦耳旋律有机的集合在一起，使得在传唱的同时不失却摇滚的精神。在潜移默化中用音乐影响着大众，他们把摇滚乐从地下带到地上，把摇滚乐的影响从小圈子扩大到大众。 严格来讲，BEYOND歌曲的流行度并不比张学友和谭咏麟差，因为他们的音乐中有着更多的发人深思的东西。这种东西通过一种易于大众接受的方式传达出来，其效果是惊人的。如果不被大众接受，那么再好的形式和内容都是空谈，这种观念与当年白居易把写好的诗念给老妪听，在道理上是相通的。 他们的音乐具有很大的包容性，这种包容是真的，在他们的唱片里，音乐名词不像现在的当红艺人们只是说在唱片文案里说说而已。他们的音乐是实实在在的音乐，即使有音乐观念过于先锋的人会因为他们在旋律上太过保守而拒绝他们，但是音乐就是实实在在的音乐。这一点没有人可以改变，BEYOND不是一只先锋乐团，我们无权要求他这样那样。如果他们这样那样，他们就不是BEYOND，他们就不可能有如此深远的影响。BEYOND注定不是一小撮人的BEYOND，它的出现就是要影响大众的。 他们代表的已经不仅仅是摇滚乐，因为他们影响了整个华语流行乐坛。这种意义，也绝非商业两个字可以概括。 一个乐坛神话 夸张而浮躁的香港乐坛对歌手的封号动辄歌神、天王、天后，但是，他们却忽略了真正创造这个神话的人。 BEYOND是最卖座的华语乐队，是影响最为深远的华语乐队，他们虽然隶属于香港乐坛，却是比香港乐坛更为伟大的神话。 乐队灵魂人物黄家驹的离世，令这场神话匆匆告终，但是它的影响却越发不可逆转的蔓延开来，因为家驹的死，更多的人开始注意到他的歌并且开始从头认识这支乐队。更多年轻的人开始被BEYOND的音乐所征服。音乐不死，它将永远流传下去，影响一代又一代人。 家驹离开之后，他们的成员延续家驹的理想“继续革命”。黄贯中成为香港音乐界的中流砥柱，叶世荣仍然是首屈一指的鼓手，家强从事幕后工作多年，去年也出版了其个人专辑，而只是曾经短暂加入BEYOND的“丸仔”(刘志远)，现在已经成为香港乐坛不可或缺的幕后高手。一个神话虽然已经结束，但是曾经作为神话缔造者的他们是这个神话留给我们的另一种影响。他们将继续发杨BEYOND精神，创造另一个神话。 海阔天空，浪迹青春梦。 白驹过隙何匆匆？长啸离情难控！ 一段光辉岁月，超越颠峰世界。

关于光的歌词有哪些？

关于“光”的歌：

光洒进道旁林缝间，在操场映着黑白琴键。

少年穿过跑道，奏一个干净纯粹的世界，倒计时仍不停改变。

自习室载满追光少年，谁以晨风作笔，不经意间落下无数诗篇。

教室窗外有晚霞陪你流转经年，见你也曾迷失在群星间，眼中赤诚却从未陨灭。

这个盛夏被橘灯映得短暂又漫长，后黑板上贴满对未来的憧憬幻想。

在这懵懂年纪总要历经众多风浪，穿过人潮寻找自己的星轨方向。

趁你我都还是年少无谓前行模样，永不停休去追随心中的那份天光。

至此漫天星河也为你将长夜点亮，满怀希望义无反顾地飞向远方。

早读声融进了云烟，造梦者忙于悄寂的夜，各自破荆向前，仿若世界尽头冰层破裂。

新的列车缓缓靠边，下一站谁也不知终点。

仍然用尽全力，奔赴那从未见过的光影。

亦或这是 一场临近尾声的别离，那便将这眷恋藏在指隙

尽数化作提笔时暖意，待你入座整个世界为你停止喧嚷，无需紧张那应是你最耀眼的时光。

愿你笔如利刃破开对未来的迷惘，凯旋之时亦无愧那千万份月光。

趁你我都还是年少无谓前行模样，永不停休去追随心中的那份天光。

至此漫天星河也为你将长夜点亮，满怀希望义无反顾地飞向远方。

步入人海后，再追溯这份温柔的过往。

那里有落满纸张的长廊，有碎金一地的朝阳，而自己正在这夏季悄然成长！

——追光少年（叁七）

中国古典音乐有哪些？

【作品选介】咏叹调《我去了尤丽狄茜》

谱例5.1.1

《我去了尤丽狄茜》

这首咏叹调选自格鲁克的歌剧《奥菲欧与尤丽狄茜》的第三幕。剧中第三幕，奥菲欧带领妻子走出阴间，催促她快走。但尤丽狄茜却对奥菲欧始终不看自己感到十分不安。奥菲欧最后不能忍受妻子的责备，回头看妻子。这个行为违背了与天神的诺言，尤丽狄茜随即死去。奥菲欧唱起了“我失去了尤丽狄茜”。这首作品被认为是18世纪著名的咏叹调之一。

咏叹调主题为C大调，风格质朴而节制，节奏整齐，旋律大多在分解和弦上进行，没有使用装饰性的花腔，歌曲以一个短小的尾奏结束。作品传达出奥菲欧失去尤丽狄茜的悲痛之情。

三、前古典时期器乐的发展

在前古典时期，普通市民也逐渐成为了器乐音乐的主要参与者。器乐演奏的场所更为广泛，除去以前就有的教堂和宫廷，市民家庭和公众音乐会也成为主要演奏场所。到18世纪末，现代钢琴逐渐取代古钢琴。新型的主调音乐风格突出显现在奏鸣曲、协奏曲、交响曲等器乐体裁中。

奏鸣曲这种器乐体裁，经过巴洛克时期的发展，到了前古典时期已经逐渐走向成熟。这时的奏鸣曲多为键盘乐器所作，独奏奏鸣曲居多，代表作曲家有C.P.E.巴赫、D.斯卡拉蒂和D.阿尔贝蒂等。

图5.1.2 普鲁士腓特烈大帝演奏长笛，一个小乐队为其伴奏，C.P.E.巴赫弹奏羽管键琴

图5.1.3 C.P.E.巴赫

C.P.E.巴赫（Carl Philipp Emanuel Bach，1714年1788年）是J.S.巴赫的儿子，史称“柏林巴赫”，是北德乐派（也称柏林乐派）和前古典时期“情感风格”的代表。他创作了近300首键盘奏鸣曲，多为三个乐章，以快—慢—快速度排列，乐章间的调性对比和形象对比处理日趋成熟，并发展了奏鸣曲的戏剧性因素。在作品的慢乐章中，他力图表现内在伤感等情绪，激发人的情感体验。代表作有《普鲁士奏鸣曲》、《沃尔滕堡奏鸣曲》和《为内行与爱好者所写的奏鸣曲集》等。他的理论著作《试论键盘乐器的正确演奏法》，建立了一套完整的钢琴演奏理论体系，对于钢琴演奏中的装饰音、速度处理、歌唱性弹奏及情感表达等方面作了精辟论述。

交响曲最直接的来源是意大利歌剧序曲，这种快—慢—快的结构后来脱离歌剧，作为在音乐会上单独演奏的器乐形式出现。18世纪前交响曲常用来指简短的器乐曲，也指在声乐作品中乐队出现的单乐章器乐合奏曲。18世纪早期，意大利米兰作曲家萨马尔蒂尼（Giovanni Battista Sammartini，1698年1775年）将三个段落扩展成三个乐章，形成最初的古典主义时期交响曲。古典交响曲的最终模式是在海顿作品中完成的。因此，今天的交响曲是指古典主义时期从海顿到贝多芬形成的，由完备的管弦乐队演奏的大型奏鸣套曲形式，特指富于交响性的大型管弦乐作品。

德奥地区在前古典时期有三个重要的交响曲发展中心，分别是曼海姆、柏林和维也纳，围绕着这三个地区形成曼海姆乐派、柏林乐派和维也纳乐派。其中在18世纪中叶德国曼海姆地区（现属捷克），波西米亚选帝候宫廷建立了极负盛名的乐队。由作曲家约翰·斯塔米兹（Johann Stamitz，1717年1799年）领导，以完备的管弦乐队编制和出色的演奏享誉欧洲，其周围聚集了欧洲各地的作曲家和演奏家，史称为“曼海姆乐派”。斯塔米兹奠定了古典交响乐四个乐章的结构布局，用小步舞曲作为第三乐章，增加了更快的第四乐章。交响曲的第一乐章采用奏鸣曲式，引入如歌的对比性副部主题，体现对比统一的原则。

曼海姆乐派的演奏加强器乐的表现力，以渐强和渐弱取代巴洛克作品“阶梯式力度”的传统，可奏出各种层次的力度表情，尤以大幅度渐强及突发的强音而著称，使之具有激动人心的效果。这些作品轻捷明快，主调音乐风格已完全确立，高声部线条十分突出；通奏低音已被替代为明确地谱写乐队各个声部。

在德国北方，以柏林为中心，形成了另一个著名的乐派———柏林乐派。代表人物是C.P.E.巴赫。C.P.E.巴赫的交响曲仍用意大利序曲快—慢—快三个乐章结构，强调情感的戏剧性表达，力图用音乐表现更为深刻、强烈的感情，预示了19世纪浪漫主义所追求的强烈情感特征，主题具备动机性质。

维也纳早期交响乐作曲家的代表有蒙恩（Georg Matthias Monn，1717年-1750年）、瓦根塞尔（Georg Christoph Wagenseil，1715年1750年），他们在创作奏鸣曲式乐章时也喜爱使用相互对比的主题，作品充满愉快、典雅、幽默和轻松的气氛。

对张杰歌曲最美的太阳的赏析？

从昔日的《Angel》到《天天想你》，从《我愿意》到《大海》，张杰那干净嘹亮的声音，对不同的歌曲演绎起来都独具个人魅力。出道三年，从曾经王者加冕的舞台到经历快乐男声征程的考验，一次次挑战自己的张杰，在不断的挫折和风雨中越战越勇，那个昔日青涩的小男孩已经渐具成熟男人的担当和胸怀。 张杰的成长和蜕变，让人们对其全新EP的浮出水面寄予了不小的期望。其实每个人的心中都有一份梦想，但在显示的打磨下，很多人的梦都被渐渐地磨平了棱角，收起了尖锐的光芒。张杰全新EP中的同名主打歌《最美的太阳》就是给了我们一个回味、坚持梦想的出口。只要勇敢坚守自己的梦想，不管过程有多艰辛，希望一定会在前方。 《最美的太阳》延续了张杰舞台王者的大气风格，是一首气势磅礴的励志歌曲。在张杰的歌声中，你能听到：坚持梦想或许真的不是一件那么容易的事情，可是总有这样的人存在并告诉我们，抱着梦想往前飞，你就能遇见最美的太阳！ “你的笑，你的泪，是我逐梦路上最美的太阳”。 和那首著名的意大利民歌《我的太阳》一样的恢宏大气，虽然中西方的风格和表达的情感截然不同。 当我们在泡沫化的数字音乐里迷失的时候，似乎忘记了现在的流行音乐市场缺失什么？ 当我们在别人的歌声里自艾自怜的时候，也似乎忘记了最震撼心灵的歌声是什么？ 不是煽情，也不是疗伤，而是催人自发自省的力量。 《最美的太阳》，不愤青，不小资，不矫揉造作，不无病呻吟。 它是新一代人集体的代言曲，是时代精神的意气勃发。 张杰的歌声，一如既往，携着一种穿透人心的纯粹与张力 直冲破阴霾而迷茫的云朵，而映照出一望晴川。阳光之下，无比美好。 听过《最美的太阳》你就会知道，这决不是一首滥市的口水歌。 因为它源自他的心底，是他最诚挚的表达。 它不是情歌，却比情歌心潮澎湃。 是一个热爱音乐的人对人生对梦想的感恩与释放。 也是他在情歌泛滥时代最无畏最自我的坚持。 有时候听一首歌也可以窥见流年的痕迹。 在血液里奔涌，在微笑里释然。 有时候听一首歌也可以丈量的心灵的宽广与博大。 潮湿了爱的目光，拭亮彼此的信仰。 最美的太阳是什么？ 是黑暗尽头的明曦曙光？是旭日初升的云蒸霞蔚？ 是骄阳似火的明媚热烈？还是日暮喷薄的盛大瑰丽？ 如果你想知道4分钟里能听到什么？ 请记得在2007年的这个冷冬，去听一听张杰的《最美的太阳》。

电子音乐纯音乐区别？

一、使用乐器不同

电音使用电子机械技术与使用电子技术制作的声音来区别。使用电子机械制造声音的设备有电传簧风琴、汉门式电风琴与电吉他；而纯粹的电子声音制造设备则有特雷门、声音合成器与电脑。

纯音乐是用自然乐器演奏的，包括一般听众熟悉的常规乐器，如钢琴、小提琴、吉他等等。

二、表达含义不同

电子音乐一度几乎完全与西方，特别是欧洲的艺术音乐连结，但自从1960年代晚期以后，因为摩尔定律造就了可负担得起的音乐科技，意味着使用电子方式制作音乐变的越来越在各国不同区域流行的领域普及与发扬起来。

纯音乐就是作曲初衷就不包含填词的音乐。作为纯音乐，这种音乐模式完全以纯粹优美的音乐来叙述表达作者的情感，所以一般简称做纯音乐。虽然它没有歌词，但是它完全以自己优美的曲调实现了完美。

纯音乐和轻音乐有什么区别？

纯音乐与轻音乐的区别？何为纯音乐？

纯音乐就是作曲初衷就不包含填词的音乐。作为纯音乐，这种音乐模式完全以纯粹优美的音乐来叙述表达作者的情感，所以一般简称做纯音乐。

虽然它没有歌词，但是它完全以自己优美的曲调实现了完美。正因为如此，纯音乐的作曲要求十分的高，要作出一曲优秀的纯音乐除了必须的大量灵感来支持作曲外，还需要作者不单在乐理上，更是在生活体验，人格和精神上有很深的水准造诣。因为作为欣赏纯音乐也是在用你的精神与心灵触摸作者的精神和心灵，从一首纯音乐，你可以看见作者的思想，情感，胸襟，人格，甚至他的灵魂。而一首优美的纯音乐可以有效的调节你的心情，陶冶你的情操，甚至让你能有所感悟，从而拓展你的胸襟，完善你的人格只要愿意你敞开你的心扉，用你的灵魂去倾听。所以一首真正优美的纯音乐也是值得雪藏，百听不厌的极品。

纯音乐在风格上也是很多变的，从轻音乐到重金属，所有音乐风格的舞台上你都可以看见纯音乐的身影。

纯音乐，如果要简单理解的话，可以解释为：纯粹以优美的旋律来表达丰富的艺术情感的音乐！其中“古典音乐”可说是最具代表的纯音乐！

轻音乐，是指那种风格轻松、活泼的音乐，它是能给人以愉悦和抒情感，优美动听、通俗易懂的音乐。所谓“轻”，是指与庄重的严肃音乐对比而言。舞曲、进行曲、小夜曲比奏鸣曲、交响曲要“轻”；轻歌曲、抒情歌曲、诙谐歌曲比大合唱、清唱剧要轻；喜歌剧要比正剧要“轻”。形象地说，它是音乐中的轻武器，和文学里的小品文、笑话、抒情诗等大致相同。轻音乐在当前人们的音乐生活中占有重要的地位。优美、健康的轻音乐不仅可供消遣娱乐，同时也能陶冶情操，提高欣赏者的音乐水平。

轻音乐作品的旋律优美动听、清晰流畅，节奏鲜明轻快，音色丰富多彩，深受人们喜爱。总括起来说，轻音乐的特点是：结构短小，旋律动听、形式不拘一格。乐队组织精炼、配器新颖、节奏鲜明。它能较细腻地表达人的思想感情。

在人民群众中间，轻音乐十分普及，具有广泛的社会意义和精神作用。轻音乐的种类较多，它包括一般的生活歌曲、抒情歌曲、诙谐歌曲、讽刺歌曲，还包括一些轻歌剧、圆舞曲、小型管弦乐序曲、小夜曲，以及部分管弦乐曲小品、电影歌曲、舞蹈音乐、优美钢琴曲等。

1、纯音乐的范围比轻音乐大多了，凡是没有人声的都是纯音乐，不管节奏的快慢和强弱。例如交响乐，电子乐等。

2、轻音乐只是纯音乐的一部分，只是曲风比较柔和，舒缓的才是轻音乐。轻音乐是用通俗的手法进行改编，用小型乐队演奏，来营造温馨浪漫的情调，旋律轻松优美，带有一种休闲性质。轻音乐结构简单，节奏明快，旋律优美动听。它没有深刻的内涵，只想带给人们轻松的享受，因其轻松活泼，所以把它称为轻音乐是非常贴切的。它介于古典和流行之间，是二者鲜明对比的折中，可谓第三种势力。它古典气息和现代风味兼有之，华丽而不俗艳，浪漫而不轻浮，抒情而不缠绵，既通俗易懂，又格调高雅，风度不凡，可谓雅俗共赏。

纯音乐与轻音乐的关系，包含与被包含的关系。