极简设计代表作品赏析报告，好看女表有哪些推荐？
如果要举出让男士都会兴奋莫名的女表，那么梵克雅宝(Van Cleef & Arpels)推出的Lady Arpels Ronde des Papillons腕表便是其中之一。虽然这一复杂功能女装腕表适合的场合比较有限，但我仍然非常欣赏其中蕴藏的艺术、设计以及技术造诣。
在梵克雅宝的作品中，精致的细节、手工打造的表盘以及由复杂功能驱动的运动效果等等都不算罕见，而品牌也力求在每一次创作中都有所超越。「诗意复杂功能」系列旗下的产品无不将传统技艺与感性表达巧妙融合，呈现富有艺术情趣与观赏乐趣的优美时计。换句话说，梵克雅宝的诗意复杂功能系列并非是工具腕表，而是精美的机械艺术作品（并且大部分都是为女性而造)。
回想 2012 年评测梵克雅宝 Poetic Wish 腕表时，我就感觉到这些作品完美表达了诗意复杂功能系列的创作主旨。像 Poetic Wish 以及今天这款 Lady Arpels Ronde des Papillons 都可以说是目前市面上能买到的最复杂的女表，并且其产量也不会太高。
Lady Arpels Ronde des Papillons 的 18K 白金表壳直径为 38 毫米，虽然在我看来这一尺寸不算小巧，但也确实比品牌之前的一些诗意复杂功能腕表要更小。从这一点可以看出梵克雅宝正在努力令这类时计适合更多女士佩戴。此前人们常常对品牌的复杂功能腕表颇有微词：它们的确非常美丽动人，但较大的尺寸也实在不够优雅。
本作采用 Lady Arpels 的单表耳设计，这一举措对提升优雅度起到了一定的积极作用。大家也可以从我的照片中看到 Lady Arpels Ronde des Papillons 的上手效果。其表圈镶满钻石，而表冠还有一颗额外的钻石点缀。
表壳、表盘上的装饰都可谓美不胜收，而表背不仅有雕花图形，更设有蓝宝石水晶视窗，令人得以欣赏到饰有珐琅蝴蝶的上条陀。这一作品看上去既楚楚动人又满富诗意。
在讨论 Lady Arpels Ronde des Papillons 的功能特色之前，我想先提醒大家：本作的表盘以及表盘上的元素都是由工匠们手工完成的。其中包括金质雕像和贝母云朵的细工镌刻、珐琅上色以及组装调试。当今只有少数历史悠久的品牌才能达到梵克雅宝的水准。虽然本作的画面在科学上还值得商榷（比如鸟和蝴蝶是否能在这样的海拔高度进行亲密互动)，但其美妙之处依然动人心弦。
梵克雅宝 Lady Arpels Ronde des Papillons 采用数个逆跳小表盘指示分钟和小时。表盘上的小鸟代表了小时指针，其上另有三个独立逆跳表盘用于指示当前的分钟读数。此举不仅令表盘妙趣横生，更将三个蝴蝶雕像化为分钟指针。而这些由椭圆齿轮驱动的蝴蝶分针也以不同速率运动，令人玩味不已。
本作还提供「按需要运作」的功能。只要用家按下位于表壳 8 时位的按钮，表盘上的鸟雀与蝴蝶就会开始在云间上下翻飞。大家看过上面的视频后会对这一功能有更形象的认知。
这一复杂机械功能源于一款专为梵克雅宝研制的瑞士自动上条机芯，其动力储存为 40 小时。梵克雅宝正在对这一「动态模式」进行专利注册。这一切都是为了让那些幸运的收藏家们能够尽情享受到这一颇具法国风情的「空中芭蕾」。
Lady Arpels Ronde des Papillons 并非限量表款，其属于常年生产的腕表。但本作的产量相对较少，并也带有连续编号。我个人非常乐于看到这类专为女性表迷打造的作品，与劳力士和卡地亚的那些常规表款相比，本作无疑更加浪漫感性而又极具收藏价值。梵克雅宝希望客户直接向其咨询 Lady Arpels Ronde des Papillons 的价格，以便于详细解释相关的问题。因为这类时计的价位通常都在几十万美元的级别。
当代艺术的核心价值是什么？
当代艺术的核心价值就是艺术价值和社会价值。艺术价值是用形象美表现社会生活的审美价值。艺术的价值在于，艺术家的审美情感和艺术风格对人们的思想观念上的教育性。当代艺术不但要有艺术价值，而且还要有政治价值和社会价值。
一、艺术创作应该是不断地发展和繁荣，艺术家以自己的审美情感和艺术风格创作出艺术作品，反映了时代感的新风貌，歌颂党和国家、英雄人物、劳动模范。艺术进行创作，要有艺术价值和社会价值，使艺术作品更好地满足人们对艺术的需要。
二、艺术家创作出的艺术作品，要运用自己的思想情感、艺术风格进行艺术创作，遵循客观事实的原则，真实反映社会生活中各方面的典型画面，表现出爱党、爱祖国、爱人民大众的审美情感，对艺术品的主题思想作出合乎实际、恰如其分的分析和阐释，以推动艺术的繁荣和发展。
三、当代艺术核心价值，要表现党和国家和具有艺术价值的作品，才能深刻地吸引人们的赞美，使艺术作品的艺术价值，极大地满足人们对艺术的审美需要。艺术作品的艺术价值，需要通过社会上的影响力、深受人们的喜欢、才能体现出艺术的核心价值。
你心目中画风最大胆的油画是哪一幅画呢？
马奈作品
在我印象中，“画风”最大胆的油画，马奈的这幅《草地上的午餐》，应当是其中之一。这幅画一经展出，便引起当时西方社会与艺术界的哗然，针对《草地上的午餐》展开的批评与讨论，不绝于耳。
《草地上的午餐》这幅画，给后来印象派画家莫奈、塞尚许多画家，很大的冲击和启发，虽然马奈自己认为不属于印象派，但他却被人们尊称为“印象派之父”。
这里，默默就带大家回到马奈那个时代，从具体的时代背景切入，浅谈《草地上的午餐》这幅画，
分为两方面：
1.马奈另辟蹊径，一改西方裸女画的规则
2.马奈推陈出新，探索全新的绘画技法
马奈《草地上的午餐》
马奈的这幅《草地上的午餐》，是一副风俗画，规格比较大，约有2.7米宽，2米高，这幅画描绘的是，几个人坐在树林的地草坪上，一同野餐的情景：
在画面的左前方，有一个倾倒着的水果篮，篮子里装着各种食物；在画面的中心，有两个身着西装革履的绅士，他们一左一右相对而坐，正在悠闲地聊天。
与他们坐在一起，画面中最引人注目的，是一个全身赤裸的女人，这个女子是当时人们非常熟悉的风尘女子；而在不远处的水池里，还有一个穿着薄纱的女子，正在汲水嬉戏玩闹。
马奈作品
1.马奈另辟蹊径，一改西方裸女画的规则在当时的西方，无论是马奈那个时代或是之前，在绘画作品中出现的裸女，一般分为两类：一类是神话中的女神，比如说女神维纳斯；而另外一类，虽然不是女神却胜似女神，看起来是不食人间烟火的样子，比如安格尔笔下的大宫女，这些女子不仅非常漂亮，而且看上去很纯洁、有超凡脱俗的美感。
而《草地上的午餐》中的这个裸女，是现实生活中的真人，而且她还是个风尘里的女子。马奈这样画，人们认为严重破坏了当时的社会风气，这个赤裸着的风尘女子，却和两个衣冠楚楚的男人坐在一起，给人的感觉很不协调。
这位女子的姿势也很耐人寻味，她的右腿蜷起，手肘靠着膝盖，轻轻托着下巴，转过头来对着人们露出一丝笑容，女子毫不羞怯，反而用一种平静坦然的神情，淡定地轻笑。
这对当时，对当时主流的艺术，简直就是公然的挑衅，引起了社会和艺术界的哗然，针对这幅《草地上的午餐》，展开了剧烈的批评和讨论。
马奈作品
2.马奈推陈出新，探索全新的绘画技法《草地上的午餐》这幅画，马奈从色彩、造型和笔触等几个方面，采用了跟当时艺术界的主流，相违背的、完全不同的处理技法，颠覆了传承悠久的古典学院派绘画风格。
首先说画面尺寸，《草地上的午餐》将近2.7米宽、2米高，尺寸这样大的画幅，在当时都是用来画历史画或者宗教画的，这类神圣、庄严题材。马奈却用来画以裸女为主角的风俗画，这给当时的人们，带来了极大的、观念上的冲击。
接着说技法，从文艺复兴开始到马奈那个时代，画家们总是以自己极高的功力，将画面处理的，让人看不出笔触的痕迹，而人们也乐于欣赏这类“毫无瑕疵”绘画，这也是当时社会的审美主流。
而《草地上的午餐》，无论是画面中前面的树、后面的风景，马奈都是以粗犷、大刀阔斧的笔触来描绘刻画的，马奈留下的笔触、痕迹非常明显，在当时的人们看来，《草地上的午餐》是莫奈技巧不够、没有处理好，不符合当时的流行的审美观。
马奈作品
最后来说光线，之前的艺术家作画，都是在一个有故固定光源的室内进行的，画画时打个光，这样一来，物体的明面和暗面十分明显清晰，这样画出的画，就会显得非常立体。
而《草地上的午餐》中的人物，都是处于室外自然阳光下的。阳光下看到的东西，不会像室内光那样有非常清晰的明暗面，除了自然的太阳光，还有水面的反光、草地的散射光，树叶的遮挡泄漏的很多不规则的光，所以这幅画给人感觉，两边都是光，画中的人物，看起来也就不是特别有立体感。
马奈作品
马奈的《草地上的午餐》一经展出，便遭到了社会上的诸多反对和嘲讽，很多人都评价马奈，说他不懂色彩、画得太潦草随意、简直有伤社会风俗……
但如果我们回到马奈的时代，结合当时的时代背景，便会发现：
马奈对于光线的处理，对于色彩的运用，马奈追求的是更加纯粹的光影效果，他颠覆传统的绘画技法，对于裸体和人性，有着自己独特的思考，和坦荡直白的表达，这为人们开启了、一个全新的艺术观察的角度。
马奈的绘画理念，极大启发了印象派的莫奈、塞尚等，以及这之后的立体主义的毕加索，还有其它诸多的现代画家。
有位美国著名的艺术批评家，称马奈为：当之无愧的“现代主义之父”。
马奈的这幅极为大胆的《草地上的午餐》，是对传承已久、僵成固化的古典学院派，重重的一击，让人们看到了，绘画更多的表现方式和可能性。
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什么是中国画的诗情画意？
中国画的诗情画意，是诗、书、画、印结合构成的深厚文化底蕴，是中国画的灵魂，是其作品思想内涵的体现。中国画历史遥追数千年，是中华传统艺术之瑰宝。
元代王冕，孤傲而特立独行，对权贵鄙而不视，情系民苦、谴豪责贵。作画尤爱梅花。于是，养花护梅、种草栽梅、丹青写梅、诗里咏梅、梦中以诗思梅，且诗思难遏。回到画中，王冕的梅，花繁枝密，诗意盎然,“不要人夸好颜色，只留清气满乾坤”。画，文气盈盈。诗，意象跃然。诗情画意，美满天地人间。
唐代王维，宋代苏轼、文同，元代吴镇、倪瓒、黄公望，明四家、青藤，清代四僧、扬州八怪等，作品直抒胸臆，“诗画同体”。他们的共之处是画上题诗，诗在画中。这样确实增加了艺术的内涵和境界，也抒发和升华了作者的感情。充分展示了中国绘画的诗意之美。
中国人的思维、审美都趋于含蓄，多留想象空间，欣赏空灵、轻淡、言外之意、弦外之音，绘画更强调纯粹、意境、略施淡彩，点到为止、韵律节奏。讲究诗画结合，禅思文趣。把诗思趣想同线性节奏贯穿，将抹云探月与墨韵笔痕交织。这一度成为直到今天仍在存续的中国画传统，也成为对中国画审美取向的指针。这种精神物化的和谐直接在诗中有画、画中有诗的诗画作品中彰显与统一。
中国画作品，都是画家诗意巧思、生活感悟之心象的投射。只有内在的人格，才能有艺术的美感，有妙想才能有偶得，没有丰富的人生酸甜苦辣，就难得艺术的绚丽多彩!
诗的含蓄、简约，画的意境、彩趣，极简与丰富合二为一，空处境象显，实处气韵生，水墨意趣、诗风文味都在尺幅之内。
“诗是无形画，画是有形诗”，诗画一体本就不是新说，是传统也是规定。没有诗意的画就无意境可谈。
诗情与画意贯穿一体，言语同造型互为补充。画家的状态、心态、情思、感悟、审美集中反映在画面。艺术作品是心灵和精神的家园，是艺术家人品、才情、学问、思想、士气的体现和象征。艺术是客观生活和艺术家主观感受的结合，诗与画当然也不例外，天人合一、情境融通。
中国画的本质就是借景抒情、托物言志。《礼记乐记》云:“乐者乐也。君子乐得其道，小人乐得其欲。”中国传统美学讲究的“目击道存”、“悦耳养心”，道理在此。
顾景舟解放前紫砂壶作品赏析？
三线咖啡壶 为紫砂胎内施白釉，有壶、杯、碟、糖缸、奶杯，按咖啡具配套的紫砂陶器。是五六十年代为紫砂工艺品出口需要设计打样之作。
底钤“曼希陶艺”方印，盖内钤“顾景洲”小章。“曼希陶艺”之印款，曼代表美，希即曙光在眼前，其内涵丰富，展示顾氏的抱负，大显身手的时候。顾氏四十岁以后，完整掌握了从选矿、泥料配制、烧成到成品加工的一整套工艺知识，潜心于紫砂壶造型的研究，终于形成独特的成型技法。三线咖啡壶形制极简，但最见制作者的功夫。
壶身直挺，依三条圆浑线分割装饰，尺度权衡，嵌盖式，盖面穹起，桶式嘴型，桥钮，扁圆圈把，玉璧底与壶体统一协调，平淡的造型中透出灵气。此壶制作难度极大，完全靠线面转折周正、舒坦和色调雅合来完善整件作品，壶面不事雕琢，毫无假借、遮掩之处，技艺严正，几乎无可挑剔。
设计来源于生活吗？
本人从事设计多年，首先肯定“设计源于生活”。设计就是贴近生活的需要，也意会着创新，所以又高于生活。灵感来源于多年对生活，对文化深度的认识和积累，然后产生新的想法，再通过视觉设计表现出来。