个人代表作品是什么意思

个人代表作品是什么意思，为什么用油画来作画？

油画

油画(an oil painting;a painting in oils)是以用快干性的植物油(亚麻仁油、罂粟油、核桃油等)调和颜料，在画布亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。作画时使用的稀释剂为挥发性的松节油和干性的亚麻仁油等。画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面干燥后，能长期保持光泽。凭借颜料的遮盖力和透明性能较充分地表现描绘对象，色彩丰富，立体质感强。油画是西洋画的主要画种之一。

油画发展初期的历史条件奠定了古典油画的写实倾向。15世纪的欧洲文艺复兴运动中，人文主义思想出于对宗教的批判，有着关注社会现实的积极要求，许多著名画家为逐渐摆脱单一的以基督教经典为题材的创作，开始对当时生活中的人物、风景、物品进行观察和直接描绘，使宗教题材的作品含带明显的现实世俗因素，有的画家完全描绘现实生活的实景。文艺复兴时代的画家继承了希腊、罗马的艺术观念，即不仅注重作品要描述某一事件或事实，还要揭示出事件或事实的前因后果，于是形成了注重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法。与此同时，画家还分别探索解剖学、透视学在绘画中的运用、画面明暗分布的作用等，形成了造型的科学原理。人体解剖学的运用使绘画中的人物造型有了如同真实般准确的比例、形体、结构关系;焦点透视法的建立使绘画通过构图形成幻觉的深度空间，画中的景物与现实中定向的瞬间视觉感受相同;明暗法使画中的物象统一在一个主要光源发出的光线下，形成由近及远的清晰层次。人文主义的艺术主题与追求写实的造型观念在其他画种中所以不能完善，是因为工具材料的限制，而油画工具材料性能正适于将二者充分体现出来。因而，古典油画成为经长期制作的、高度写实的面貌。

17世纪的一部分油画强调了油画的光感，运用色彩冷暖对比、明暗强度对比、厚薄层次对比进行光感的创造，形成画面戏剧性气氛。意大利画家卡拉瓦乔打破了他之前油画中有序和谐的光感效果，他强化画面上明暗的对比，往往用画面背景平面的大片暗部衬托前景明亮的人物，令人感到画中光线耀眼。西班牙画家el.格列柯将景物处理成处在斑驳的光影之下，他不是从明暗两大体面，而是从间断错落的明暗分布进行造型，色彩的冷暖也形成间断的连续变化，用笔凝重，色彩层面在挤压中互相渗化，画面给人扑朔迷离的效果，有的甚至充盈着神秘与不安的气氛。荷兰画家伦勃朗也把画中的光感作为表现人的精神状态的一种手段，他所作大量的人物肖像中，人物都处在大块暗部的笼罩中，唯表现神情的脸、手等重要部分显出鲜明的亮度。他运用沉着的颜色在暗部多层薄涂，使暗部显得深邃，画亮部则用厚涂和画刀堆色法，造成厚重的体量感。同时期，笔触的运用也被许多画家侧重探索。

什么叫做自律？

自律，我认为自律就是一年我从175斤瘦到128斤，天天战绳，跳绳，卷腹，锻炼一年没有断过，以前我最喜欢吃烧烤，至从减肥以后，，我以前是无肉不欢的，现在蔬菜水果为主，海鲜，早睡早起。废话不多说，上图

什么才叫做设计？

我们首先明白，什么是设计，然后我们才能清楚，什么才叫做设计，说实话这个范围很广，传统的认知是设计是解决问题，其实这个是不准确的，因为解决问题并不能准确定义设计，因为不是所有的解决问题都是设计，比如我们把电动汽车从开始的100公里到200公里 到300公里，解决了汽车行驶里程的问题，是解决技术问题，但是我们不能称为设计。所以现代社会明确了一个共识，设计是对人造事物的构想与规划，这是对“设计”最宽泛的定义。在王受之教授的《现代设计史》中的定为：设计，指的是把一种设计、规划、设想、问题解决的方法，通过视觉的方式传达出来的活动过程。所以设计可以概况为解决问题的方法，并通过视觉传达出来，就是可以看得到摸得着的东西。

所以设计是一个过程，从发现问题，到构想与规划，到人造事物改造的整个过程，所有的设计必定是创新的和富于联想的，所以我们通常就是说创新设计，为了达到目地，你懂的开始放射性思考（联想），寻找帮助设计相关的各种思维或理念，并与之结合，这就是设计的基本方式。

我们上面这些是比较宽泛和理论性的东西，也比较枯燥，对于我们每个人来说其实又是不同的理解，对于设计师来说，不管是广告设计师、产品设计师、环境设计师、UI设计师等等，在不同的阶段和认识下，对设计的认知也是不一样的，所以做到当下的极致就是对设计最好的诠释，设计师总认为当下做的不够完美，经常会抱怨说如果怎么样怎么样就是会更完美，如果多给我一天时间，或者多加一个什么什么就好了，但是设计就是这样，在规定的范畴和时间里，只能这样，在那一刻他就是最完美，我们要接受设计的不完美，这样才是我们能继续前进的动力，所以设计很多的时候是一种平衡和妥协。我们通过一个案例，来简单阐述下设计的过程吧。

我们通过上面图片可以看到，从最开始的进气格栅比较小，汽车的整体设计也非常的硬朗，到后来线条流畅，就是在设计的演变过程中，人们对美和时尚的理解，以及工程机械和动力学的发展等等，通过改变产品的外观，以满足人们的需求和审美。

所以，设计不是一种技能，而是捕捉事物本质的感觉能力洞察能力，通过设计来提升我们所设计事物的价值是设计的根本。所以所谓的做设计就是改造事物的过程，这个事物可以是产品、可以是一个画面等等，就是我们一个很具体的改造一个具体事物的活动过程.

最后让我们欣赏下近现代几个有代表性的设计。

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西方艺术史中的超现实主义是什么时候出现的？

超现实主义绘画的观念和起源

超现实主义运动起源于20世纪初, 弗罗伊德精神分析学说中的“潜意识”是其创作的理论依据。“超现实”、“超理性”的幻觉、梦境被作为超现实主义艺术创作的灵感来源, 超现实主义画家强调梦幻与现实的统一才是绝对的真实, 他们认为最客观的还原事物真相的方法只有通过“无意识”的多维空间, 来最终真实地表现出客观世间的真相。因此, 他们力图把生与死、梦境与现实统一起来, 其作品具有神秘、恐怖、怪诞等特点。超现实主义绘画是对以往以理性、写实为特征的绘画的反动, 试图对真实进行深层次的探索和表现, 常采用的方式是将抽象意境与具象实体相搭配, 把具象表现与抽象情境巧妙嵌合, 创造一种既具体又模糊的虚实相交的境界。代表画家有德国的恩斯特, 比利时的马格里特和德尔沃, 西班牙的米罗、达利等。

超现实主义绘画的概况

(一) 超现实主义绘画的类型

超现实主义绘画的类型判定主要依靠的是视觉形式和创作手法, 主要分为两大类:一种是有机超现实主义或者叫做抽象的、象征的、生物形态的, 甚至有的时候还被叫做绝对超现实主义, 画家在创作的时候不受意识的控制, 来表达内心的真实幻想。另一类叫做魔幻超现实主义、超级现实主义或者自然主义的超现实主义, 这一类主要表现的是精致的绘画以及可能认识的场面及物体, 这些东西已经脱离了自然的构造, 拥有的是梦幻的色彩。也就是说超现实主义画家在绘画的时候, 将梦境中的物体以各种形式组合起来, 目的就是为了将头脑中的惯性常识脱离开, 并且还要保证观众能够接受。

(二) 超现实主义绘画的创作类型

我们可以在超现实主义绘画的作品中看出其创作手法丰富多彩, 但是, 仔细研究就会发现可以分为两个形式, 一种是抽象似的生物的变形形式, 主要采用的是幽默以及自动联想等。画家关注的重点主要在无意识的表达方式方面, 注重的是精神方面的力量。另外一种形式就是精细描绘的写实。这类画家在绘画的时候看重的是对于潜意识的描绘, 并且对于细节真实刻画, 给人的感觉是情节荒谬以及细节又很逼真。我们国家许多学者对此进行了研究和讨论, 最后认为超现实主义绘画创作方法是荒谬的幻想。在此基础上, 有学者对超现实主义绘画创作进行了分类:

1. 时空荒谬性

时空的荒谬体现在将与自然逻辑相背离的、幻想色彩严重的、多个不同时代的事物由作者的自己想象的安排一起的, 也就是说冲破了时间和空间, 作者将现实生活画上自己的色彩。

2. 形体错置的荒谬性

形体错置的荒谬性主要是表现对万事万物的质疑, 画家们对物体进行多方面的拆分或者进行夸张的处理, 具有极大的冲击力, 从而给人一种爆发力的感觉。

3. 对比的荒谬性

荒谬的对比方式主要是通过采用二分概念的对立造成的矛盾冲突, 产生荒谬的视觉效果。

三、超现实主义绘画的图像特征

根据画家的作品可以对超现实主义绘画的图像特征进行分析和研究。我们通过超现实主义绘画的特点和创作手法可以看出, 超现实主义的图像特征主要是超越现实。其图像特征如下:

(一) 超越现实和自然

图像与现实之间差的就是理性, 图像表达的是内心真实的想法, 并不掺杂理性的思考。这是一种超越现实的图像表现方式。这种图像特征吸引群众眼球的主要原因是能够将群众内心不敢表达的想法表达出来, 进而得到人们的青睐。

(二) 色彩的幻想性

这种幻想是对自然以及形体进行装饰, 带着画家自己的幻想而做出作品。这种作品能够让人耳目一新, 带人们进入到另外一种世界, 带来足够的新鲜感, 同时, 群众也根据作品产生不同的想法。其能将幻想色彩带入到每个人的心中, 使人们忘掉现在的现实想法, 带动人们走向内心另外一个纯真美好的世界, 开拓人们的思维。它能够带动人们回归纯真, 忘掉现实带来的冲击和烦恼。

四、超现实主义绘画视觉体验的表现方法

我们都知道超现实主义主要是通过表现出不合理性逻辑甚至人们无法理解的视觉异象, 带来巨大的魅力。人们在看到作品时总能够被它所吸引, 经过思考看到世界或者人性中的本质东西。许多不同的超现实主义画家各种各样的绘画风格带给了我们不同的视觉体验。我们对三种典型的视觉体验进行分析:

(一) 自动主义创作方法带来的视觉体验

自动主义就是下意识的创作手法, 运用的是纯粹心灵的无意识的行为, 艺术家认为绘画要摆脱理性思维和社会教育的框架, 这样可以开拓人的创造力和想象力。艺术家认为经验和理性不能获得真知, 只有依靠内心深处的直觉才能看到世界的本质。根据以上看法, 我们可以分为两种自动主义创作方法:

第一种叫做机械性创作, 他们需要借助某种道具或者某种手段来调动想象力。举例说明, 超现实主义画家马克斯·恩斯特, 他发明了许多的方法:摩擦法、拓印法等等。我们简单说一下摩擦法, 摩擦法主要是将纸张铺在凹凸不平的物体上, 用铅笔在纸上描画, 然后画家根据物体描绘出来的形象进行理解和绘画。

第二种自动创作方式是特别具有个人主观的, 直接能够表达出画家的主观想法, 画家达利就经常利用此种方法进行创作。他在创作的过程中特别注意周围的环境, 他特别喜欢在舒服自在的环境下创作, 全神贯注地盯着画布, 充满想象地进行画作。

这两种自动主义创作方法都充分表现出画家们想象力和联想的能力, 创作过程中发挥联想能力、自身的创造力, 提高自身对事物的感应能力, 将大脑中潜意识的想象描绘出来。这两种创作方法不同, 但是都是从内心世界出发, 表现的都是想象的东西, 根据潜意识创作出视觉异象。

(二) 非常规视觉体验

在超现实的创作表达中, 很多的绘画里面的物体以一种非常规的方式组合到一起, 这个物体已经跳到了另外一种环境, 被放到画家的画面上, 它原有的意义就会消失, 那么我们就要以一个全新的角度去看待它, 从全新的角度去认识世界。在这里我们特别介绍一位画家马格利特, 他的作品就常常与人们的视觉经验和生活经验相背离。他能够创作出人们日常生活中所没有的画面, 这样人们就会给他的画面进行一个全新的定义, 他还会将没有联系事物组合到一起, 有的时候会对事物进行排列, 排列还很奇怪。人们对他的作品的评价往往都是荒诞且幽默, 但是感觉又充满智慧。这给人带来一种全新的感觉, 使人们认识到一个他们所没有想到的世界, 人们对此也会有全新的感受。

(三) 偏执狂批判法

偏执狂又叫做妄想症, 在超现实主义绘画方面, 主要表现的是对绘画的狂热追求, 其从人的潜意识抓起, 将幻觉中产生的视觉异想引入创作中。在此类的作品中我们经常可以看到令人疑惑不解的组合方式和夸张的物体形象, 这些形象就如同内心的潜意识, 不容易被人们理解, 只有当人们的意识不够坚定的时候才能够进入到其中。画家们在创作时, 有意识地对潜意识世界题材进行加工, 只要这样才能够呈现出既充满超现实意味还能够反映社会现实的作品。

五、超现实主义绘画视觉体验分析

超现实主义绘画通过与众不同的艺术创作手法, 营造出一种看似矛盾实则有着丰富艺术内涵的画面效果。很多超现实主义绘画作品, 借助怪诞的作品情境的设计, 营造与现实格格不入的绘画艺术氛围, 具有了超越时空的绘画体验, 让观赏者感受到虚与实的冲突、感性与理性的碰撞, 获得不一样的视觉体验。

例如, 著名画家达利借助自由拼合的方式进行绘画, 营造出一种陌生化的、超现实主义场景。其代表作品《记忆的永恒》, 形象地表达了时间流逝的无奈以及画家自身在物质世界中所经历的种种挤压。作为20世纪典型的超现实主义作品, 达利的《记忆的永恒》, 从某种角度来说, 体现出了超现实主义作品绘画者的内在潜意识。在著名画家马格利特的作品中, 画家打破传统的视觉审美习惯, 借助冷调的色彩、明确的界限来营造出一种黑色幽默、光怪陆离的绘画体验。其作品《天降》塑造了神情古怪的人物, 画面极具写实性, 充分体现出超现实主义画家所追求的那种反常效果。

从这些超现实主义的绘画作品中人们可以深刻地感受到作品所具有的强大的视觉冲击力, 这种冲击力不仅让人获得视觉层面的体验, 更会在精神层面受到一定的影响。超现实主义绘画作品用一种看似“另类”的绘画处理方式来表达绘画者心底的声音, 无论是对自由的追求, 还是对世界和平的期盼与祝福, 都会让超现实主义绘画作品成为绘画艺术宝库的耀眼明珠。

总之, 超现实主义绘画具有其内在的独特性和与众不同的视觉体验, 需要在具体的作品中结合创作者的内心思想以及创作的时代背景进行综合的欣赏。超现实主义绘画的视觉体验带给人们的是一个全新的世界。

室内设计师证有什么用？

作为设计人员，关心最多的就是证书到底有何用途、考哪个证书好、证书硬？很多学生都会这样问。

首先肯定地说，证书决不是涨工资的资本。能挣多少钱，还是要看自身有多大能力，为企业创造多少价值；关于证书与退休待遇挂钩的问题，协会正在通过有关政府部门呼吁，希望尽快得到解决。部分地区已经将职业资格证书与待遇或办理户口等挂钩。其实，对一个优秀的设计师而言，即便涨工资了，待遇挂钩了，经济上的收获还是微不足道的。

那么，到底参加设计师国家职业资格鉴定能获得什么呢？

一、企业实力的证明

企业证明自己有多大的设计实力，光凭说是没用的，设计人员的学历和职称情况、人员层次分布是企业竞争力的最直观、最有效的证明。而目前企业大多数人员都是初中、高中学历，国家职业资格证书就显得尤为重要。

二、个人能力的证明

一位参加设计师培训班的学员说得好，在企业作了近10年，企业对员工也有能力评级，但只在企业内部有效，就是希望参加鉴定班，考取全国范围承认的、证明自己水平的证书。其他行业从业人员在填写履历表、各种报名表、印制名片时都能写上职称或学历，而自己却一直是空白。

一位来自江苏知名企业的资深设计师的话更让人感动和深思，她说，我有三个孩子，我学历不高，我的条件可以考高级室内设计师，我要给孩子树立榜样，让她们以我为荣。

三、企业或个人参加国家有关工作项目的基本条件

目前，企业在申报参加国家级项目、或者申报相应资质时，企业工作人员学历、职称水平需要满足一定条件，否则不具备资格。因此，企业不得不外聘一些具有职称的人员来达到条件。

个人更是如此，专家必须要达到规定的职称要求，否则没有资格申报。有的知名企业推荐的人员经验丰富，还是企业中层领导，就是因为学历、职称不够而被取消资格。

因此，总的来说，国家职业资格证书或行业协会设计师证书更多的是代表了企业或个人的身份，不但是用来包装自己，同时也是用来包装企业，在大家都具备学历、设计作品、工作经验等同等条件下，别人没有证书而你有，那么你就比别人更有竞争力!

回答完毕！

到底什么样的视频算原创？

视频没有创意就不要做，硬做也就是照猫画虎般抄一个。最终可能自己都没眼看。

想做原创还是有想法后实行吧，这样目标、动力、要求什么的就都有了，否则都只是空想罢了。你看，你来问问题，已经证明你连目标都没有啊。视频原创主要有形式上的，内容上的，以及认知上的区别。

形式上包括：体裁、技巧、效果、音效等等。比如体裁上有3D、2D、实拍、虚拟、特效合成等等形式。技巧有剪辑方面的也有特效方面的一些常用或特殊方法。效果上又有水墨、粒子、流体等等模拟，音效就是音乐和效果声，是采用实物录音还是合成，都很有讲究。形式方面一般限于技术水准和外部环境，做突破是比较困难的，所以一般都是综合性地运用各类形式，做某方面的突出和加强，以达到新型、新颖、新奇的目的。

内容上就很多了，各种题材，只要想到的都可以去做，有做生老病死的，也有做婚丧嫁娶的，有做心路历程的，也有做纪实记录的。小到一个细菌的一生，大到一个世界的变迁，远到宇宙诞生星际旅行，近到眼前事物实况直播。什么都可以。

认知上的体现要深奥一些，往往是表现一种思想、境界、体悟、哲理、反思等等。这些东西看不见摸不着，需要用具象去表现抽象，而这个抽象的东西又要完全靠视觉语言去创造，就像一千个人有一千个哈姆雷特一样，视频虽然更具象，但是观众的理解也是五花八门的。如此一来，其实是很需要功底的。

以上其实是把视频创作的内容分项来说了。实际创作过程中还都是综合来用的，但是可以从这里面找到更适合自己的路子。

原创其实就是你自己想出来的东西，不完全是独创、首创、以及去创造发明的意思。原创可以延续、可以保留、也可以借鉴，但主要目的是保有自我，带有更多自我的意志力、创造性和启发性。

至于原创后是否具有经济性、观赏性、思想性等等。那就要看观众的理解和取舍了，当然，这是又一个话题了。