梁楷简笔画代表作品，南宋梁楷的国画艺术与特点是什么？
梁楷，生于1150年，东平须城（今山东东平）人，南宋画家。南渡后流寓钱塘（今浙江杭州），曾于南宋宁宗担任画院待诏。他是一个行迳相当特异的画家，善画山水、佛道、鬼神，师法贾师古，却远远超过老师。他喜好饮酒，酒后的行为不拘礼法，人称是“梁风（疯）子”。
南宋梁楷《六祖伐竹图》 日本东京国立博物馆
梁楷最受关注和赞誉的作品，还是其寥寥数笔，一挥而就的写意人物画。《图绘宝鉴》载，其“精妙之笔，皆草草，谓之减笔”。梁楷传世的作品包含了《六祖伐竹图》《李白行吟图》《泼墨仙人图》《八高僧故事图卷》等，历史文献见录的梁楷画作约有五十多件，但传世的仅十几件，像《八高僧图》这样的长卷巨制非常难得，但以《泼墨仙人图》最为有名。
南宋梁楷《李白行吟图》 日本东京国立博物馆
在人物画方面，梁楷本人受到禅宗思潮的影响，崇尚简逸，他冲破宋代院体画工整细致严谨的束缚，用尽可能少的笔墨来刻画人物形象。南宋僧人释居简评价“梁楷惜墨如惜金，醉来亦复成淋漓”，梁楷作画给人的印象就是“惜墨如金”、“满眼云烟”、 “减笔”草草，他的画就是这样，构图简洁，讲究用墨的气韵，往往能挥洒出一种幽远的意境。
南宋梁楷《泼墨仙人图》 故宫博物馆收藏
梁楷的作品，对宋元时期禅宗绘画影响深远，在中日僧侣频繁的交往过程中，其作流传至日本，备受各个阶层欣赏者亲睐，对日本镰仓、室町时期水墨人物画发展起着重要作用，被认为是日本水墨画发展的鼻祖之一。
南宋梁楷《布袋和尚》上海博物馆藏
梁楷的《出山释加图》、《雪景山水图》和《六祖伐竹图》等多幅作品，都收藏于东京国立博物馆。时至今日，《李白行吟图》已被认定为日本“国宝”，在一水之隔的东瀛散发出耀眼的光芒。
南宋梁楷《雪景山水图》日本东京国立博物馆
梁楷是一位受儒、道、释三教思想影响的一代大家，他的简笔画对后世的徐渭、朱耷、原济、金农、李鱓以及现代的画家齐白石等，都产生了很大影响，更是名满中日的大书画家。
中国绘画的典型代表是什么类型的画？
中国绘画分为工笔画、写意画以及介于两者之间的兼工带写画法。
工笔，顾名思义就是用工整、严谨的技法来描绘对象。工笔画又叫做细笔画、繁笔画，用细腻精湛的笔法客观刻画事物，精描工细，造型写实，栩栩如生。
写意，是相对于工笔来说的。写意画又叫做粗笔画、简笔画，则是用简练随性的笔法主观描绘事物，酝酿情绪，挥洒墨彩。写意画很奔放，画面夸张、变形，强调画家个人的主观审美，因而画面风格更为鲜明有特色。
中国传统工笔画可说是历史久远，早在战国时期就已经开始出现，其后每个时代都有极具代表性的画家。写意画的出现晚了许多，写意画是从宋代的梁楷开始的，他以“减笔画”成名，自他开始，宋代以后慢慢兴盛起来，到明代，中国绘画既摹古也需要创新，写意画迅速发展，徐渭、八大山人达至高峰。
中国书法和中国画画法的用笔用墨有区别吗？
中国画从技法角度来说，实质上就是怎样用笔用墨的问题！
“笔墨”两字，在中国画中，它的含义已经不仅仅是工具的名称，已经成为中国绘画技法的代名词。
正所谓“书画同源”，中国绘画和中国书法关系密切，两者的产生和发展，相辅相成！
书法讲究用笔之时，要做到起笔、落笔、运笔、转笔都要规范，不能随便的涂描添改，书法艺术讲究的是笔墨韵采，气脉相连，正如《历代名画记》中所记载：“一笔而成，气脉通连，隔行不断”；同样的，无论是中国画中的山水、人物抑或是花鸟技法，实际是也是用笔用墨的独特方法，它对如何握笔，如何落笔，如何运笔以及快慢转折都有一定路数，也是强调法度。都说“不以规矩，不能成方圆”，用笔用墨的方法就是中国画的规矩，师承了前人的经验。
用笔之道中国画用笔主要分中锋、侧锋、顺锋、逆锋等。
中锋
中锋是指握笔与纸面成九十度直角运笔，笔尖在所画线条的中央。
中锋所产生的线条圆润厚重。由于运笔时快慢、转折、顿挫和手的压力大小，画出的线条便产生各种变化。
侧锋
侧锋则是手腕转动使笔与纸面成一定倾斜度，即小于九十度直角，笔尖在所画线条的一边，根据绘画所表现对象的不同要求，以不同的用笔去表现。
侧锋所产生的墨线粗犷毛糙，有时一边光一边毛，有着笔势的飞白变化。
注意的是：书法宜用中锋，绘画则看需要，宜用中锋则用中锋，宜用侧锋则用侧锋。
顺锋
笔锋运动的方向而言，笔杆倾斜，与行笔的方向一致。运笔时指腕放松，既有按又有拖的动作。
如果笔身倾斜大，笔杆在前拖着笔锋行进，拖的力量大于按的力量，称之为拖笔。
顺锋的线条光润、流畅，适于画竹竿、柳条、荷梗、虾须等。
拖笔舒展、自由，但弹性不强，多作辅助用笔，不可用得过多。
逆锋
又称戳笔，笔锋在前，笔杆在后，笔杆倾斜方向与运行方向相反，逆向前进。
这种笔法常与捻笔、翻笔动作想配合，线条富于变化。
笔锋受阻较大，笔豪时聚时散，产生一种苍老、粗糙的效果，适合于画石头、枝干、粗藤等。
用墨之道“草木敷荣，不待丹碌之采；云雪飘扬，不待铅粉而白；山不待空青而翠，凤不待五色而綷。是故运墨而五色具，谓之得意。意在五色，则物象乖矣。”
——摘自唐 张彦远的《历代名画记》
中国绘画在唐以前较长的历史时期，是非常强调墨色的重要性的。中国画同书法一样，最初也是用墨线造型，通过墨线的浓淡、粗细以及用笔轻重、转折等变化去塑造形象。到后来，又发展到通过水墨变化表现物象的向背、凹凸形象变化，同时又通过墨线的轻重、疏密变化来表现画面的韵律和节奏，逐渐形成以墨的黑色为画面的基调。宋代以后，中国画的水墨发展到极为成熟阶段，墨色的变化就更丰富了，追求“质有而趋灵”的境界。画家不仅用水墨去表现物象表面形象的变化，而且深入探索画境寓意的刻画，表现画面的意境和形式上墨韵节奏的变化，创造了水墨写意画，使“墨分五色”的要求得到更全面的发挥。
随着国画艺术发展，即使后来受到了西方画的影响，色彩上有了更丰富的表现，但并未改变以墨色为基调的绘画风格。墨色已经成为中国画中重要的造型的手段，这是中国画的独特之处，这也是在世界上各种造型艺术中所特有的。
归纳起来，用墨的方法就是通过巧妙用笔的方法，使笔上的水分与墨相融合反映在纸上所得的视觉效果。墨色要求光辉耀目，变化细微，充分表现对象的形神刻画，而又有形式上的笔墨情趣。
中国画中，一个山头、一条衣纹甚至是一片花叶，要达到如意的墨色效果，绝不是一蹴而就的，画者必须经过长期锻炼，不断实践，掌握用笔用墨的基本功才能达到所谓的”超象立形、依形造境、因境传神，达于心物交融、形神互映“的境界。
中国古代绘画有哪三宗？
中国绘画分为工笔画、写意画以及介于两者之间的兼工带写画法。
工笔，顾名思义就是用工整、严谨的技法来描绘对象。工笔画又叫做细笔画、繁笔画，用细腻精湛的笔法客观刻画事物，精描工细，造型写实，栩栩如生。
写意，是相对于工笔来说的。写意画又叫做粗笔画、简笔画，则是用简练随性的笔法主观描绘事物，酝酿情绪，挥洒墨彩。写意画很奔放，画面夸张、变形，强调画家个人的主观审美，因而画面风格更为鲜明有特色。
中国传统工笔画可说是历史久远，早在战国时期就已经开始出现，其后每个时代都有极具代表性的画家。写意画的出现晚了许多，写意画是从宋代的梁楷开始的，他以“减笔画”成名，自他开始，宋代以后慢慢兴盛起来，到明代，中国绘画既摹古也需要创新，写意画迅速发展，徐渭、八大山人达至高峰。