全球最著名的插画大师有哪些？
1、诺曼·洛克威尔（Norman Rockwell）；是美国在20世纪早期的重要画家及插画家，作品横跨商业宣传与爱国宣传领域。他一生中的绘画作品大都经由《周六晚报》刊出，其中最知名的系列作品是在1940和50年代出现的，如《四大自由》与《女子铆钉工》。；
2、灰村清孝；灰村清孝，出生于1973年9月7日，A型血，是日本的一位插画家，代表作品有《魔法禁书目录》系列插画和轻小说《魔法禁书目录》系列等。；
3、张光宇；张光宇长于政治时事和社会讽刺画。他的装饰画在民族艺术的基础上，吸取外国美术中的优秀成分，形成形式感极强，富有民族趣味的时代感风格。；
4、berk ozturk；土耳其插画师，他的作品风格朴实无华，擅长表现悲伤与忧郁的主题，比如爱情和死亡。；
5、竹冈美穗；是日本的插画家。东京出身。第九回コバルトイラスト大赏得奖后，以插画家的身份出道。 小说家竹冈叶月的姐姐。
欧洲著名插画师？
诺曼·洛克威尔（Norman Rockwell）是美国在20世纪早期的重要画家及插画家，作品横跨商业宣传与爱国宣传领域。
他一生中的绘画作品大都经由《周六晚报》刊出，其中最知名的系列作品是在1940和50年代出现的，如《四大自由》与《女子铆钉工》。
对于日本动漫大师宫崎骏和新海诚的作品你更喜欢谁的？
怎么说呢，虽然新海诚的《你的名字。》获得了极高的商业成就，商业成绩来说确实是“匹敌宫崎骏”的存在，也没有别的动画监督做的出他这个成就的作品，但是从艺术性来说差太远了。我不提什么剧情不剧情，深度不深度，就说画，新海诚都离开宫崎骏差太远了。
为什么这么说？
日本动画受到时间，预算的影响，一般都是以“有限动画”的形式出现，在制作上为了节省成本，而只给出最少的关键动作的原画。
不仅如此，还在镜头的分配方式中，采用了仅给出半身的模式，让作画数量尽可能减少，因为你给全身的镜头，需要“动起来”的部分就越多，而只给半身，比如跑步，只给上半身特写，那只需要画手臂在挥舞，表情跟着动，你就知道这个角色在跑步，但其实其他部分是不动或者不画出来的。
随便打个比方好比上图这个跑步
就是只给了上半身，然后只需要4-5张原画，然后不断重复这些原画，你就有了咲太跑起来了的感觉。。
但是宫崎骏的动画是以最高的要求和标准去制作的，人物不仅给的不是半身，是全身
并且跑步的动作都是以不同的原画来完成的，而不是不断重复几张一样的原画
好比这个，《悬崖上的金鱼姬》，里面的动作，基本都是全身的，所有部分都跑起来，甚至连背景的海水都是动的。。。。。
《悬崖上的金鱼姬》的海底世界的，并没有出现主人公，但是所有的物体，都是动态的，全部的一张张手绘完成的
所以他的动画给人一种活灵活现的感觉，非常完美的再现了童话的感觉
相比之下，新海诚的画风比较贴近现实，不是说不美，但是光是作画张数就缺乏了宫崎骏的那种连贯性
然后就是我刚才说的，传说中的“半身跑步”。。。这是TV水平的作画。。。
你看，脚都是不放出来的。。这样可以节省作画的量。。
虽然风格不同，新海诚的作品不需要这么卡通，这么童话，但是半身跑步和全身跑步，光是这一点，就知道两人的作画上的要求差距是有的。。如果三叶这段跑步全部用的全身跑步，那么给人的观感，表达那种急切的心情的感觉是完全不同的。
尽管《你的名字。》里不需要这么多的动作场面，但是动作场面的作画确实规格不算特别高，起码高不到宫崎骏的水平，例如口嚼酒的部分也不算多么惊艳的作画，只能说，漂亮，但不到惊艳的水平。
像这个翻页，只有手在动，嘴巴和脸型都是微微的位移
再看一个，同样的“起风了”的镜头，
这里是《你的名字。》里的起风的作画，也只给了半身，只有头发动，用镜头的旋转省去了人物的作画，为什么？因为难！如何表现出妹子全身和服在夜空的风中飘逸而美丽，是一个很考验画师水平的事情，旋转镜头带来的那种感觉，可远比给全身把全身都画动起来要省力许多，相对的，就显得不这么“动态”。
再看看宫崎骏怎么表达的？
头转过来的时候，眼睛，嘴巴，脑袋，头发，全身的衣服都在动。。虽然没有镜头旋转看起来这么炫酷，但是人物的动态，那种“风吹起来了”的感觉，是满满的出现了的。。
导致这样的差距，是和两人的经历有着明显的关系的
宫崎骏，东映的“大佬”，动画原画出身，因为东映的理念无法满足自己制作独立的原创高质量动画，而退出东映，自立门户
新海诚，Falcon游戏公司美工出身。。。。有钱人的少爷，为了让观众看到自己画的精美的背景，靠风景来打动观众而自立门户做起动画
很多事情在经历阶段就决定了。。
中世纪有哪些油画比较闻名呢？
中世纪（Middle Ages）（约公元476年~公元1453年），是欧洲历史上的一个时代（主要是西欧），由西罗马帝国灭亡(公元476年)数百年后，在世界范围内，封建制度占统治地位的时期，直到文艺复兴时期(公元1453年)之后，资本主义抬头的时期为止。
以中世纪的油画来定义，只有尼德兰文艺复兴的代表人物扬•凡•艾克（1385年-1441年）的作品比较符合。因为扬·凡·艾克是被公认的油画奠基者，在他此前，画家们总是用鸡蛋清来调和颜料，而扬·凡·艾克发现可以用松脂、亚麻油或者核桃油来做调和剂，这样能够使颜料更加的易于调和，运笔也更加自如，而且挥发得快，等一层干了以后还可以反复描画，这样就为描绘细节提供了许多便利，画出画来颜色也格外鲜亮。如果作品全部完成了，还可以在表面上再涂一层薄薄的透明油，画面就不容易剥落和褪色了。直到今天，扬•凡•艾克的作品仍然完好如初。
传为凡•艾克《自画像》
今天AB君就来说说两件凡•艾克有名的作品。
扬•凡•艾克最擅长的是肖像画，他能摆脱中世纪那种拘谨的传统，真实地描绘对象的个性，赋予形象以典型的市民气息，他创作的木板油画《阿尔诺芬尼夫妇像》就是典型的代表。该作品描绘了尼德兰一个典型的富裕市民的新婚家庭。阿尼诺芬尼，这个在1420年被菲利普公爵封为骑士的真实人物，在画上拘谨而彬彬有礼地正和他的新婚妻子在洞房中迎接贵宾：他举起了右手，表示一种仪式，象征忠于爱情；新娘则伸出右手，放在新郎的左手上，宣誓要永远做丈夫的忠实伴侣。
《阿尔诺芬尼夫妇像》
在《阿尔诺芬尼夫妇像》这幅画中，所有的细节都描绘得逼真而一丝不苟：明亮的阳光透过窗子，照射到室内来，男子的皮绒大衣泛着高贵的紫色，棕色的披风富于垂感，女子的服饰也很有特点。
画家也好像是婚礼的见证人，在远处的墙上写下一行拉丁文“Johannes de eyck fuit hic”，意为“扬•凡•艾克在场”。在背景中央的墙壁上，有一面富于装饰性的凸镜，它是在整幅画面中尤其值得观者注意的细节：从这面小圆镜子里，不仅看得见这对新婚者的背影，还能看见站在他们对面的另一个人，即画家本人。
凡·艾克另一件著名的作品就是《根特祭坛画》，现藏比利时根特圣巴蒙教堂，可以称为世界上第一件真正的油画作品，色彩鲜明，辉煌艳丽，经过数百年之后，画面仍然如初。他画在木板两面，拼合起来便成为15世纪尼德兰最大、最复杂的一组祭坛画。
《根特祭坛画》
《根特祭坛画》的核心就是《羔羊的礼赞》，这幅画描绘了高高的祭坛上那只献祭的羔羊，神圣的血正流进圣餐杯。天使围绕祭坛，手里拿着种种使人想起耶稣被钉上十字架的东西。在画的前景处，生命之泉正喷涌不息。信徒从四面八方聚集而来，他们之中有先知、殉教者、教皇、贞女、朝圣者、骑士，还有隐修士。就像那个年代许多著名的宗教性作品一样，爱克在创作这幅画的时候，应是接受了神学家的建议，画面上的人物像是教会教阶制度的反映。圣城屹立在水肥草美的远方，从轮廓上看，很像是一座荷兰城市，右边那座教堂也许就是乌德勒支大教堂。这只是巨幅祭坛画的一个局部，但是它的无比完美、精确和令人信服的力量，解释了这个玄妙的景象何以让人一见钟心。
扬•凡•艾克，《羔羊的礼赞》（局部）
有哪些重要的超现实主义画家？
众所周知，超现实主义作为一个文学流派，实际存在的时间并不很长，但在艺术领域，其作为一个重要的美学艺术流派，却产生了深远的影响。而在超现实主义艺术流派的发展中，艺术家也从中产生了重要作用。今天《艺术市场通讯》就为大家来盘点超现实主义流派中那些具有代表性的艺术家。
达利达利是西班牙的超现实主义画家，他在把梦境的主观世界变成客观的形象方面，为超现实主义、20世纪的艺术做出了巨大的贡献。作为西班牙超现实主义画家和版画家，达利一直以探索潜意识的意象而闻名。年轻时，达利曾经在马德里和巴塞罗那学习美术，其间，他的作品反映出多种的艺术风格，也显示出他作为画家的非凡才气。《记忆的永恒》直到20世纪20年代末期，达利的画风才日趋成熟。首先是他吸收了西格蒙德·弗洛伊德（Singmund Freud）的思想理念，弗洛伊德曾在关于性爱对于潜意识意象的重要著作说过：“当我们的清醒头脑麻木之后，潜藏在身上的童心和野性才会活跃起来。”其次是他结交了一群才华横溢的巴黎超现实主义者，这群艺术家和作家正努力证明着人的潜意识是超乎理性之上的“更为重大的现实”。《十字架上的基督》为从潜意识心灵中产生意象，达利开始用一种自称为“偏执狂临界状态”的方法，在自己的身上诱发幻觉境界。达利发现这一方法后，画风异常迅速成熟，1929－1937年间所作的画使他成为世界最著名的超现实主义艺术家。《内战的预兆 1936》在达利的作品中，我们还能发现一个特点就是：他把现实世界中不连贯的片断混合在一起。 达利喜欢描绘梦境中的景象，以一种稀奇古怪、不合情理的方式，将普通物像扭曲或者变形。达利对这些物像的描绘精细入微，几乎达到毫发不差的逼真程度，通常将它们放在十分荒凉但阳光明媚的风景里。在这些谜语一般的意象中，最有名的大概是“记忆的永恒”。《蜕变的永恒的记忆》在艺术创作上，达利毕生孜孜不倦地、准确地刻画着自己真实的内心世界。因为他相信，惟有借助于艺术创作，才能使他自己的潜意识恣意驰骋，才能使他自己摆脱人类理性的束缚。他沉醉于梦境和幻想的世界里，梦想与现实的落差常常引发的冲突，似乎引导达利走上了超现实主义的道路。正如他的作品《奇境中的艾丽斯》中的艾丽斯一样，达利经历了漫长的梦之苦旅，但是达利始终坚信，只有梦才能真实地、准确地、有意义地表现其个性。《奇境中的艾丽斯》
马格利特马格利特是比利时的超现实主义画家，画风带有明显的符号语言，如《戴黑帽的男人》，他影响了今日许多插画风格。马格利特出生于埃诺省莱西纳，是裁缝父亲内浦马格列特的长子，母亲则做女帽的销售。童年时常常搬家，10岁时就开始学画，1912年母亲投河（桑布尔河）自杀，原因不明。当其母亲的尸体被捞上来时，马格列特当时在场，母亲浮尸时被衣饰覆盖著脸部在他脑海中留下深刻印象，这令他在1927年至1928年所的画的人物也是被衣布覆盖著脸孔，包括《爱人》，但他本人并不喜欢这个解释。the lover马格利特青年时曾在布鲁塞尔艺术学院就学两年，1918年毕业后在壁纸工厂负责花纹设计。1919年，他开始对未来主义和奥费立体主义产生兴趣，并受到大他十岁的意大利画家基里诃的影响，开始了超现实主义的风格。1922年他与童年玩伴乔吉特·伯婕结婚。1926年，他开始全职绘画，并于同年画成《迷失的骑师》，为第一幅超现实主义作品。并在1927年在布鲁塞尔举行首次的个人画展，但遭到大量侮辱性的批评，这次失败使他感到郁闷，于是他决定移居巴黎。《迷失的骑师》《the double secret》1927年到1930年间，马格利特移居到巴黎。在这期间，他认识了安德烈比图，并加入了超现实主义者的行列，大量创造出具有神秘语意的迷人画作，同时也为许多时装海报或乐谱封面进行商业平面设计。1936年他的作品曾到美利坚合众国纽约展出，后来又在1965年现代艺术博物馆、1992年大都会艺术博物馆举行回顾展。《人类之子》《the key to fields 》晚年的马格利特定居在比利时布鲁塞尔。1967年8月15日因胰脏癌病逝，死后葬在苏哈比公墓。自1960年代起，马格列特的作品引起公众的高度兴趣，更影响普普艺术、简约主义及概念主义。在2005年，他被列举为“大比利时人”瓦隆区的第九位，在佛罗明区的第十八位。米罗米罗（Joan Miró，1893年4月20日—1983年12月25日），西班牙画家、雕塑家、陶艺家、版画家，超现实主义的代表人物。是和毕加索、达利齐名的20世纪超现实主义绘画大师之一。《蓝色二号》（1961年）《加泰罗尼亚风景》（1924）米罗的超现实主义绘画具有鲜明的个人风格：简略的形状、强调笔触的点法、精心安排的背景环境，奇思遐想、幽默趣味和清新的感觉。米罗的创作表现方式是有意的打乱知觉的正常秩序，在直觉式的引导下，用一种近似于抽象的语言来表现心灵的即兴感应。因此在它的作品中会有象征的符号和简化的形象，使作品带有一种自由的抽象感，也有儿童般的天真气息。主要的作品有《向鸟投石子的人》、《荷兰式家居室内》等。米罗艺术的卓越之处，并不在于他的肖像画或绘画结构，而是他的作品有幻想的幽默--这是其中一个要素。另一个卓越之处就是，米罗的空想世界非常生动。他的有机物和野兽，甚至他那无生命的物体，都有一种热情的活力，使我们觉得比我们日常所见更为真实。《向鸟投石子的人》《荷兰式家居室内》米罗是非常多产的，画风始终如一而又多样变化。以至想要一般性地追述一下都十分困难。早期作品受塞尚、梵高和毕加索及野兽派画家的影响，作品或带有极为精雅的色彩和线条的运动，或具有立体主义的作风。在1920年代中期，他在他的新天地中，探索了非常困难的一些方面，从《哈里昆的狂欢》的复杂性，到《犬吠月》和《人投鸟一石子》这类作品非常有魅力的单纯性。1928年，他访问了荷兰，受到荷兰少有的几个大师的影响。他制作了一系列的绘画，题名为荷兰的室内，那是从真实到幻想变形的实例。《哈里昆的狂欢》马克斯·恩斯特马克斯·恩斯特是德裔法国画家，雕塑家。恩斯特被誉为“超现实主义的达·芬奇”，他在达达运动和超现实主义艺术中，均居于主导地位。他的作品所展现的丰富而漫无边际的想象力，对世界的荒诞之感，汲取自日耳曼浪漫主义和虚幻艺术的梦幻般的诗情画意氛围，令全世界惊异不已。这位不知疲倦的发明家不断地更新着自己的表现手法：他运用拼贴画、摩擦法、拓印法和刮擦法，致力于创造一个多变、彩色的虚幻世界。被誉为具有颠覆性的创新艺术家。《Imperator, 1923》《Fish Fight, 1917》恩斯特的父亲是一位教师和业余画家，他的创作给了恩斯特以一定的艺术熏陶。恩斯特在童年时受到了古都怪异传说的影响，加上自身的敏感，产生了各种幻觉。这些都成为了他日后进行幻想性绘画创作的源泉所在。恩斯特曾在书中记录过幼时体验的幻觉及特质，幻觉是他艺术表现的基础，对他的艺术发展产生了重要的影响。恩斯特还曾在波恩大学学习尼采和弗洛伊德的思想、艺术史、以及德国文学。他对当时新兴的精神学极为感兴趣，经常出入于精神病院，对患者进行仔细的研究。《 Crucifixion, 1913》1919至1921年，恩斯特创作了达达主义的物件拼贴画、素描以及照片镶嵌画作品。他同让·阿尔普和约翰内斯·巴尔盖德共同创作出一种“集体拼贴法”，预示出了所谓的“优美的尸体”。1920年，他遇到了保罗·艾吕雅，并为后者的诗歌创作了插图，并将未来的超现实主义者们搬上了画布《在朋友的会面中》。自1923年起，他使用“意识流记述法”进行创作，力图展示出一个超现实主义的世界。上世纪20年代，出现了所谓“幻觉主题”，在恩斯特的作品中也产生了共鸣。他利用色彩和变形的手段，创造出了梦幻般的景致：“充满了植物与动物遗迹的凝结物。”同时，他还描绘被撕碎的形体，离奇的动物及幽灵般的女性形象。《Family Excursions, 1919》《Aquis Submersus, 1919》1925年，他首创擦印画法，用薄纸描摹出板材表面的凹槽，以此来“激发视觉的能力”。恩斯特逐步使用其他方法，创作了刮擦画、纸贴画和小说拼贴画及移印画等1942年，当他在美国时，通过《被一只飞起的非欧几里得几何的苍蝇所惊呆的年轻人》这部作品，创造出一种名为“浇筑”的技法，后来被杰克逊·波洛克所系统地使用。恩斯特还钟情于美洲印第安人的艺术和面具造型，将其形式融入于自己的作品之中，创作了如《星空下的舞者》等作品。保罗·德尔沃保尔·德尔沃属于第二代的比利时超现实主义画家。他的大半生是在布鲁塞尔度过的。第二次世界大战前，曾接受16世纪意大利风格主义绘画的影响，加上他早年画过一些古典建筑，使他后来在超现实主义这条道上，构成自己独特的表现风格。 大约于1935年，他参加了超现实主义行列。最初受西班牙画家萨尔瓦多·达利的影响，后来又全力追随意大利画家契里柯的梦游神式的幻景。此外，比利时人马格里特也是他崇拜的画家之一。他一生所画的题材总离不开两个因素：一是文艺复兴以来的透视表现；二是以维多利亚式的古典建筑为背景，把事物处理在不可思议的时间、地点和空间里，让人观后隐隐感到有一种幻想欲望。保罗·德尔沃 《民众的呼声》 1948年 比利时1962年 所有的灯他曾长期探索自己的艺术道路.直到1935年前后,他一直徘徊于新印象派和表现派之间。在该时期中,受乔治·德·基里柯和和内·马格利特的双重影响在使他明白自己处境的同时，还促使他加入了超现实主义派。从那以后,他的目的不再是重现外部世界,为它录下真实的形象,而是发掘自身生活深处的亲切、秘密方面.客观现实只有在作为他梦幻的环境时，才会引起他的兴趣。就是在梦幻之中,产生了地点和人物的奇特相遇.无论是它们之间的关系,还是它们的相互对比,都成为往往郁郁不乐的诗歌。庙宇，月亮城，马路或公共广场，无家具的房间，在这些环境中,我们看到同一类型的妇女。她们年青漂亮,时而裸体，时而穿着镶有花边和树叶的衣服，或者大褶长裙。这种人物形象时时萦绕在画家的心头。1951-1952 磔刑图1941年/月之位相II他的全部作品除去几幅草图都在满足他接近一个理想人物的要求。由于形势的反常和颠倒，这一理想人物似乎在追赶他，而未能与他会合。超现实主义，这一动员本能和下意识去进行的人的解放运动,在表现方法和绘画技巧上，因自称为该派成员的画家情况不同而存在很大差异。德尔沃的风格比马克斯·恩斯特或若安·米罗要现实很多，与基里柯相似。不过,基里柯的技巧是生硬的，朴实无华的，故意画得可怜巴巴的；德尔沃则是位抒情诗人，严守弗拉芒祖先对和谐之形的爱好。他画得很仔细,不过,过多的细枝末节，小故事,过分加工的背景，有时分散了他对鲜艳色彩的热爱。一些非常漂亮的水彩画使他的艺术可以说在方法上是古典主义，思想上是超现实主义变得更加完整。伊夫·唐吉伊夫·唐吉是法国早期超现实主义画家，他的作品对许多著名的艺术家和思想家都有影响，包括野口勇，David Hare和罗伯特·马塔。伊夫·唐吉，全名是雷蒙德·乔治斯·伊夫·唐吉，于1900年1月5日在法国巴黎出生，在年幼时与亨利·马蒂斯的儿子皮埃尔结识。Jamais plus (Never Again) 1939The Rapidity of Sleep 1945他的超现实主义风景，让人联想起乔治·德·基里科，将心理学和个人象征主义的主题与具体、精确的意象相结合。与其他超现实主义者不同的是，他呈现的是高度的自然主义和现实主义，实现了具有可信度的幻想的场景。他最著名的作品之一是《Mama, Papa is Wounded! (1927)》，这是一个灰蓝色的构图，上面描绘了一个神秘的荒原，表现了第一次世界大战后世界的焦虑。Mama, Papa is Wounded! 1927在谈到他的艺术创作过程时，他说:“这幅画在我眼前发展，在发展的进程中伴随着惊喜。正式因为这样，我才有了完全自由的感觉，因此我无法预先制定一个计划或做出草图。”