如何看待当代画家谢楚余的写实女人油画具有清新的写意画风？
当代著名油画家谢楚余1962年出生于广东汕头，1988年毕业于广州美术学院后留校任教至今，可以说是根正苗红的“学院派”画家。
在几十年的创作生涯里，谢楚余始终坚守“超写实主义”画风，精益求精地对待每一幅创作，每一幅作品往往耗时数月、数年才能完成，以至于坊间有这样的说法：谢楚余出品必是精品。
“超写实主义”是当今油画圈的主流，也叫“照相写实主义”，诞生于20世纪60年代，是从摄影艺术获得灵感后，而诞生的一种新式的油画风格。
“超写实”在塑造形象时，追求照片那样的质感，细腻程度很高，造型超级写实，从形象、结构、比例、色彩、光影、空间感等元素，都完全按照现实中物象的真实情况来塑造，因此，超写实油画很容易被观者误认为是摄影作品。
谢楚余几十年如一日地创作超写实，留下了《绿野》、《岁月无痕》、《陶》、《沐风》等经典作品，他的每一幅作品一经发表，都会在画坛带来强烈轰动，进而引起许多画家争相模仿他的画风。如今的谢楚余，毫无疑问是当代画坛名利双收的人生大赢家。
他创作于1997年的作品《陶》，也叫《抱陶女》，无疑是他最著名的一幅作品，也是他的成名作。
这幅作品打破了两大记录。
一是当代被盗版最多的一幅油画作品。
经常出入酒吧，酒店，宾馆，饭店，KTV，茶楼，甚至公共卫生间的人，都会在这些场所的墙上看到《陶》的复制品，据统计，这20多年来，《陶》的各类复制品已经超过了1000万幅，绝对是一个令人咋舌的数字。
二是这幅油画保持了谢楚余油画作品的价格记录，也是当代在世油画家作品价格的最高保持者。
据估价，以当前的行情来看，如果把《陶》推上拍卖会，成交价不会低于1亿元，足见它在当代艺术品市场上的火热程度。
遗憾的是，《陶》在1997年创作完成不久，被收藏家田煜先生慧眼识珠，很快以100万价格收藏，田煜至今不愿把《陶》拿出来展示，即使谢楚余出高价回购，他也不为所动，世人也很难再看到《陶》进一步刷新艺术品成交记录了。
不过，可以肯定的是，《陶》的知名度极高，将来若出现在拍卖会上，肯定会催生天价。
谢楚余的油画作品除过写实、细腻、瑰丽等特点之外，还具有清新、唯美、柔和的特点，这些跟他的艺术观念和生活环境有很大关系。
画如其人，从生活环境来看，谢楚余长期生活在江南水乡，一方水土养一方人，他的性格基因里自带唯美柔和的特质，他依靠纯熟的绘画技巧，很好地把个性特质捕捉到了作品里。
油画因为是舶来品，很久以来，中国油画家创作油画时，所有的技巧和观念都是按部就班地遵循西方油画家所设立的标准，并且，对这些技巧和观念非常崇拜，很少去考虑“中西融合”，进而创作出能体现中国人的审美情调和思想趣味的作品。
在这样的大背景下，一些有想法，不愿拾人牙慧的中国油画家，通过不断探索，旨在实现油画“本土化”目标。
谢楚余恰恰就是油画“本土化”的代表画家，实现油画的“中西合璧”是他一生的愿望。
他怎么做的呢？他认为有两点要素：
其一，从民族性格和传统文化观念入手，塑造“天人合一”的境界。
其二，从模特入手，展现“中西合璧”的格调。
中国女性具有比较鲜明的含蓄、内敛、温婉、柔媚的性格特征，若在油画中把这些性格特征刻画出来，首先在视觉感受力上就不会存在隔阂。
谢楚余正是这样做的。在画中，他善于使用宁静，柔和，空灵的背景，以旷野、森林、小溪、湖泊、海面居多。把长着东方面孔的女子，置入这些背景中，背景的幽静柔和，跟人物的安详淡然，很完美地结合在起，进而塑造出了心灵回归大自然，物我两忘，天人合一的境界。正是这种境界，让他的画百看不厌，完全符合中国人的审美情结。
在挑选模特时，谢楚余喜欢使用“混血儿”模特，这些模特往往五官精致，身材高挑，有一种“高冷”的美，跟画中背景十分吻合。
正是这两点开创性的艺术构思，让谢楚余的油画作品散发出强烈的艺术感染力，观者看到他的油画，都觉得很美，美得几乎没有瑕疵。
另一方面，谢楚余采用“移花接木”的方式，把众多女性的众多优点全部集合到一个模特身上，按照“理想主义”方式，塑造出了符合“理想美”的人物，所以，他的油画本身就是“完美”的符号。
为什么要赏析中国古画？
为什么要赏析古国画作品呢？这里可学文大了，下面我们一起分析一下原因。
一、一副古画可以看到我们古代的文化传统，每一幅作品，都会描述古代当时的人们生活习惯，市井生活，宫廷生活和达官贵族的生活方式等等有重要的史料价值。例如北宋画家张择端的《清明上河图》，画的是北宋时期的都城东京（今河南开封）的城市繁华景象和当时各阶层民众的生活状况，它是当年繁华的见证也是北宋经济发展的史料。又如《历代帝王图》传为唐代阎立本作品。画中描绘了历代十三位帝王形象。从汉代汉昭帝一直到隋代隋炀帝，十三组人物四十六人形象。他的史料价值大于艺术价值。再如明代仇英的作品里很多的介画作品，画面很多亭台楼阁的造型细致入微，这对我们了解中国古建筑史有着不可磨灭的参考价值。也对当时古代的人们生活习惯和活动游戏有着详细的图解。
二、从艺术绘画角度看古画，也展现了我国国画艺术的发展历程，从最初的岩画到壁画，从锦帛画到纸本画作等等各种绘画材质过程；从绘画风格上讲，从工笔重彩到写意画的演变历史。就绘画技法的继承和发展都是我们今天学习和创作的典范。它就是我们文化艺术演变的一个过程，也是我们当代发扬优秀民族绘画的一个优秀范本。
三、古代绘画作品就是我国传统文化的历史见证，是我国伟大民族的强大政治、经济、科学、文化的历史见证。
赏析吴冠中绘画艺术特征？
中国画又透露着西洋画的用色、光影与用笔的表现技法。虽然他高度概括了绘画创作对象的线条。表现出中国画的写意特点，但是他的用笔一直像是在用油画笔作为创作工具，笔触硬朗缺少变化。
吴冠中用硬笔创作以软笔为特征的中国画。这大概是他那个时代的艺术家的特点，受中学为体、西学为用的影响。那些个时代画家在东西方文化艺术的领域来回穿梭。
沾染上了异样的表现方式与另样的艺术气息，难分伯仲。吴冠中的国画特别是风景的装饰意味很强。那些色块、那些线条都表现出了很强的形式感。
如何认识理解中国绘画？
中国画按内容分，主要有人物画、山水画、花鸟画三大类。
战国时，中国已经有了比较成熟的人物画，唐朝时达到了顶峰。著名的人物画家有顾恺之、吴道子等。
山水画是表现山川美景的画种。它产生于秦代，隋唐时成为独立的画种，宋代达到了很高的水平。著名的山水画家有李思训、王维、唐寅等。
花鸟画画的是自然界中的花卉、鸟兽、鱼虫。南北朝时出现了花鸟画，宋代走向成熟。著名的花鸟画家有擅长画花鸟的朱耷、擅长画竹子的郑燮、擅长画鱼虾的齐白石等。
中国画按画法分，主要有工笔画和写意画。工笔画的特点是按照事物原来的样子，一笔一笔画得非常细致，尤其注重细节的描绘；写意画是一种概括、夸张的画法，要求用简单的笔墨画出事物的神韵，虽然笔墨简单，但意趣生动，表现力特别强。
一幅国画作品，除了图画以外，还有诗文和印章。因此，中国画是诗、书、画、印相结合的艺术。它的艺术成就和民族风格早已受到世界人民的赞誉。中国画不仅能美化人们的生活，而且能给人们带来高雅的情趣和艺术享受。
中国画是中华民族之骄傲，以我国所特有的绢、宣纸、毛笔和墨，绘景抒情形成独特艺术风格，屹立于世界艺术之林，是前人给我们留下的丰厚遗产。随着时代的发展中国画在村料与表现内容上也具有新的发展。
中国画追求的最高境界是绘画作品的意境之美和笔墨之美。追求意境，这和中国诗词的发展息息相关。“大漠孤烟直，长河落日圆”从这句诗中让人看到一幅壮丽的画。同样一幅画也是一首诗，是作者内心的渲泄。祝允明说过“绘事不难于写形而难于得意，得真意而点出之则万物之理，挽于尺素间矣，不其难哉。”创意难，意在何处?意在反映万事万物里所包含的某种道理，所以中国绘画特别强调画家对客观对象的主观能动精神，倘若画家在其作品中真的把握住客观对象的本质，则绘画的境界即显出很高的审美特征。
《易•系辞》中的说的“立象以尽意”所以对中国画的学习应是“取法乎上，而气韵不可学”在意境方面人人都可以向更高的格调攀登，当然这需要提高作画者各方面的修养。
中国画与西洋画最大不同在于我们用线条来表现，它的每一点每一笔都有表现力。一代宗师潘天涛所绘的画中，可看到许多线条组合的画面，几乎每一点每一线都可成为一张精彩的画，使人百看不厌。虚实问题对于中国也比西洋画重要。中国画的“虚”为留白，西洋画则仍为色彩。从一定程度上讲，留白比填色更难。这一切的种种都是前人留给我们的丰厚遗产，我们应为此感到骄傲。
中国画不可能自己成就自己,需要学术思想的帮助。学术思想对书画的艺术本质和风格的形成起了关键作用，儒家思想使书画贴近民众,使国画一直存在着理性精神，国画严格按照礼学观念去构建，把书中有画，画中有书给予理性秩序的概括，强调主观的由情而发的“心境”；老庄思想使书画表现出一些尽显才智、尽显虚无飘渺的唯美倾向.老庄的审美方式是独特的，强调对自然和自身的体验，强调抒情性，在笔墨的处理上有着极大的自由度和自主性。虽然儒道两家分别从理性、感性，一正一反，一 出一入的不同侧面入手，但为何能在书法中协调起来，就是因为在笔墨表现“情境”的“意象”性质上是一致的。儒道思想的特有气质、人生理念和思维方式决定了书法的意象境界，超越了感性与理性的对立，使书画成为了一个被直接把握的、直观的、原初经验性的美之现象。虽有图解之嫌，但儒道思想提升了书法的题旨和内在意蕴，使其扩大了“感觉”的范围和空间，并形成了自己的特点
但是，当今中国社会的各个领域,确切地讲应该是一个非常浮躁,非常喧嚣的世界.一切一起都使人感觉到了急功近利,见利忘义.中国画的领域也是如此,面对这样一个物欲横流的世界,很少有人可以静静地在那里探索什么笔墨的奥妙,也很难去做.都巴不得今天学一天中国画,明天就可以去卖钱,明天就是大师了.
中国画是寂寞之道,讲究凝神定气,波澜不惊.非宁静无以致远,非淡泊无以明志.不是依靠浮躁之气而产生发展的，如果真的是这样，那么中国画讲究的儒家道家佛家三位合一的境界又在哪里？
近代以来，徐悲鸿、林风眠等老一辈中国画家不断吸取西方美术元素中的写实主义、现代主义手法，对中国画进行创新发展，使他们笔下的中国画形成了不同于传统中国画的新面貌，并逐渐占据了当今中国画的主导地位。为适应新的形势，当今的中国画也必须不断创新。虽然中国画毕竟是不同于西方绘画的独立绘画品种，它以笔墨来写意，有自己独特的创作与欣赏品格。但是中西方美术之间可以对话交流、互相借鉴，同样也决不能因此丧失中国画自己的特色与地位。
正如前面说过中国画的许多优秀之处是西画所无法比的。无论怎样都不应失其民族性，否则这艺术便毫无价值。不少人常说改革开放的时代，国画也要开放，也要中西结合，对于这观点我认为流于肤浅。开放是要开放的，结合当然也是必要的。但这个中西结合该如何个结合法呢?长期以来中国绘画的意境、气韵都是西方人所无法理解的，是中国绘画的经典之处。中西方的生活环境、文化传统不同，人的思想情感当然不同，所以这个意境是不适于中西结合而讲的。有些人甚至去极力模仿西方一些大师，勉强的搬到自己画上，凑成所谓的“中西结合”这种结合我认为是不可取的。所以，我觉得目前为止这个结合可从材料上去考虑在
不变其本质前提下更新。或在原有的勾、皴、擦、点染手法上进一步扩展。中国画从古发展到今在不觉中已形成一种程式化，今天我们应突破这一程式，吸收西方绘画优秀的东西。
“笔墨当随时代”中国画面临的更大一个课题便是内容上的问题。传统的中国绘画有雄伟壮丽的山水景色，同时有崇山峻岭，残山幽峪，喜欢在大自然中修身养性。时代的生活方式、节奏在改变，中国画也须扩大题材范围，去表现新的审美情趣。
中国画——历史留下的丰厚遗产，值得我们继承发扬。
齐白石画赏析？
齐白石（1864年1月1日～1957年9月16日），祖籍安徽宿州砀山，生于湖南长沙府湘潭。原名纯芝，字渭青，号兰亭。
是近现代中国绘画大师，世界文化名人。早年曾为木工，后以卖画为生，五十七岁后定居北京。
擅画花鸟、虫鱼、山水、人物，笔墨雄浑滋润，色彩浓艳明快，造型简练生动，意境淳厚朴实。
代表作有《蛙声十里出山泉》《墨虾》等。著有《白石诗草》《白石老人自述》等。
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浓厚的乡土气息，纯朴的农民意识和天真浪漫的童心，是齐白石艺术的内在生命，而那热烈明快的色彩，墨与色的强烈对比，浑朴稚拙的造型和笔法，工与写的极端合成，平正见奇的构成，作为齐白石独特的艺术语言和视觉形状，相对而言是齐白石艺术的外在生命。
齐白石主张艺术“妙在似与不似之间”，衰年变法，形成独特的大写意国画风格，开红花墨叶一派，尤以瓜果蔬菜花鸟虫鱼为工绝，兼及人物、山水，名重一时，与吴昌硕共享“南吴北齐”之誉；以齐白石纯朴的民间艺术风格与传统的文人画风相融合，达到了中国现代花鸟画最高峰。
???
齐白石画虾堪称画坛一绝，通过毕生的观察，力求深入表现虾的行神特征。
齐白石画虾的形态，活泼、灵动、机智，有生命力。
齐白石用笔的变化，使虾的腰部呈现各种异态，有躬腰向前的，有直腰游荡的。也有弯腰爬行的。尾部也是寥寥几笔，既有弹力，又有透明感。
对水中的虾，为表现出那种透视感，齐白石的线条有虚有实，简略得宜，似柔实刚，似断实连，直中有曲 ，乱小有序，纸上之虾似在水中嬉戏游动，触须也像似动非动。