表现性艺术的代表作品，最美的艺术是什么？
最美的艺术，定义太广太深，私以为，能够传达出艺术家的个人思考和意志的艺术作品都是最美的艺术，无论其外形是什么样子。有些东西，不能太浮于表面去看待。
但是说到“美”，想起了曾经看到过的知名艺术家们笔下画的花是很美的，热烈、灿烂、悲伤、忧郁……艺术家们的感情都寄托在其中了。
每朵花都有生命Bobbie Burgers，媒体称她为“女梵高”，把她的作品跟梵高对比。她笔下的花朵，有着跟梵高一样的温度，丰富、热烈、鲜活，毫无顾忌地绽放着……
她一个在充满爱的家庭里长大的，父母喜欢带着她去海边、花园里玩耍，自然风景干净透彻，带着蓬勃的生命力，于是她开始画花。
19岁那年，Bobbie就很幸运地举办了自己人生第一个画展，展览结束，她的所有作品都被卖光。
她爱的不只是花朵外表的美好，而是一年四季不同状态下的它们，生根、发芽、开花、结果到落叶、腐败，让自己体味到的时间的流逝以及岁月所留下的情感。
绽放在她笔下的每一朵花，似乎都有一种韧劲，充满了动感。
在她眼里，花朵的生命就像是人的生命，它们脆弱、短暂，却又带着浓烈的情感。我们似乎可以在她的画里，看到时光的流逝、生命的力度、和纯粹的专注。
“ 大自然再残酷，
都阻挡不了娇艳的花朵
温柔倔强的绽放、优雅的凋谢，
最后变成种子重生。”
每朵花都有个性Criss Canning，澳洲画家，1947年出生在墨尔本，年龄70+，已经画了50年的画。澳大利亚国宝级美术馆——巴拉瑞特美术馆馆长Gordon Morrison说：“
她描绘出了每个物体的个性。
有人说，她不仅是一个画家，更是一个优秀的插花师。她懂得如何依据花卉的特点，选择合适的容器、配件并让花儿在其中任意舒展，呈现最贴切的姿态。
Criss Canning的创作灵感，来源于和丈夫精心种植培育的花园：
每天我都意识到美在我们生活中扮演着多么重要的角色。
于是Criss Canning就将“花园”搬去了图纸之上，用厚重的笔触描绘出那些或娇嫩的花瓣形状，亦或枯枝败叶在她的笔下也是灵动的。
她的画里都是高度饱和的色彩，看起来有冲击力却并不矛盾，反而有一种别样的和谐。
仔细看她的每一幅作品，里面都有着高光的玻璃、瓷器，衬托着每一朵花无限美的可能，花的个性似乎就这样被显示出来，妖娆、热烈或清新脱俗……
每朵花都有情绪要说艺术界最出名的花，绝对越不过梵高的向日葵。
在荷兰，向日葵象征着忠诚。向日葵的头永远向着太阳升起的方向，硕大的花盘和浓烈的黄可以疗愈内心忧郁的伤。
梵高笔下的向日葵似乎都带着一股阴郁垂丧之气，仿佛能量燃烧殆尽即将失去了生命最后的张力，即便颓丧却依旧想要热烈绽放。
梵高曾在给戴奥和乔的信中说：
我觉得，我是个失败者——这是我尝试接受的宿命，改变不了了。
但他却一直深情地、细致地描绘着质朴、自然的事物，包括那些在他的苦难生活中带着情绪的花朵。
梵高一生追求爱情而不得，明明爱的真挚热烈，但却没有一段能开花结果。有着如此坎坷情路的他，涂抹出来的玫瑰花温柔娇羞，惹人怜爱。
还有那朵蓝色的鸢尾花中的白色小花，是梵高自己对人生的感受：杰出者永远是孤独的。
他只要求自己自立，但他无意蔑视其他群体，Ta愿意和群体合立在一起，Ta洁白的美，是天意使然，一朵白和一群紫互为映衬。
在结束自己生命的几个星期之前，他选择画了一幅花——《雏菊与罂粟花》。
《雏菊与罂粟花》他曾说：
“ 一个人绝不可以让自己心灵里的火熄灭掉，
而要让它始终不断的燃烧。”
红红的罂粟大概就是梵高心灵里的火，梵高走了，但是火种还在。
每朵花都有温度莫奈曾带着家人寄住在风景谙好的吉维尼小镇，但人们似乎并不欢迎他。他对着柳树写生，人们就把柳树砍了，他对着草堆写生，人们一把火将草堆烧了……
后来，他用了43年，自己整整半辈子的时间，来塑造了一座“莫奈花园”。
深爱日本浮世绘的莫奈，园子的设计也以东方美学为标榜，崇尚“野生花园”精神——让植物在花园中按照自己的天性恣意生长。
莫奈对生活的全部热爱都藏于此：这是对于世间求而不得之物默然不语的激情，是隐藏在炽烈之下的苦涩。
莫奈曾说：
我会成为画家，也许是拜花所赐。
他无数次在自己的作品里想要挽留花木中掠过的光影中的温度。
他一生画了无数的花，睡莲就画了242幅……有人感慨说：莫奈不长情，何以爱花到失明。
睡莲/莫奈/1914/佳士得拍卖价格为84,687,500美元睡莲/1919/佳士得拍卖价格为40,921,250英镑佛说，一花一世界。不管是男性艺术家还是女性艺术家，他们的世界里，每一朵花都有着与众不同的意义。
花开无度，花落无声，暑往寒来，草木知秋，面对人世的悲欢明暗，花无言，花尽知。
或许，它们拼尽全力，只为让你知道什么是春夏秋冬，花开四季。
24岁的莫奈画的《春天的花》欢迎关注NOTHINGART，一起畅聊艺术！
颠覆你认知的电影是什么？
我看过最毁三观的电影之一
《再见溪谷》改编自吉田修一的小说，由吉田修一的小说改变的著名电影还包括《恶人》和《横道世之介》。《再见溪谷》也许会被误以为是文艺片，但它剧本设置太强大了，具备更加震撼的力度。这种在文本上的反思和力，把这部貌似文艺片的电影引向了更深邃晦暗的伦理层面及心理重建的可讨论范畴。
邻居女人的杀子案，让一对夫妇的阴暗往事浮出水面。夏美高中时被棒球队员轮奸，人生尽毁，施暴者中的尾崎也因此断送棒球生涯。若干年后，尾崎偶遇身心俱损的夏美，当年的施暴者和受害者组成一个家庭，夏美说：我们不是为了幸福在一起。
慢节奏的电影要么呈现一种静美要么透露一种压抑，《再见溪谷》无疑是后者。前半部分云里雾里，而后大段大段的回忆开始理清脉络。总觉得日式这种手法的片子都有些变态的纠葛，但又某种程度上解读人性隐藏的那一面。复仇、赎罪… 结果、救赎从陪伴中蔓延开…
一部关于赎罪与宽恕的片子，保持了日本片子一贯细腻、平淡的风格，把事实逐层逐层展现出来。片尾提出的问题值得每个人思考。
"我死了你就会幸福，那我绝对不去死。你死了，就会解脱，那我绝对不会让你死。"
两个人背负了太多太多。所以他们只能做出这样的选择 痛并快乐着的人生就是如此这般。
我们就是为了不幸必须在一起。这才是真的虐恋情深，无声无息进了骨子里，让人观看过程中默默几度流泪，最后大西那个眼神很好，表达出了再次选择我要我们依旧在一起的答案。
整部电影除了反映了一种现代社会里，人们一种极端情况下迷惘、焦虑、痛苦的生活状态，与人性里面复杂、矛盾、不安定的一面外，还表达了“人生并没有彻头彻尾的不幸”的意思。
《经典台词》一辈子又短又珍贵，根本耗不起长时间地惩罚一个人或者无休止地进行赎罪。不幸总有出口。
解决、搁置、放下，多走走、想清楚总会有不一样的新光景。
西方艺术史中的超现实主义是什么时候出现的？
超现实主义绘画的观念和起源
超现实主义运动起源于20世纪初, 弗罗伊德精神分析学说中的“潜意识”是其创作的理论依据。“超现实”、“超理性”的幻觉、梦境被作为超现实主义艺术创作的灵感来源, 超现实主义画家强调梦幻与现实的统一才是绝对的真实, 他们认为最客观的还原事物真相的方法只有通过“无意识”的多维空间, 来最终真实地表现出客观世间的真相。因此, 他们力图把生与死、梦境与现实统一起来, 其作品具有神秘、恐怖、怪诞等特点。超现实主义绘画是对以往以理性、写实为特征的绘画的反动, 试图对真实进行深层次的探索和表现, 常采用的方式是将抽象意境与具象实体相搭配, 把具象表现与抽象情境巧妙嵌合, 创造一种既具体又模糊的虚实相交的境界。代表画家有德国的恩斯特, 比利时的马格里特和德尔沃, 西班牙的米罗、达利等。
超现实主义绘画的概况
(一) 超现实主义绘画的类型
超现实主义绘画的类型判定主要依靠的是视觉形式和创作手法, 主要分为两大类:一种是有机超现实主义或者叫做抽象的、象征的、生物形态的, 甚至有的时候还被叫做绝对超现实主义, 画家在创作的时候不受意识的控制, 来表达内心的真实幻想。另一类叫做魔幻超现实主义、超级现实主义或者自然主义的超现实主义, 这一类主要表现的是精致的绘画以及可能认识的场面及物体, 这些东西已经脱离了自然的构造, 拥有的是梦幻的色彩。也就是说超现实主义画家在绘画的时候, 将梦境中的物体以各种形式组合起来, 目的就是为了将头脑中的惯性常识脱离开, 并且还要保证观众能够接受。
(二) 超现实主义绘画的创作类型
我们可以在超现实主义绘画的作品中看出其创作手法丰富多彩, 但是, 仔细研究就会发现可以分为两个形式, 一种是抽象似的生物的变形形式, 主要采用的是幽默以及自动联想等。画家关注的重点主要在无意识的表达方式方面, 注重的是精神方面的力量。另外一种形式就是精细描绘的写实。这类画家在绘画的时候看重的是对于潜意识的描绘, 并且对于细节真实刻画, 给人的感觉是情节荒谬以及细节又很逼真。我们国家许多学者对此进行了研究和讨论, 最后认为超现实主义绘画创作方法是荒谬的幻想。在此基础上, 有学者对超现实主义绘画创作进行了分类:
1. 时空荒谬性
时空的荒谬体现在将与自然逻辑相背离的、幻想色彩严重的、多个不同时代的事物由作者的自己想象的安排一起的, 也就是说冲破了时间和空间, 作者将现实生活画上自己的色彩。
2. 形体错置的荒谬性
形体错置的荒谬性主要是表现对万事万物的质疑, 画家们对物体进行多方面的拆分或者进行夸张的处理, 具有极大的冲击力, 从而给人一种爆发力的感觉。
3. 对比的荒谬性
荒谬的对比方式主要是通过采用二分概念的对立造成的矛盾冲突, 产生荒谬的视觉效果。
三、超现实主义绘画的图像特征
根据画家的作品可以对超现实主义绘画的图像特征进行分析和研究。我们通过超现实主义绘画的特点和创作手法可以看出, 超现实主义的图像特征主要是超越现实。其图像特征如下:
(一) 超越现实和自然
图像与现实之间差的就是理性, 图像表达的是内心真实的想法, 并不掺杂理性的思考。这是一种超越现实的图像表现方式。这种图像特征吸引群众眼球的主要原因是能够将群众内心不敢表达的想法表达出来, 进而得到人们的青睐。
(二) 色彩的幻想性
这种幻想是对自然以及形体进行装饰, 带着画家自己的幻想而做出作品。这种作品能够让人耳目一新, 带人们进入到另外一种世界, 带来足够的新鲜感, 同时, 群众也根据作品产生不同的想法。其能将幻想色彩带入到每个人的心中, 使人们忘掉现在的现实想法, 带动人们走向内心另外一个纯真美好的世界, 开拓人们的思维。它能够带动人们回归纯真, 忘掉现实带来的冲击和烦恼。
四、超现实主义绘画视觉体验的表现方法
我们都知道超现实主义主要是通过表现出不合理性逻辑甚至人们无法理解的视觉异象, 带来巨大的魅力。人们在看到作品时总能够被它所吸引, 经过思考看到世界或者人性中的本质东西。许多不同的超现实主义画家各种各样的绘画风格带给了我们不同的视觉体验。我们对三种典型的视觉体验进行分析:
(一) 自动主义创作方法带来的视觉体验
自动主义就是下意识的创作手法, 运用的是纯粹心灵的无意识的行为, 艺术家认为绘画要摆脱理性思维和社会教育的框架, 这样可以开拓人的创造力和想象力。艺术家认为经验和理性不能获得真知, 只有依靠内心深处的直觉才能看到世界的本质。根据以上看法, 我们可以分为两种自动主义创作方法:
第一种叫做机械性创作, 他们需要借助某种道具或者某种手段来调动想象力。举例说明, 超现实主义画家马克斯·恩斯特, 他发明了许多的方法:摩擦法、拓印法等等。我们简单说一下摩擦法, 摩擦法主要是将纸张铺在凹凸不平的物体上, 用铅笔在纸上描画, 然后画家根据物体描绘出来的形象进行理解和绘画。
第二种自动创作方式是特别具有个人主观的, 直接能够表达出画家的主观想法, 画家达利就经常利用此种方法进行创作。他在创作的过程中特别注意周围的环境, 他特别喜欢在舒服自在的环境下创作, 全神贯注地盯着画布, 充满想象地进行画作。
这两种自动主义创作方法都充分表现出画家们想象力和联想的能力, 创作过程中发挥联想能力、自身的创造力, 提高自身对事物的感应能力, 将大脑中潜意识的想象描绘出来。这两种创作方法不同, 但是都是从内心世界出发, 表现的都是想象的东西, 根据潜意识创作出视觉异象。
(二) 非常规视觉体验
在超现实的创作表达中, 很多的绘画里面的物体以一种非常规的方式组合到一起, 这个物体已经跳到了另外一种环境, 被放到画家的画面上, 它原有的意义就会消失, 那么我们就要以一个全新的角度去看待它, 从全新的角度去认识世界。在这里我们特别介绍一位画家马格利特, 他的作品就常常与人们的视觉经验和生活经验相背离。他能够创作出人们日常生活中所没有的画面, 这样人们就会给他的画面进行一个全新的定义, 他还会将没有联系事物组合到一起, 有的时候会对事物进行排列, 排列还很奇怪。人们对他的作品的评价往往都是荒诞且幽默, 但是感觉又充满智慧。这给人带来一种全新的感觉, 使人们认识到一个他们所没有想到的世界, 人们对此也会有全新的感受。
(三) 偏执狂批判法
偏执狂又叫做妄想症, 在超现实主义绘画方面, 主要表现的是对绘画的狂热追求, 其从人的潜意识抓起, 将幻觉中产生的视觉异想引入创作中。在此类的作品中我们经常可以看到令人疑惑不解的组合方式和夸张的物体形象, 这些形象就如同内心的潜意识, 不容易被人们理解, 只有当人们的意识不够坚定的时候才能够进入到其中。画家们在创作时, 有意识地对潜意识世界题材进行加工, 只要这样才能够呈现出既充满超现实意味还能够反映社会现实的作品。
五、超现实主义绘画视觉体验分析
超现实主义绘画通过与众不同的艺术创作手法, 营造出一种看似矛盾实则有着丰富艺术内涵的画面效果。很多超现实主义绘画作品, 借助怪诞的作品情境的设计, 营造与现实格格不入的绘画艺术氛围, 具有了超越时空的绘画体验, 让观赏者感受到虚与实的冲突、感性与理性的碰撞, 获得不一样的视觉体验。
例如, 著名画家达利借助自由拼合的方式进行绘画, 营造出一种陌生化的、超现实主义场景。其代表作品《记忆的永恒》, 形象地表达了时间流逝的无奈以及画家自身在物质世界中所经历的种种挤压。作为20世纪典型的超现实主义作品, 达利的《记忆的永恒》, 从某种角度来说, 体现出了超现实主义作品绘画者的内在潜意识。在著名画家马格利特的作品中, 画家打破传统的视觉审美习惯, 借助冷调的色彩、明确的界限来营造出一种黑色幽默、光怪陆离的绘画体验。其作品《天降》塑造了神情古怪的人物, 画面极具写实性, 充分体现出超现实主义画家所追求的那种反常效果。
从这些超现实主义的绘画作品中人们可以深刻地感受到作品所具有的强大的视觉冲击力, 这种冲击力不仅让人获得视觉层面的体验, 更会在精神层面受到一定的影响。超现实主义绘画作品用一种看似“另类”的绘画处理方式来表达绘画者心底的声音, 无论是对自由的追求, 还是对世界和平的期盼与祝福, 都会让超现实主义绘画作品成为绘画艺术宝库的耀眼明珠。
总之, 超现实主义绘画具有其内在的独特性和与众不同的视觉体验, 需要在具体的作品中结合创作者的内心思想以及创作的时代背景进行综合的欣赏。超现实主义绘画的视觉体验带给人们的是一个全新的世界。
楷书鼻祖钟繇有哪些著名的代表作品？
钟繇书小楷《贺捷表》，像一群矫健的海燕，在大海上，自由自在的飞翔。
《贺捷表》，东汉建安二十四年(219)钟繇六十八岁时写，内容为得知蜀将关羽被杀消息写的贺捷表奏。
此帖用笔精美，结字右上角上提。中横较长的字如:"言″字、"并″字，"喜″字，"首″字。
撇伸捺展的字如:"企″字."命″字."令″字。
有的字左收右放，左高右低，如:"逸″字."豫″字、"胜″字。
有的字有行书笔意，如"繇″字、"企″字、"與″字。
有的字有隶书笔意。如"同″字、"剋"字、"已”字。
《贺捷表》古雅遒丽，温润峻拨，生动活泼，有中和之美。
唐张怀谨《书断》称他:"其书绝妙，乃过于师，刚柔备焉，点画之间，多有意趣，可谓幽深无际，古雅有余，秦汉以来，一人而己。″
钟繇(151一230年)字元常，豫州颍川长社人。被称为正书之祖，与汉末张芝、东晋王羲之、王献之合称书中"四贤″。其小楷名作还有《宣示表》、《荐季直表》、《力命表》等。
(下图书法作品为钟繇所书小楷《贺捷表》。个人浅见，仅供参考。不当之处，敬请包涵。)
为什么欧洲艺术油画中裸体的女性那么多？
油画按照画面的内容来分，可以分为山水画和人体画两种。油画是一种艺术作品，而艺术的本质是“求真”。从艺术的角度上来看，只有真的艺术品那才叫是美的，不真的或假的艺术品可以说是一钱不值。人们在欣赏油画作品时，一般的人往往都侧重于画面的图像美、色彩美；而真正懂艺术的人，他们所看重的却是画面的真实度。传说，过去民间有一幅唐伯虎古画，价值连城。画面画的是一个太阳，下雨天只要把它拿到堂上一挂，家中湿透的谷子就可以把它晒干。我想这样的画世上未必真有，它只是一种夸张的说法而已。但是这个故事的寓意却是很清楚的：只有逼真的画，它才是最有价值的。无论是山水画还是人体画，画家们所追求的就是一个“逼真”。山水画画家们为了达到画面逼真的艺术效果，便跋山涉水，游遍名山大川，去寻找画的各种素材。而人体画所画的是活生生的人体。人们平常都穿有各色各样的服饰，而穿有服饰的人物画面，是无法达到逼真地展现人体美的艺术效果的。只有裸体的人物画面，它才可以最真实地展现出人体的形体之美。人物裸体画，它可以把人体各部分的轮廓、结构、线条、光线表现得淋漓致尽，达到最逼真的人体美的艺术效果。而女性的裸体画，由于女性形体具有凹凸有致、曲线优美的特点，便更能够充分地展现出人体的形体之美，所以，欧洲油画中裸体的女性画比较多并不足为奇。何况西方人在性方面也比较的开放，并不像我们中国人这么的保守。
什么叫文艺气息？
文艺气息就是文学气息、艺术气息。文艺气息是文学艺术家创作的文学艺术作品，表现出来的文学艺术特征和风格，反映社会生活现实状况的真实现象，具有时代性、民族性、阶级性等特点。艺术气质是艺术家在长期的艺术创作中形成的创作个性和艺术特色。
一、文学艺术应该走入当代的社会生活中去，反应我国经济建设以及各方面的新气象，描绘祖国蒸蒸日上建设的宏伟蓝图。文学艺术是反映文学家和艺术家的审美情感，文学家和艺术家的思想情感总是同丰富多彩的社会生活的形象紧密相连。表现出文学艺术作品的思想主题和艺术特色相互统一的审美气息。
二、艺术家的艺术气质、艺术手法、艺术风格的高低决定着创作艺术作品价值的高低，体现出艺术家长期艺术创作中所养成的个性风格，这是艺术家的艺术气息所呈现的审美境界。
三、文学家和艺术家只有深入社会生活体验出各方面的感受，积累大量的原始材料，通过自己艺术手法，把提取的原始材料经过艺术加工，创作出反映现实生活的文学艺术作品，深受人们的喜爱，极大地满足人们对文学艺术的需要。