漆画艺术代表作品欣赏,你最喜欢收藏的书画类是什么?
说到收藏,乱世黄金盛世古董,当前我们处在百年以来最繁荣的时候,也是一个社会收藏能力的黄金时代。可供收藏的藏品种类也很多,从近年来国内各大拍卖行的拍卖记录可以看出,书画类的藏品是百年内增值最大的收藏品。以齐白石的作品为例,八十年前齐白石生前一幅自己的作品相当于当时一个普通工人月收入的三分之一到二分之一,也就是说一个普通工人一个月有能力购买齐白石的两三幅作品。而现在齐白石的作品最高拍卖记录早已经过亿了,和当时的价格比可见云泥之间不可同日而语。所以说就算是百年前段一张废纸放到现在也是值钱的。好的书画作品之所以能够增值,一是作品本生就出自名家之手,这就保证了作品的质量,二是经过年代的洗礼,具有一定的古文物价值,这就是收藏品能够增值的显著特点。我们收藏作品的时候,如果是古人字画,一定要验明作品的真伪,只有真迹才有价值。如果是当代艺术家的作品,因为作者一般都还健在,能拿到其真迹作品并不难,但是最好是尽量收藏作者的高质量的精品,因为就算是当代作者本人真迹如果不是精品,收藏意义就不大了。我本人青睐于当代有真正实力的艺术家的作品,一个艺术家,首先要有独特的艺术风格和扎实的基本功,还要具备高尚的人格魅力,其作品才能经得起历史的考验。
什么是泼彩山水画法?
一、古史记述中的泼墨泼彩
早在唐代,就已经出现以泼墨泼彩为表现手段的创作。晚唐段成式在《酉阳杂俎》中写了这样一个故事:唐代大历年间,有个名叫“顾生”的文士作画,“饮酒半醉,渲墨于绢上,次写诸色,以大笔开诀”。唐代张彦远在《历代名画记》中也提到过“泼墨”“吹云”的画法。这些都说明了当时泼墨泼彩技法的存在。
中国美术史上还流传着“王洽泼墨”的故事。《宣和画谱》记载:“王洽不知何许人,善能泼墨成画,时人皆号为王泼墨。”中国绘画史把米氏云山的手法看作是一种源自泼墨的画法。明代董其昌说:“云山不始于米元章,盖自唐时王洽泼墨,便已有其意。”
到了明清,明确讨论泼墨泼彩的言论明显多了起来。明代李日华在《竹懒画媵》中写道:“泼墨者用墨微妙,不见笔迹,如泼出耳。”清代沈宗骞在《芥舟学画编》中写道:“墨曰泼墨,山色曰泼翠,草色曰泼绿,泼之为用,最足发画中气韵。” 这些画论不再以一种绘画状态来描述泼墨,而是根据绘画技术和绘画表现形态来阐述泼墨或泼彩。这也许和明清以后画家利用生宣纸作画以及文人画法的盛行有关。此时,对气韵生动的追求,已经由宗炳提出的对于人物画传神的要求真正变成了对画外之韵的追求。这个时候,文人画家对于泼墨泼彩法的运用也开始多了起来。我们可以从许多明清画家的作品中明显看到古人以泼墨泼彩之法丰富其作品表现力的案例。
二、古代泼墨泼彩画迹
在古代绘画作品中,纯粹以泼墨手法绘制的作品几乎没有。这和古人重视笔法和以书入画的文人画理认知有关。现存最早的具有泼墨大写意韵味的作品,是宋代梁楷的《泼墨仙人图》。此作用笔大方,阔笔横拖,浓淡墨并举,干湿互渗,笔意融于墨晕之中。画家以墨团团造像,充分展现出一个特立独行的仙人形象。梁楷独特的泼墨大写意画法也强化了人物特立独行的品质。据说,为了表现“泼墨”,梁楷还特别采用纸来画画,这不同于宋代大部分画家使用绢作画的习惯。因此,梁楷的作品具有墨彩随纸而晕化并渗入纸内的氤氲迷离的效果。明代沈周和文徵明在看到朋友所收藏的宋代王诜的《东坡烟江叠嶂图》之后,应约补图(下图为文徵明补图局部)。两人为了表现重峦叠嶂、烟云变幻的效果,都用了水墨渍积、冲撞、交融的破墨手法,从而形成了一种自然天成的趣味。其笔墨形态颇似今天我们所言的泼墨。清代石涛在表现烟云弥漫、江水苍茫之境时,也往往以阔笔蘸水晕染天空,利用宣纸的氤氲效果达到表意、造境的目的。
从古人作品中可以看出,古人所谓“泼墨”画迹,实际上是一种大写意手法的变体。此画法以用笔为主,以笔运墨,墨彩是传统用笔之法的放大。偶尔也有一些敷染天空的泼墨泼彩,但也不离画论所讲的晕染、罩染的手法。这一点与今天的泼墨泼彩概念有区别。现代泼墨泼彩绘画更注重的是水、墨、彩、纸相互碰撞、氤氲变化后产生的一种具有自然渗化和肌理效果的韵味,更加注重“泼”的行为以及由“泼”所造成的形态本身独立的审美价值。当代泼墨泼彩绘画的渊源在古代,但当代泼墨泼彩画法是符合现代审美需要的一种技法形态。
三、现代泼彩山水画的发展
现代泼彩山水画的原生形态,应该说是由张大千、刘海粟等人开创的。张大千、刘海粟各自从绘画理念、实践积累和创作实验出发,探索出不同的道路。
张大千的泼彩山水画色墨相和、氤氲清丽,有着变幻多姿的构图和青绿绚烂的设色。在他的作品中,水、墨、色相融相合,展现出多变的笔法、空灵的墨彩、奇幻的境界和优美的律动感。
刘海粟的泼彩山水画主要以黄山为题材。他以有力的中锋绘线,以厚重、绚烂的石青、朱磦赋彩、渲染,彰显出苍劲有力、浓烈瑰丽的风格。他的作品体现出“骨法用笔”在泼彩中的重要性。他通过劲挺的用笔将泼洒的墨与彩统一起来。如果说张大千的泼彩山水画具有温润华滋、开合自如的大气象,那么刘海粟的作品则更具有一种睥睨古今的王者之气。虽然有人认为刘海粟的用彩生硬直接,也有人认为张大千的泼彩像是西方的水彩画法,但是这两位大师在作品中呈现出的大气象都是后人难以企及的。
在张大千、刘海粟之后,美籍华裔画家侯北人又探索出泼彩山水画法的新路径。他的泼彩山水画突破了传统中国画以石青、石绿为主基调的色彩体系和审美趣味,色系选择更加丰富、自由。他注重色彩本身的冲击力和色彩在冲、染、撞、覆等过程中所形成的抽象肌理感,从而使作品呈现出更多当代色彩意识。他能够把抽象的色彩表现与对山石的勾勒、对隐士的位置安排结合起来,将观者的注意力从对色彩表现的欣赏引向对诗意情怀的体味。
无论是张大千、刘海粟,还是侯北人,他们在使用泼彩法的时候都注重中国画的用笔功夫,并将用笔与泼彩所造成的天然氤氲效果相融合。
四、泼彩山水画画理
(一)硬画与巧画
从泼的形态制作与表现来看,泼彩山水画大致可以分为两类。一类是以水、 墨、纸、色等元素加以人工劈划,使之互相作用所形成的肌理效果为基础的“自然泼彩派”。这类泼彩画按照水墨画的表现手段进行泼绘勾染,所营造出的泼彩肌理、审美趣味与传统水墨画效果相似。这种对彩墨效果的探索可称为“硬画”。另一类是在上述泼墨、泼彩的基础上运用一些特殊的材料、工具和手法,由此形成不同于传统水、墨、色的浑融效果的特殊肌理。例如有些画家将牛奶、洗洁精、油水分离剂等特殊材料添加于纸面、水墨、色彩之中,以此营造肌理效果。也有些画家利用衬纸、垫布、玻璃等材料作底,表现一些拓印效果。还有些画家用磨制、抽丝、冲刷、积融、喷洒等手法制作出肌理纹路。这类画作可称为“巧画”。
属于硬画一类的“自然泼彩画派”,及归属传统大写意墨法的泼墨山水画,往往以斗笔饱蘸水墨,以笔运墨。画家在自身意识的控制下展现出墨彩氤氲的效果。杨延文的这幅《层林尽染》(见图一)描绘的是北方山乡一景。村舍边的树木用笔在大片墨晕之上。画家以头青、石青覆盖在墨色之上,空白处以橘黄色扫染,从而形成一种带有风起之势的秋景。这幅作品中的所有泼彩色块都是用笔直接拖染、覆盖而成的,具有明显的控制性效果。这就是“硬画”之法。
我在作品《隔断红尘三十里》(见图二)中运用了“巧画”之法。我在画面中的透明状的青蓝色块中间保留一些拓印的肌理效果,使有形与无形之象得以不断转换。
我们也应明白,所谓的“硬画”与“巧画”只是相对而言的。其实,画家在使用宣纸、水、色、墨的过程中,都有自己对材料的特殊体会与使用方式,也有对不同程序、不同材料的探索。关键是要找到属于自己的“秘诀”或“特技”。
(二)有形与无形
在泼彩创作过程中,用笔墨勾勒具体物象的部分就是“有形”,大片泼洒、任其氤氲、不着一笔的部分就是“无形”。这种有形与无形在很大程度上讲,就是有笔与无笔的意思。在传统绘画中,有以留白成无笔的情况。而在大片泼彩之中也存在这种情况,这就形成了另外一种有形与无形的关系。再进一步讲,即使只是一团墨块或泼彩色块,也存在着有形与无形的问题要处理。如在大片墨色中泼洒青绿、朱砂等色时,墨与彩就构成了相互映衬、对比的有与无的关系。反之,在大片色块之中点缀少许墨块或其他小色块也能形成这样的关系。如在《谁染秋田一片金》(见图一)中,我以横断整个画面的湖蓝色为主调,通过看似偶然滴洒上去的朱磦色点再次分割画面,使色彩形成有形与无形的关联。就纯粹的墨或彩之形而言,画面中的有些地方经多次泼墨、泼彩之后,形成了富有变化的“形”。这不同的“形”,某些地方仿佛有“象”,某些地方又无法辨形,这也是一种有形与无形的关系。如在侯北人的《沽酒归途》(见图二)中,画家在大片深青蓝的主基调中点缀以小块红褐色,又在下方涂染白云,表现出浮泛、透明的效果,体现出泼彩形色本身的有形与无形的韵味。
但是,有形与无形并不是没有约束和规范的。我们要在画理的专业背景与中国画精神的文化背景之下来解决有形与无形的问题。创作泼彩山水画要在种种有形与无形的关系中找到一个诸多元素互相补充、互相成长的平衡点。我们要学会在无形中求有形,在有形中求自由。要做到这一点,就需要对自然之美有一种印象主义式的感悟,还要对抽象美有所认知。对传统文化中意趣、意境、意象诸审美要素的感悟,也能让我们的泼彩山水画创作展现出具有中国特色的文化意味。
(三)加法与减法
画泼彩山水画要处理好加法与减法的问题。在创作泼彩山水画时,很多情况下需要运用加法。当我们泼绘的几块色块形成由某种色彩关系构成的完整的形的时候,也许这个形并不好看,或者这个形并没有符合表现意图,这时就需要用笔勾勒,对局部进行分割,或是采用进一步添加墨彩的方法来整理色与形。这些解决方式就是在做加法。我在作品《山山尽落晖》(见图一)中就运用了做加法的描绘手段。我在画面上部晕染大片墨块,勾勒出连绵的远山,在画面下部勾勒出清晰可见的山崖松石,从而将画面中部泼绘的朱砂、朱磦色彩与形块之美衬托出来。
有时,我们需要使先期泼墨、泼彩形成的具有自然天成之趣味的墨迹、彩痕同时又具有某种吸引人的神秘品质。这时就要做减法。在做减法时,首先要确定泼绘出的色块是否具有独特的肌理感,是否耐人品味,是否能够引发观者的联想。如果色块具有这些品质,那么我们就要在之后的绘画处理中将这些品质进行保留和突出,不要轻易添加其他元素。张大千的《寒山清泉》(见图二)就是一个做减法的例证。在作品中,画家只留下了一道溪流和溪流旁以寥寥几笔勾勒出的一株枯树,使画面意境得到了升华。这种表现方式是在已经做足泼墨、泼彩功夫,绘画表现也已经到位的情况下所进行的减法处理。
在营造境界的过程中,我们也会碰到加法与减法的问题。有时,需要添加树木、山崖、屋舍等元素来丰富山水的造型与境界;有时,我们反而要施以减法,尽量不去破坏画面的完整性,保留泼墨、泼彩的肌理效果所形成的透明、深邃的意境和空间感。当然,审美判断的关键在于画家本人的审美趣味,以及其对传统山水画的理解、实践积累与形意处理能力。有些画家在泼彩过程中常犯不断添加勾皴的毛病,缺少取舍的勇气与鉴别能力。在泼彩山水画中,有“不着一笔,尽得风流”的妙处,也有“逸笔草草,尽展风采”的神来之笔。因此,我们要明白如何从整体效果去考虑画面的协调与统一关系,对加法与减法的使用有一个深入的理解和较强的把握能力,进而完成一幅完整而有张力的作品。
(四)用笔的笔性与泼彩的形质
泼彩就是将各种颜色运之于纸,通过与水、墨等材料的交融,最终在画面上形成一种具有自然肌理状态的形块。这种形块肌理以其色彩的鲜亮度和泼染之势吸引着观者。然而,泼绘之后形成的泼彩形块肌理,并不一定能达到传统审美文化所要求达到的目的。这时,我们就需要通过用笔来加以修正,或加以意象提示。为了强化泼彩山水画的境界,我们也要借助传统山水画的构图、用笔、用墨等表现手法。这时就会出现传统用笔与现代泼彩所表现出的抽象形块之间的协调问题。
传统写意山水画所要求的用笔本身有一个“笔性”的问题,而泼彩所形成的自然肌理效果也有一个“形质”的问题。因此,我们需要考虑的就是笔性与形质如何才能协调统一起来。如果忽视了这个问题,作品就会变得泼彩与用笔相分离。假如我们泼出一块非常有气势的形块,然而在进一步围绕这一形块予以形象塑造的时候,所使用的笔墨完全借助于如“清初四王”那样的笔性或皴法,就会形成“不搭”的现象。要解决好笔性与形质的统一问题,我们可以研究一下张大千、刘海粟等大师的作品,看看他们是如何用笔墨造型的。张大千的《峨眉三顶》(图一为作品局部)是经由反复的泼、绘创作而成的。画面下部鲜明的藏青色块和衬托其下的石绿淡彩,都是以一种肆意无羁的笔意引导形成的。由不同淡彩、淡墨晕染而成的墨迹线也是随性肆意的。张大千在勾勒峨眉山金顶峰峦与崖壁的时候,运用的笔法和描绘的山石形态也具有非常率性的跳跃感,使用笔的笔性与泼彩的形质相协调。而在《春水扁舟》(图二为作品局部)中,张大千在画面中上部的墨块与青蓝调子形成的自由形质的基础上,通过饱蘸水分的淡墨用笔和偏熟纸张的留迹特性,绘出一块块具有自由边际线的山形。对于没有表达到位的地方,他借助一种“似用笔又非用笔”的勾勒方式随势而为,并使之与泼彩的形质相互协调。他又在画面左上角寥寥几笔勾勒出松树、房舍,也形成似有似无、似像非像的效果,并通过对青紫色的远山的绘染破除笔形上的清晰度。以上两幅作品都是解决用笔的笔性与泼彩的形质的协调问题的优秀例子。在创作中我们可以对其加以借鉴。
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当代油画家排名前20位?
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2,毕加索
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3,鲁本斯
鲁本斯出生于在德国的一个小康家庭,从小就喜欢艺术,他继承了文艺复兴时期绘画技巧,又将人文主义思想和民族传统美术结合起来,形成了自己的独特风格,成为巴洛克美术的代表人物。
4,米开朗基罗
米开朗基罗和拉斐尔、达·芬奇并称为文艺复兴三杰,他以雕塑作品被人熟知,作品大卫像、摩西像都举世闻名。他在绘画上的成就也非常高,作品《创世纪》也被无数人传颂,他的风格近乎影响了几个世纪的艺术家。
5,塞尚
在中国,塞尚甚至远不如梵高出名,但是在西方艺术界,他被尊称为现代绘画之父、造型之父、现代艺术之父。他的画作对在他之后的画家产生了巨大的影响,可以说他直接改变了西方艺术的发展进程。
6,莫奈
莫奈被尊称为印象派的领导者和创始人,他极力推广印象派的理论,不仅在法国,在全世界都是非常重要的画家,在他的作品中我们看不到严谨的造型,但看的出来画作的层次。他将作品中的景物都赋予了不同的生命,把光影运用到了极致。
7,安格尔
如果说伦勃朗代表荷兰绘画的巅峰,安格尔则代表了法国绘画的巅峰,我们熟知的作品《泉》,就是安格尔耗时26年才完成的伟大作品,在17岁的时候安格尔就成为了一个伟大的画家,他继承了古典绘画的精髓,成为法国新古典主义的领军人物。
8,伦勃朗
在17世纪,出现了绘画发展的另一个高峰,引领这个时代的艺术家,就是荷兰现实主义画家伦勃朗,他一生创作了600多幅油画,2000多幅素描,其中仅自画像就画了100多幅,他的人物画十分生动形象,是当之无愧的荷兰最伟大的画家。
9,达利
达利同样是一位天才画家,他与毕加索、马蒂斯并称为二十世纪最代表性的三位画家,他的超现实主义作品,给世界带来了非常重大的贡献,和他作品齐名的是他富有传奇的一生,至今人们对达利的故事都津津乐道。
10,列宾
在19世纪美术史上,如果有哪位画家可以和莫奈齐名,那只有俄罗斯写实主义画家列宾了,列宾一生中创作了不计其数的画作,是俄罗斯任何一个画家不能比拟的,他的作品对中国影响最大,在我们初中、高中美术教学中,大多采用的都是列宾的绘画方式。
学美术就业前景好吗?
重点不是要不要学,是想不想学的问题,兴趣才是关键!
首先,我们应该有这样的意识,要学习一门本领,不信还先考虑这个行业的前景问题,因为,这个前景再好,如果你不能成为这个行业的高手,谈就业有何意义?社会上现在的各行各业众多,越来越精细化,不管哪个行业都缺精英人才,成为了精英人才,就业前景根本不是问题,尽管如有些人所说的这个行业的就业前景不好。学还是不学,你应该更多的考虑兴趣的问题,想成为某一个领域的高手不是那么容易的事情,需要恒心和毅力,更需要的是兴趣,有几个人愿意整天做着自己不喜欢的事呢?
其次,要不要学习美术,不要问别人,要问你自己。我也不能给你答案,我只能和你分享一点我这些年学习美术的心得,决定有你。
学习美术能提高人的审美能力。我刚开始学习美术只是单纯的因为兴趣,其他没有考虑那么多,学习时间久了,会发现其实用美术里面的审美方法去审美世界会有所感悟。
学习美术能锻炼自己的耐心。想画好一副作品不是那么容易,有时需要几天,甚至几个月几年的时间,这不仅仅是在完成一副作品,是对自己耐心的考验。
最后,谈一谈美术的就业方向。美术是一个大的方向,里面包含有很多小的方面,比如:美术学、绘画(国画、油画、版画、水彩画等)、设计(室内设计、景观设计、建筑设计、工业设计、服装设计、视觉传达设计、动漫设计、影视等)、雕塑、摄影等。不管你是喜欢哪一种,但基础知识和绘画功底要扎实,所以素描、速写、色彩是必须要多练的,这些是学好美术的基础,对于美术学也是要学习的,他是美术理论。
就业方向:
绘画类:可以做自由画家,开办画展,卖画,好的一副画可以卖几十万、几百万、几千万(当然这个难度自己想)。
设计类:这个就业方向就比较多,可以进设计公司、设计院做设计师,也可以自己开办设计公司接单子,设计这个行业做好了收入也是比较客观的。至于做什么设计那就看自己的兴趣了,想要做好收入高那肯定是很辛苦的。
雕塑:木雕、石雕,雕塑在生活中也随时可见,城市里面的标志性雕塑,公园里面的景观雕塑等。
摄影:可以进入影楼,可以做自由摄影爱好者,可以开自己的摄影棚接单,拍一些广告,人物、风景,可以把自己的作品卖给杂志社,报刊等,如果你是高手不怕没单接。但这个你必须要掌握图片处理软件,比如ps等。
天道酬勤,你的收入是和你的努力是成正比的,做什么职业都不是那么容易,是高手不怕前景好不好。归根到底,要不要学习美术,还是那句话:你有没有兴趣。在快乐中坚持,活着才不会那么累!
字画中的大写意有理解的么?
艺术来源于生活。
我们要去追求“艺术生活化,生活艺术化”。
东方传统文化来源于先民生活的智慧,东方美学是宁静、从容、淡定,有着悠然见南山的意境。用心手作,寄情于物,传递“敬天、爱人、惜物“的精神理念,每一器物都是生活美学的载体。
茶,有茶道;香,有香道;饮食,各地域自有饮食之道……东方人从小至饮、食、起居中的每一件器物所构筑出的空间氛围里,营造的是几千年不断迭代新生生活方式,呈现的是几千年沉淀孕育的处世态度。
重视中国传统文化内涵的运用,以东方生活美学引领时尚创意,用现代的艺术形式来表达东方情怀,用东方艺术来表达现代元素,使得东方气韵不减,并积极引导民众“过艺术性的生活”,则将是引领未来生活中艺术与设计的一大方向。
例如,中国人对竹情有独钟。
古往今来“人生贵有胸中竹”
爱竹、咏竹、以竹明志,
成了众多文人雅士的偏好。
从七千年前河姆渡居民使用竹制品开始,
融入在生活的方方面面。
竹之美,基于气节,
适应当下器物美感,多追寻返璞归真。
以竹为胎,保留竹子的自然气息,
融入现代创意,及不同媒材的特殊质感,
刻画出独有意境下竹的静、风的动,
不经意间流露出,
对中国文化的喜爱和对大自然意境的向往。
《又/见云》 全国水墨名家作品邀请展 艺术家尹学华作品
再者,“徽宗之美”,
言以帝王名号而称之审美概念。
与其说徽宗美学之高度,
倒不如说徽宗代表美学之现象。
《尔雅释诂》里“徽者,美善也”
一场江南的烟雨,融于山水之中,
不娇柔,不造作,淡泊素雅,却又包罗万象。
记忆中的马头墙,
成为徽派建筑中最明显的元素之一。
徽宗诗,书,画三绝。
而书法别成一体,自称“瘦金书”,
后人有称“瘦金体”或“瘦筋体”。
美感全然赋予这些意境之中。
徽州马头墙,摄影师@方托马斯
徽宗大漆茶盘
宋徽宗《秾芳诗帖》,楷书,27.2×265.9cm, 绢本,卷,台北故宫博物院藏。
而中国的漆画。
它既是艺术品,
又是和生活密切相关的实用装饰品,
呈现出壁饰、屏风和壁画等多种表现形式。
古代漆画作为漆器装饰而存在,注重物质、实用价值,
属于工艺美术类别;
现代漆画注重精神、审美价值,
属于纯粹艺术范畴。
现代漆画将传统漆器髹饰工艺转换为现代绘画语言,
从基本描摹转向独立的创作,
用于表现现代生活、现代观念。
现代漆画的形态从器皿转移到了平板,
表现的题材也包罗万象。
乔十光《苏州风景》 1963年
蔡克振《月夜》 1979年