介绍拉斐尔的代表作品，适合在家里客厅悬挂吗？
我觉得人体油画尤其是西方国家的人体油画若与整体家里的装修风格一致的，里面客厅悬挂也挺好的。如果有客人来的话，会觉得和谐，也不会感觉到尴尬。
我觉得人体油画看起来也非常的美，装饰性很强，有些家庭确实有一些人体油画摆在那里的，显示出这个家庭思想比较开明的，也属于上档次有品味的家庭。但通常他们也有存画室或者卧室，放客厅这些显眼的地方也不多。
然而更多的情况是，我看到有很多的打工者的房子里有些名画图片。本来这些房子墙壁啊等等都装修的不太好，甚至是有一点杂乱的，但是有了这么几张以后，感觉到这个房子就蓬荜生辉了。起到了很好的装饰性。以前我们在公司里面的话，到很多职工的家里面去看，他们家里面也没有什么特别的装修，挂几张画的情况非常多。
还有一些宾馆饭店也是有一些艺术性的画，装饰了经典的、艺术性的画以后，这个宾馆饭店感觉到就比较高大上了。
但在一些农村地区，由于当地人可能有一些老想法，所以不太适合装饰这些画。
不过在一些南方地区，尤其是闽南的一些新装修的洋派的别墅里面，两三层小楼里独立的房屋，书房或者画室里面通常也有这些壁画的，在这种特别的艺术感比较强的地方，也没有多少的违和感，反正习惯就好。
不过整体上来看，在我们国家，现在越来越多的人们用平常心看待这些画作，放这些画只要不与自家装修风格违和，能点睛，更加好。作者为高级#经济师##策划# #新媒体##自媒体##我要上头条##微头条日签##百粉##正能量##千粉互娱#
怎样理解拉斐尔创作中的人物形象？
法国画家安格尔曾这样评述过拉斐尔的作品：“要我写出拉斐尔的全部品质和他那无可比拟的聪明才智，需要 整本书和好几卷集子……拉斐尔所描绘的人物都是善良的，他笔下的所有人物都具有一副诚实人的外貌。”
拉斐尔·桑西（1483 —1520），Raffaello Santi全名Raffaello Sanzio da Urbino，意大利杰出的画家，后世把他和达芬奇、米开朗基罗并称文艺复兴三杰。在他短短的37年的人生中，给我们留下了300多幅珍贵的艺术佳品。
据传自画像
文艺复兴时期的画家大都受古希腊雕塑影响颇深，所以人物造型大多优美健硕，极力在神的框架下添加人的情感，作品充满了人文气息。拉斐尔的作品题材丰富，然而最为人称道的就是他的圣母主题画作。这幅就是最负盛名的《椅上的圣母》。因为在基督教中，红色象征天主的圣爱，蓝色象征天主的真理，所以在宗教画中，圣母衣着一般为红蓝两色。而在这幅画中，拉斐尔为她添加了普通人的服饰，如格纹头巾和花纹披肩，更具真实感。而且画中的圣母年轻，自然，清纯，就如同邻家女孩。在所有拉斐尔画中的圣母都紧紧搂着婴儿，脸上表情温柔，姿态恬静，然而总有一丝保护自己孩子的警惕表情，正是这些细微之处使得拉斐尔的圣母更具人性，与众不同。《粉红色的圣母》
要知道自中世纪以来的圣母画都是以表现圣母和耶稣的圣人之姿，把圣人以普通人的形象表现是对圣人大大的亵渎。但随着文艺复兴的来临，这时期的圣母画一扫中世纪圣母的苦闷，消瘦形象，反而显得丰盈、慈祥更像一位真正的母亲。拉斐尔经常在画中描绘圣母与婴儿耶稣的互动玩耍，使得画面温馨动人，而这在同时期的圣母画中比较少见。
《圣母与圣子》
据说一种新柏拉图主义的哲学思潮在拉斐尔所处时代盛行：“既主张美是不生不灭的永恒，也在艺术中追求理想美的创造”。
而在这时期艺术家的艺术创造观念里，更为重视的是对生活美的发现，所以他们在艺术描绘的一切美中都具有现实美感。《坦比圣母》
这副画是拉斐尔的圣母进一步世俗化的典型作品。圣母把脸紧贴住婴儿耶稣，母爱充盈画面，刻板的宗教色彩已经非常淡了。这副画虽然从构图，用色等各方面都算不上拉斐尔的最佳之作，但这副画所表现的母子之情最为浓厚，应该是画家最“任性”的画作之一了吧。《西斯庭圣母》
这幅圣母表情显得尤为忧伤，左右两人而且在向圣母展示人间的苦难，告诉她她怀中心爱的儿子将用生命来化解这一切。然而，拉斐尔让圣母用更为人性的表情应对着这个残酷的命运，那就是悲伤与不舍。
最后，给大家展示一幅安格尔所创作的圣母像，不知有没有受到拉斐尔的影响呢？觉得还不错的朋友可以点点关注，每天上新，和你聊一聊有趣的艺术！
给观赏者带来了唯美的视觉盛宴？
美得不可方物，东西方艺术风格的完美融合——浅谈俄罗斯人体油画的独特魅力
看俄罗斯的油画，总有一种熟悉的具有东方文化特质的亲近感，这种亲近感是因为俄罗斯的油画艺术符合东方人对西画欣赏的审美趣味，表现的是东方人容易读懂的艺术语言。在近现代，中国油画严格沿用了前苏联的创作技巧和教育方式，中国人对于俄罗斯的油画艺术可以说是相当的熟悉。
——谢尔盖·马什尼科夫油画作品
一、俄罗斯深厚的民族文化影响下的油画艺术
俄罗斯的油画艺术起源于十八世纪初，至今已有300多年的历史。在传承欧洲传统油画的基础上，结合自己的历史背景、文化背景和社会背景，并融入了本土化的艺术语言，形成了俄罗斯民族独特审美特征的油画艺术风格。
——谢尔盖·马什尼科夫油画作品
纵观俄罗斯油画艺术的发展史，俄罗斯的艺术家们对传统具象写实性语言的继承和坚守，构建了俄罗斯现实主义油画艺术语言的审美基础，这是俄罗斯传统油画固有的特质。俄罗斯油画家以严谨、科学、再现客观的造型形式语言，创作了大量的经典作品。
——谢尔盖·马什尼科夫油画作品
二、俄罗斯人体油画的独特魅力
俄罗斯艺术家在以人体为题材的创作中，通常以写实和抒情的方式来体现。为了更好地达到视觉美的效果，他们最求对象和环境的真实性，在色彩、结构和解剖等方面都进行了非常深入的研究。画面中强烈的装饰造型语言，浑厚、饱满、艳丽的民族装饰色彩，呈现出鲜明的民族特色，带来新的审美感受。
——安德烈·卡塔晓夫油画作品
这些给人们带来极大视觉震撼的俄罗斯人体油画作品，来自于艺术家们深厚的艺术修养和极精湛的绘画技能，体现出了艺术家对生活、自然、艺术的深刻的理解。他们在尊重形象，刻画生动的同时，赋予形象以深刻的内涵，展示了描述对象的精神和气质，带有非常丰富的感染力，以此来传递创作者内心的情感。
——安德烈·卡塔晓夫油画作品
结语品味这些兼具东西方文化内涵，具有强烈的表现力和感染力的俄罗斯人体油画，让我们从心底发出由衷地赞叹。我们知道，写出好的文章需要有深厚的文学功底。和文学作品一样，强大的素描和色彩造型能力是具象写实语言表达的基础，这是绘画艺术的根本，也是创作好作品的前提。
——安德烈·卡塔晓夫油画作品
——安娜·维诺格娜多娃油画作品
——安娜·维诺格娜多娃油画作品
——安娜·维诺格娜多娃油画作品
——尼古拉·布洛欣油画作品
——尼古拉·布洛欣油画作品
——尼古拉·布洛欣油画作品
——弗拉基米尔·沃列戈油画作品
——弗拉基米尔·沃列戈油画作品
——弗拉基米尔·沃列戈油画作品
不同的视角，互通的视界，我是魔韵，欢迎同道互动关注交流。
拉斐尔波提切利罗杰布朗德里克贾曼和约翰柯林是如何论述绘画的空间概念的？
拉斐尔（1483年——1520年）是文艺复兴时期，在绘画领域的三杰之一，他由于出生比达芬奇和米开朗基罗都晚，所以，他有条件吸收这两位大师的绘画风格。达芬奇创造的科学观察方式，素描手法造型方式，以及把解剖学运用到油画中的技法，被拉斐尔吸收进来。
约翰柯林作品
米开朗基罗善于表现雄强阳刚美的绘画技法，也被拉斐尔所利用，他把两位大师风格融合，创造出一种温和、圆润、秀美的风格。
在绘画的空间概念上，拉斐尔说过这样的话：绘画在视觉感受上，要体现出均衡、和谐、庄重的空间关系。
拉斐尔《西斯廷圣母》
这种理念和风格在他的代表作《西斯廷圣母》中有突出体现。此画采用“十字形”构图，把几个人物置于画面舞台中央，圣母抱着圣婴在画面顶端，西斯廷二世与圣母分裂左边和右边，下端是两个可爱的小天使。这样构图，有效增加了画面的稳重感和庄严感，把宗教思想的神圣性体现得很充分。
波提切利《春》
波提切利（1446年——1510）是意大利佛罗伦萨画派大师，同时也是文艺复兴时期意大利肖像画的第一人。波提切利在人物肖像绘画创作中，不太注重画面空间的逻辑关系，而注重构建画面的神秘气息和妩媚气质，画面人物都是他通过想象组合到一起，不设立中心人物，每一个人物都可以是主角。在作品《春》、《三王来朝》等作品都有体现。
拉斐尔《菲娜丽娜的肖像》
德里克·贾曼（1942年——1994年）是英国现当代艺术家，他的主要成就在电影领域，在绘画领域没有发表过什么言论。他是一个思想非常前卫的艺术家，他的最著名作品要数1993年执导的长度为76分钟的影片《蓝》，此影片属于“观念艺术”，画面自始至终都是一片蓝色出现在荧幕上。他这样做的目的是，抛弃传统创作手法，让观众面对那一片蓝色，带领观众进入冥想状态，让观者通过想象力来补充这部电影的情节和故事。
约翰柯林作品
约翰·柯林1962年出生在纽约，是美国当代品颇具争议性的画家。他的绘画的主要特点是以华丽饱满的画面，来表现当代人在精神领域的沮丧感和危机感，具有反讽意味，同时，还呈现一种搞笑、夸张、滑稽的风格。
在技巧和构图层面，约翰柯林在吸收了古典主义风格和巴洛克风格。他曾经说过：绘画是画家主观意识的表达，只有关注时代话题，从现实人物中寻找不合常规的素材，才可以体现艺术家的独特理念。
画里的角色让你产生难以自拔的迷恋？
沃特豪斯的作品中我最喜欢的就是这幅于1896年作的《Hylas and the Nymphs》，该画取材于希腊神话里阿戈尔的英雄们远航的故事，在途中许拉斯出了事。许拉斯去一池开满了睡莲的池塘汲水，遇见了七位仙女，水泽仙女们惊讶于他的美丽，希望能把他留下来永远陪伴大家。
情意绵绵的仙女们纷纷围拢过来，一个叫Dryope的仙女悄悄伸洁白如玉的手臂去挽留许拉斯，围住了许拉斯的脖颈，同时右手拉住了他的肘部，悄无声息的把他往水中央拖去。而拖入水中则等同于死亡。这幅作品中对于被刻画地极致浪漫，这是一个诱惑与死亡的命题，而这幅作品之所以经典，是因为哪怕是现代人的审美来看沃特豪斯对于仙女的造型也难免心动，当我们看着这幅作品，把自己带入许拉斯的视角，不禁暗想，如果自己是许拉斯，能够禁得住这样的诱惑吗？以下是作者简介和其余作品分享：沃特豪斯（1849年4月6日—1917年2月10日）拉斐尔前派画家，皇家美术学院会员。以其用鲜明色彩和神秘的画风描绘古典神话与传说中的女性人物而闻名于世。约翰·威廉姆·沃特豪斯出生于罗马，父母都是画家。童年的经历成为他作品母题的来源，例如罗马的城市，鲜花市场，希腊罗马式的建筑，地中海的阳光等。他先在父亲的工作室中学习，从1870年起，在皇家美术学院继续学业。他的早期古典主义作品深受劳伦斯·阿尔马-泰德马的影响，也创作关于意大利生活的轻松作品。沃特豪斯早年在父亲的美术工作室学绘画与雕塑，1870年进入伦敦皇家艺术学院。他初期作品已显现出他后半生画古典题材的一贯作风，在皇家艺术学院，英国艺术家协会等艺术展览颇受欢迎。后来，沃特豪斯开始在其作品中加入诗性，主题和文学紧密联系，特别是从丁尼生和荷马那里汲取灵感。1891年，沃特豪斯发现了一个美若天仙的模特，视她为珍宝。虽然至今也无人知道她的名字，而以她为模特的水仙、塞壬和古代的公主，诗歌里的女主人公，却早就是世界知名的形象。1895年，沃特豪斯成为皇家美术学院院士。这一时期，他的艺术极富盛名，成为与伯恩-琼斯相提并论的人物。后来，他的水仙形象通过世界博览会而国际化，成为无数廉价画片复制的对象，甚至是浴室用品广告的借鉴。作为古典主义的代表，沃特豪斯也被认为是拉斐尔前派风格的画家。沃特豪斯的作品多以神话，历史故事，文学作品为题材，画风清新自然，带有神秘色彩，但比拉斐尔前派的画家的作品更有世俗性。他笔下的美女具有拉斐尔前派的女性典型特征：纤细、苍白和少女的体态神情等。他也酷爱表现“致命女人”（Femme Fatale）的主题。和拉斐尔前派一样，他对装饰性的细节和真实性有执着的追求。2. 埃德蒙·莱顿
关于莱顿的作品，我最喜欢的是这一幅作于1898年的《The King and the Beggar-maid》，该故事源自古老的英文诗歌，描述国王向女乞丐求婚的情景，国王双膝跪地，把自己的皇冠呈给了女乞丐。故事中的非洲国王Cophetua，原本对女色毫无兴趣，可后来看到乞丐女Penelophon，一见钟情，甚至到不能娶她就要自杀的地步。他冲进街道，他把金币洒在地上，这样的乞丐们便围拢过来，当佩妮罗凤走上前去时，国王便上前表达他的爱意，问她是否愿意嫁给他，成为他的王后。这个故事已经成为象征爱情的胜利，极致浪漫，是超越了世俗地位和阶级的唯爱主义。
而莱顿的造型和绘制的确精巧，富丽堂皇的宫殿里，金锣绸缎与女乞丐的破衫烂服形成鲜明的对比，但这仍然遮掩不住乞丐女Penelophon的天生丽质，在画面中心里，仿佛乞丐女Penelophon才是最为珍贵的象征，连国王都只能下跪臣服，这是超脱于典故的画面赋予。以下是作者简介和其余作品分享：埃德蒙·莱顿（1852年9月21日 1922年9月1日），全名埃德蒙·布莱尔·莱顿（Edmund Blair Leighton），是擅长历史风俗画的英国画家，专攻摄政和中世纪的题材。他的作品多是私人订制收藏，故流传度不高。埃德蒙·布莱尔·莱顿是一位英国画家，擅长中世纪和摄政时代题材。他的父亲也是一位英国画家。1843-1855年，莱顿的父亲的作品在英国皇家艺术学院展出。1874年，22岁的莱顿第一次展出他的作品，连续4年展出，连续4年都取得成功。1878-1890年，26岁的埃德蒙·布莱尔·莱顿的作品每一年都在英国皇家艺术学院展出：1878年正是48岁的弗雷德里克·莱顿开始担任英国皇家艺术学院的院长。史载：这两个年龄相差22岁的莱顿是很好的朋友。埃德蒙·布莱尔·莱顿的两幅作品，《为我的行为作证并加上印鉴》（Witness my act and seal）和《标题中的缺陷》（A Flaw in the Title），在英国皇家艺术学院得到公认的极高评价之后，他的作品开始在伯林顿府（Burlington House），皇家艺术学院所在的综合大厦里年年定期展出，直到他去世的前两年。作为一个维多利亚时代的重要艺术家，莱顿的作品在皇家艺术学院展出了四十年之久。埃德蒙·布莱尔·莱顿从来没有成为皇家艺术学院的院士。但是，埃德蒙·布莱尔·莱顿的很多作品成为蜚声世界的名画，他为人们留下了一个鲜活的中世纪，尤其是他的精美绝伦的骑士题材的作品成为世所公认的著名精品。至今没有出版关于莱顿的研究专著：他的很多作品没有找到。因为埃德蒙·布莱尔·莱顿的作品很美，所以都是客户预订-创作-参展-客户收藏的商业流程：找到这些私人收藏相当困难。3. 约翰·艾佛雷特·米莱
关于米莱的作品，我认为最好的一幅就是这幅《水中的奥菲莉娅》，故事展现了戏剧《哈姆雷特》中奥菲莉娅因爱人哈姆雷特谋杀自己父亲而发疯淹死的一刻，被认为是拉斐尔前派中的巅峰之作。米莱将莎士比亚题材与对自然描绘的乐趣相结合，创造出这幅惊人之作。而画中的这个场景并没有在舞台上出现，而是在哈姆雷特之母乔特鲁德皇后与奥菲莉娅的兄弟雷欧提斯的对话中被提及：“她的衣服四散展开，使她暂时像人鱼一样漂浮在水上，她嘴里还断断续续地唱着古老的歌谣，好像一点不感觉到处境险恶，又好像她本来就是生长在水中一般。”而米莱的这幅作品完美地诠释了这段话，堪称绝美。以下是作者简介和其余作品分享：约翰·艾佛雷特·米莱，John Everett Millais, 1829年6月8日―1896年8月13日，是一个英国画家与插图画家，也是前拉斐尔派的创始人之一。米莱生於英国南安普敦（Southampton）一个以泽西岛为根基的显要家庭。他惊人的画家天份使他在11岁时便进入英国皇家艺术学院就读，成为学院有史以来最年轻的学生。在那里，他认识了威廉霍尔曼亨特（William Holman Hunt）和但丁加百利罗塞蒂（Dante Gabriel Rossetti），他们三人在1848年一起成立了前拉斐尔派。米莱斯是拉斐尔前派中最有才华的一个。他出生于南埃普顿，幼年就表现出非凡的绘画才能。10岁时，他的绘画就获得了艺术协会颁发的银质奖章。据说当时他的个子还没有讲台高，只能站在凳子上领奖。两年后，他的天赋为马丁·希伊勋爵发现，转入皇家美术学院的附属学校(希伊后来是皇家美术学院院长)，以后又转入皇家美术学院，以后又多次获奖，并在18岁那年获得金质奖章，是学院公认的高材生。1848年，他和亨特、罗赛蒂共同组织“拉斐尔前派协会”，在1850年展出了他的《基督在双亲家里》。由于这幅画一反学院派的格调，将圣母和圣约瑟画成一对劳动夫妇，童年的基督和施洗约翰成为木匠的儿子和徒工，将宗教画变成了现实生活的风俗画，将圣母刻划成贫苦人家的劳动妇女，消瘦而又苍白，从而遭到社会舆论的非难，连狄更斯这位伟大的作家也以为是“亵渎神圣”。但是米莱斯对英国传统的挑战虽为社会所不容，可是他的精湛的艺术技巧是无可挑剔的。米莱斯一生的作品大多是描绘社会下层人民生活的，他与拉斐尔前派多数画家们所遵循的寓道德说教于绘画形象中的意图也不尽一致。米莱斯最能直接描绘现实。这一幅画实际上就是英国农村现实一角的风俗画，对于揭示当代英国农村的生活，它具有赤诚的直率性。米莱斯是一位写实能力很强的画家，他只是尽可能把生活的真实，引向一种忧郁的诗一般的境界。米莱斯和拉斐尔前派的关系维系得并不长久，与罗赛蒂等人也不很投机。在以后的一些画中，米莱斯较少用象征手法了，并且略微透露出对人性解放的要求，这可能与当代观念在他头脑中的一种曲折反映有关。一个妇人抱着两个小孩是哪位文艺复兴时期作家的作品？
是文艺复兴时期拉斐尔的作品。