罗斯科 代表作品，是不是任何东西放在美术馆都可以称之为现代艺术？
由英国泰特美术馆总监威尔·贡培兹（Will Gompertz）所著的《现代艺术150年》，在中国一经出版，便受到艺术爱好者们的关注和好评。它清晰而且轻松地讲述了从19世纪中期直至现今的西方现代艺术，为读者呈现了能看懂的现代艺术史。
「我希望，当你下一次去美术馆时，它能使你的经历少一些害怕，多几分有趣。」贡培兹如是说。
受我们邀请，著名独立学者、艺术品收藏家荣剑老师，为我们解读了这部简明而又深刻的艺术、美学著作《现代艺术150年》。
如今，当我们走入美术馆，看到点线面构成的抽象绘画，看到现成品组成的装置艺术，或是光怪陆离的雕塑，很容易产生「看不懂」的感觉，甚或怀有排斥及某种反感。但殊不知，我们的生活早已被现代艺术所包围和浸透，我们的服装、食品、影像、传媒、建筑、汽车，早已充斥着现代艺术及其理念。
▲1965年，法国服装设计大师伊夫·圣·洛朗根据荷兰现代艺术家蒙德里安的作品所设计的服装。
因此，产生了一种奇怪的现象：我们虽然生活于现代艺术的笼罩下，可到了美术馆中却似乎不认识现代艺术，也无法理解它。也就是身体已经习惯，心灵却不能跟上。
基于这种对现代艺术的「误解」，英国前泰特美术馆总监威尔·贡培兹写作了《现代艺术150》年，希望通过这种对整个现代艺术史的梳理，让广大读者以轻松的方式理解身边已经在美学上变迁了的现代世界。
▲《现代艺术150年》
作者：威尔·贡培兹
译者：王烁 王同乐
出版社：广西师范大学出版社
出版时间：2017
01.
什么是艺术之美？
这本《现代艺术150年》是以现代主义艺术为核心，讲它的源流。所谓现代艺术，就是「现代主义」的艺术。如果单从「现代主义」艺术来说，它的历史远远不足150年，其实就是一战左右一直到20世纪70年代的短短六、七十年的时间。
至于150年的历史，其实是将影响现代艺术的写实主义、浪漫主义、印象派和后印象派都算了进去，又把受现代主义影响的后现代主义也算进去的结果。这样，就形成了一个完整的、广义的现代艺术，它上承19世纪自然主义的风潮，下启德里达式的解构与商业影响下的波普，直至当代。
独立学者、艺术收藏家荣剑老师在解读的过程中就说道：
「在1972年的时候，实际上现代艺术已经走入终结，那个时候很多观众对于什么是现代艺术，什么是当代艺术，还迷惑不解。」
相对而言，我们常说的当代艺术，实际上就是现代艺术之后的艺术，是反对现代艺术潮流的，也就是后现代艺术。我们之所以很难区分开现代艺术和后现代艺术，很难理解现代艺术在表现什么，很大程度上，是因为不知道从古典艺术的思维中，是通过怎样的逻辑产生了现代艺术。
既然现代主义艺术在七十年代已经终结，那么实际上现代主义艺术不管能不能使观众得到共鸣，我们能不能看懂现代艺术，都不能改变它已经成为经典的事实。那些现代艺术家们，如毕加索（Pablo Picasso）、杜尚（Marcel Duchamp）、马蒂斯（Henri Matisse）、蒙德里安等等，都已经成为了和达·芬奇（Leonardo da Vinci）、拉斐尔（Raffaello Sanzio）一样的经典艺术家，在美术馆中接受人们的膜拜。
▲泰特美术馆 ，贡培兹曾任美术总监
康德曾经区分了美的两种主要区别，它也许能够帮助我们理解艺术。康德认为，第一种美，是合目的性的美，就是所有人都能理解的美。如太阳、花、河流，我们不需要对它们有任何的理解，就可以去欣赏它们的美。
而另一种美则需要我们对它有所认识，那就是艺术的美，或者说是具有目的性的美。康德认为，当我们看到一幅画的时候，它本身具有一定合目的性的美，人人都会认为它好看，但这只是绘画一半的美，另一半则需要我们对它讲了什么故事、刻画了怎样的人物性格、表达了什么思想感情等等有所认识，随着认识的加深，感受到的美也会加强，从而形成一种综合性的判断。
现代艺术就是这样，当我们不带有任何成见地观看现代艺术时，它毫无疑问是美的。但我们对它背后的知识和逻辑过程却缺乏认识，因此才会「看不懂」。毕竟，现代艺术很少去描绘一个已知的东西，我们通常能见到的具象的物体，或者众所周知的故事。现代艺术更纯粹，所以更难理解。
▲莫奈的名作《日出·印象》，这幅作品打响了印象派革命的枪声当时，印象派这一松散的组织还不能登大雅之堂，「印象」一词一度是贬义词。
《现代艺术150年》就是对整个现代艺术的逻辑过程的讲述，它带着「单口相声」般的风趣和明晰，为大众提供了走入现代艺术的捷径。它的作者，威尔·贡培兹，作为知名美术馆的总监，是从一个实践者的角度出发来写这本书的。这就为我们提供了不同凡响的新视角。
02.
从色彩开始革命
荣剑老师在解读中讲道，「现代艺术有两个革命」，第一个革命就是「色彩的革命」，这也是《现代艺术150年》在前几章中所讲述的。
「色彩的革命」发端于印象主义，完成于野兽派。在19世纪中后期，印象主义异军突起。他们受到德拉克罗瓦的浪漫主义绘画、库尔贝的写实主义绘画，以及马奈等前辈的影响，对绘画的色彩进行了解放。
1826年，摄影在达盖尔、尼埃普斯的努力下诞生出来，让以往绘画的写实性受到了极大的冲击，很多画家干脆改行成了照片描线师（当时的照相技术还比较落后，需要后期的加工）。艺术家们于是开始重新思考绘画的意义，德拉克罗瓦延续以往艺术的故事性功能对艺术进行革命，用夸张的、表现的方式给予艺术以强大的感染力。而库尔贝则通过「写实」的方式，去再现艺术的真实，而不是世界的真实。
最终作为印象派旗手的是马奈，他在一系列的绘画中消减掉了以往绘画中的空间、人物身份、构图安排、色彩习惯。用粗犷的笔触直接画在画布上，有别于以往画家的精心建构。这种「直接画法」直接导致了印象派的产生。
▲马奈的名作《吹笛子的男孩》，这幅画与以往的作品最大的不同就是鲜艳的颜色、简练的线条和对空间的消解。
▲只比马奈稍早的安格尔人像作品的局部，能够清晰地看到精心经营的画面秩序，亮部与暗部的颜色几乎一致。
在荣老师看来，印象派绘画的「色彩革命」有两层含义。第一层是对色彩的研究，也就是不再像以前画家那样「用色彩画素描」（安格尔语），忽略颜色本身的关系，而为造型关系服务。
从印象派开始，画家们开始研究颜色之间的关系。在各种光学仪器还没有出现，没有光谱的时候，画家们并不知道颜色与颜色之间还有着密切的关系。如果画阴影，画家们就会把明亮的颜色依次加深，苹果的受光面是红色的，不受光照的地方仍然是红色的，只不过更深了而已。
但是印象派借助光学仪器，了解到同一物体在不同的光线照射时，体现出不同的颜色，它的亮部和暗部是相反的颜色。这样，他们开始用点彩的方法把颜色点到画面上去，从而产生出了「印象」的感觉。这种感觉就是荣老师所说的：
「印象派所表达出来的色彩都是朦朦胧胧的，非常的虚幻，是色彩的精细化。」
而第二层含义，则是印象派的工作方式与传统大为不同，荣老师称之为「场景的转换」。印象派画家走出了画室，到室外去作画，描绘瞬间的感受。甚至还有如高更这样的画家，干脆跑到太平洋的小岛上去捕捉异域的色彩，这是对所有传统艺术的一种反叛。
▲莫奈（Oscar-Claude Monet），几乎一生都在室外写生堪称印象派的典范他也经常对着同一事物反复捕捉不同光线下的变化。
因此，荣老师说道：
「因此印象派作为现代艺术的一个源头和它（为现代艺术带来的）的意义，是怎么估计都不为过的。书写一本现代艺术史的时候，首先就必须从印象派开始讲」
这种对「色彩的革命」一直持续到野兽派时期，产生了最终的解放。野兽派的画家如马蒂斯、弗拉芒克（Maurice de Vlaminck）、鲁奥（Georges Rouault）等几乎超越了色彩的规律，而走向了完全的主观化。他们开始按照自己的感受去布置颜色，这其实就成了现代艺术的一个特点，即反对古典艺术「以客体为中心」的表达方式，从而走向了自我为中心的艺术家自觉。
▲弗拉芒克笔下的女人像，能够看出他在用颜色表达自己的感受。
03.
「艺术家不玩了，没什么可玩了」
继「色彩革命」之后，荣老师又提出现代艺术的第二个关键性革命，就是「造型革命」。这一革命的先驱应该就是《现代艺术150年》第五章所说的「吾人之父」的「现代绘画之父」塞尚。
这位被大卫·霍克尼称作「第一位使用双眼作画」的伟大画家，真正开始使用双眼去反对以往画家的单点透视（焦点透视）。所谓焦点透视，荣老师解释道：
「就是在一个空间感里头，人物之间的造型场景安排都必须是真实空间的还原」。
而在塞尚的绘画中，有的地方呈现出俯视，而有的地方则呈现出平视甚至仰视，画面中的空间被扭曲了。物体像是被做了几何分析一样呈现出来，而不是像摄像机照出来的那样。
塞尚对空间的分析和实践最终影响了西班牙大师毕加索。在毕加索的画中，空间被进一步完全打乱了，他通过将三维空间中的物体不断压缩和重置，最终变为了二维的构成，「造型的革命」得以完成。
▲毕加索的《哭泣的女人》，线条、颜色和空间都服从他的主观感受，而不是制约他。
大约同期，俄国画家康定斯基（Кандинский）开始创立抽象主义绘画的理论。他将绘画中的重要元素提炼出来，变成简单的点、线、面的组合，重新抽象和构成为绘画。在他看来，绘画无非是这几个元素与颜色、构图的互相搭配而已。至此，古典绘画中奉为金科玉律的一切教条都被现代主义解放了，现代绘画可以不再用绘画讲故事（如印象派），不再再现人或事物（如抽象派），甚至前所未有地不再摹仿和忠实于人眼对外部世界的印象与观察。
于是，在一战前后，无数派别诞生出来。超现实主义、立体主义、表现主义、野兽派、达达主义、至上主义，无数想法被艺术家们饱含热情地付诸实践，绘画终于找到了其他艺术所无法替代的，属于自己的崭新天地。
当蒙德里安将绘画归结为简单的几个直线，当罗斯科用几个色块即能完成一幅作品的时候，现代主义终于走向了其逻辑的终局。荣老师引用丹托的观点说，现代主义最终终结于抽象表现主义和极简主义那里。
▲蒙德里安的典型作品之一，他被称为「冷抽象」，同时也是「荷兰风格派」的成员，他在自己身上完成了写实到极简的转化。
这是因为，现代主义已经将对古典的反叛走到了极致，绘画最后甚至简化成了一张白纸，无法再进行消减了，就像荣老师说的：
「艺术家不玩了，没什么可玩了。」
▲美国艺术家德·库宁所画的女人，他是抽象表现主义的代表，也被称为「热抽象」。
04.
「人人都是艺术家」
这时，我们可以回到《现代艺术150年》的第一章，回到马塞尔·杜尚那里去。这位法国艺术家，可以说是后现代艺术的鼻祖型人物。就是他，在1917年将小便器送进了美术馆。杜尚在现代主义还轰轰烈烈地进行之时，就已经开始思考更进一步的解放，即对整个现代主义艺术的反叛。
正像音乐家约翰·凯奇（John Cage）用无声颠覆了全部的音乐，杜尚也用一个最普通的现成品——小便器，颠覆了整个美术史。杜尚认为，艺术家「应该决定什么是艺术，什么不是」，「如果一名艺术家说某件东西是艺术品，且对它的背景和含义施加了影响，那么它就是一件艺术品」。
▲杜尚的代表作《泉》
杜尚自己又说「我的呼吸就是艺术」，意思是艺术即是艺术家的行为，艺术是一种状态，一个视角，某个理念，这在杜尚看来才是艺术的本质。
这其实是对艺术的一种解构性思考，艺术从此走下了画布走出了工作室，进入到了更广阔的创作空间之中。杜尚成为了又一个划时代的人物，荣老师因此将杜尚的小便器评价为：
「它不仅是标志的现代艺术的一个深化，最重要的是，它实际上是后现代艺术的一个起源。」
与杜尚类似，博伊斯声称的「人人都是艺术家」也基于此，对绘画技法的掌握不再是普通人和艺术家之间最大的区别。任何事物都可以是艺术品，包括现成品，而任何空间都可以变成美术馆，去展示艺术。由此，艺术走向了反艺术。
▲杜尚的摄影作品《下楼梯的人》，他的作品包含行为艺术、装置、现成品、摄影、影像等等，几乎开创了所有后现代的艺术主要形式。
不过，这种德里达式的解构，并不是完全离开了现代主义艺术，而更像是对现代主义的一种总结和延伸，它依然是沿着寻找艺术本质、解放艺术空间这一基本的逻辑向前发展——这也是贡培兹在《现代艺术150年》中想要告诉读者的。
现代主义就在每个人的身边，它应当使艺术与大众的距离更近，而不是造成鸿沟，这也正是本书的意义所在，正像荣老师总结的那样：
「未来的艺术它究竟会如何呈现？最后的艺术是怎么来发展？怎么被人们所认可？被这个世界所接受？这大概也是很多艺术批评家们一个巨大兴趣或者巨大的一个奥秘所在，人们正是在不断的阅读艺术的过程中来加深我们对我们自己精神世界上一个理解。」
▲安迪·沃霍尔的作品《玛丽莲·梦露》，他所代表的波普艺术，将艺术与商业结合，成为20世纪中后期的艺术明星。
对于艺术的这个未来，在《现代艺术150年》的最后，贡培兹回到了对杜尚、毕加索这些艺术家个体的讨论上。在他看来，这些艺术家的个人风格给时代加上了独特的光芒，超越了他们的流派，也许这些才能指引未来的艺术家去开拓新的艺术，指引艺术的观者们去发现新的艺术。
在回溯了有关现代艺术的150年历史后，贡培兹这样结束了本书：
「看起来，一个具有一定精神高度的人物——如塞尚、波洛克或沃霍尔，在本世纪尚未出现。但是，这样的人迟早会有的。或者，已经出现了......」■
写生真的有那么重要吗？
搞美术创作，写生真的很重要。
老子曰“人法地、地法天、天法道、道法自然”，人要遵循自然规律，顺其自然。对于一个艺术家来说，想成为一名艺术家没有捷径可走，脚踏实地一步一个脚印去努力。艺术创作是需要灵感，灵感源于生活中的大自然，春有百花秋有月，夏有凉风冬有雪。一年四季每个季节都有美的景色。日出而作，日落而息，对于每个人来说，生命的存在很短暂，珍惜时光，珍爱生命尤为重要。搞美朮创作一定要重视写生，只有走出去，才能汲取更多的绘画资源。没有写生的积累和沉淀，绘画的作品没有生命力，所以深入到生话实践中获得万物变化的规律，写生中不断观察，认识，感悟。为创作积累素材以及审美视角，才能丰富自己艺朮创作的表现力和绘画技巧。虽然写生的道路非常艰辛，唯有付出，才能创造出让人喜欢或流传于世的好作品，只争朝夕，不负韶华。
普通人如何去欣赏艺术？
我单纯从绘画和视觉艺术方面回答你的问题。绘画和视觉艺术是同一类艺术形式。是有共同起源的。最早的视觉的艺术相对于现在是有些抽象的。我觉得你可以以现代普世的审美观作为学习的点开始。先看一些简单的能一眼就看明白的写实作品。看多了你就懂得了写实作品里也分中高低档。当然在职业绘画的圈子里，比较高级的说法是绘画不分高低贵贱因为各家的表现形式和表达的内容相去甚远所以比较难评判。但是当你明白了写实绘画的时候，首先绘画就在你心里有了一个基本的定位。然后如果你想看懂一些更风格更奇特，或者在常人眼里匪夷所思不可理解的作品是。你就要在艺术史中去搜索答案了。我觉得作为一个艺术爱好者，也没有必要完全的去通读艺术史（当然骨灰级发烧友除外）。比如你看到了一幅罗斯科的画作，你想搞明白他。你可以把画作拍下来，去百度搜一下。看看这个画家的简介，了解一下他的创作背景及创作动机。然后单独的以这个画家的时间线索看一下跟他同一时期的一些画家的风格和创作动机。如果是一个现代的画家那也可以先试着去了解他。这样当你经过几次了解就可以慢慢的在自己的脑中形成一种隐形的联系。就会看到有一些风格有哪一位前辈的影子。是怎么演变的。时间长了你就会为能看出一些门道感到有一种成就感。也可以跟你身边一些不太清楚的朋友分享你的见解。希望我的回答对你有所帮助！
应该如何欣赏天价艺术品？
每个人的生命都注定了要和一些艺术作品和艺术品相遇，这些艺术的结晶给我们带来美的享受。无论这些艺术品值多少钱？是不是拍卖出了天价？对普通大众来说，天价引起的轰动效果也许只是起到了将高端艺术品迅速拉近到大众面前的作用。
刚刚拍出29.57亿元的达芬奇的《救世主》
人们在欣赏艺术作品时会有个误区，就是总觉得一定要看“懂”才行。所以这也直接导致了很多想看的人不敢去看，总觉得不懂艺术史论、美学常识、作者生平的自己都不好意思站在画前面。
实际上，普通人看艺术品更多的是一种审美过程而非学术研究，在艺术品面前，感官的感受和情绪是最重要的，普通的欣赏者达到怡情悦性的程度即可，其次才到理论和思想的认识与深入。因此，看展最重要的不是能不能看懂，而是能不能激发出感受，能不能与作品产生一种神交。无感受、无交流才是最可怕的。
1.29亿元拍出的黄胄的《欢腾的草原》
每个人的天性当中都有一种灵性，它往往通过一个人的感受力而表现出来。当人们在感受艺术作品的时候，这种灵性可以判别一个事物是否富有感染力，是否能生动地显现艺术的美。而人们在欣赏艺术作品和艺术品的时候，这种感受力是尤为重要的。如果你没有太多的艺术领域的知识积累，那么你不妨绕开复杂的创作背景，直接从最小白也是最直接的方式开始做起——感觉。跟着感觉走，通过肉眼观察和心灵感觉来判断这件艺术作品或艺术品能不能带给你灵魂的震撼与感动，来判断这件作品的风格是否鲜明，其中蕴藉的情绪或情感是否能够引起人们的强烈共鸣，来判断这件作品是否能在你脑海和心灵当中留下难以磨灭的印象。这些通过感觉来完成的判断就是你对一件艺术作品或艺术品最为简单却最为有效的欣赏方式。
2.79亿元拍卖成交的潘天寿的《鹰石山花图》
所以，我们应该扔掉完全不必要的内心负担，去除装腔作势，真诚地、自然地去感受艺术作品那种直击心灵的东西。你喜欢或者不喜欢，觉得美或者丑，感受到喜悦震撼或者厌恶反胃，这些都是自由的，这些都是你可以表达的。艺术从来不是让你去懂，而是让你去感知！
每个人对于艺术作品的理解是受到其自身的知识，对于事物的认知、理解，个人经历等等许多因素影响的，人和人之间的种种差异导致其艺术欣赏感受的千差万别。
1.64亿元拍出的张大千的《瑞士雪山》
因此，人们欣赏艺术的第二个误区可能是：以为贵的艺术品就一定是最美的。艺术品的价格形成有很多原因，有的是因为艺术品的独创性和作者的美术史地位，也可能因为其与某知名人物收藏或相关联，也许是因为某些机缘巧合被市场所认知，也许是因为作品的极度稀缺性。因为，人们对于艺术的感受和理解因人而异，因此，天价艺术品未必都能被人们所钟爱。 至于对于作品艺术水准的评价，可以这样去理解：同样一幅画，放在人来人往的马路上，不作任何解释，没有人会停下来好好看一看，或许很多人认为就是很平庸的作品；但是如果把它放在凡尔赛突出地展览一个月，也许人们都会说那幅画太棒了！拍卖出天价的艺术作品常常就有这样的暗示意义。画作本身艺术水准只是因素之一。
为什么罗斯科的画能卖这么贵呢？
罗斯科的绘画之所以被认为伟大而卖出天价，
在于这些作品注重精神内涵的表达。
画家力图通过有限的色彩和极少的形状来反映深刻的象征意义，
那就是“人的存在状态”。
面对罗斯科作品的时候，
人们常常被它充满力量又极具冲击性的颜色组合吸引，
沉浸在画面营造的气氛中。
不同的颜色组合会唤起人不同的感情，
比如热情、恐惧、悲哀、以及对永恒和神秘的追求。
这些都是一种非常永恒而神圣的情感体验。
绘画走到了抽象？
谢谢您的邀请和提问。“绘画走到了抽象，还能走向何方？”你的这个提问，早在37前就有中国画家回答了。
李可染先生的儿子李小山就写过一篇文章，对中国画的未来非常担心，甚至有一种绝望的感觉。
1985年，28岁的李小山《江苏画刊》上发表了《当代山水画之我见》，其中的观点“中国画已经走向穷途末路”引起轩然大波，这个观点甚至影响直至今天。
李小山的中国画穷途末路论，并不是空穴来风，而是有一定的历史的现实基础的。其中最大现实基础就是西方绘画进入了“抽象画时代”，而抽象画已经似乎颠覆了人们对绘画的认识：绘画可以画不知所云的东西！
而且，有些美术理论家还总结人类绘画发展史说：人类绘画经历了原始抽象绘画、古典写实绘画、印象派绘画、现代派绘画，绘画的最后一站就是抽象画。
其实，这个理论是非常肤浅的。不但不能准确概括西方绘画史，更不是中国画的发展历史。尤其是原始绘画怎么可能是原始绘抽象画？原始绘画确实有一些图案具有抽象性，但是，与抽象画可不是一回事啊。
按照中国画的发展，中国画只经历了原始绘画，写意画和大写意画三个阶段。中国画没有像西方那样的古典写实绘画。
即使被认为是写实高峰的唐宋绘画，也是写意画，后来的大写意画，就是写意画的丰富和延续。
如果按照西方写实绘画，那么，中国画写实绘画的历史非常短，写实绘画的作品也非常少。中国绝大部分绘画作品都不是严格意义上的写实绘画，而是写意绘画。
中国的写意画是中国文化的精华，也是对世界绘画伟大的贡献。
但是，长期以来，我们崇尚的是西方绘画文化，而西方绘画文化的核心价值就是高超的写实绘画理论和实践体系。对于西方写实绘画的伟大成就，我们是高度赞赏的。
但是，作为绘画艺术，不是任何事物都需要描写的那样真实具体的。
这一点，中国绘画的觉醒，比西方绘画要早一千多年！
中国在唐代已经出现写意画，而西方的写意画“印象派”绘画，在十九世纪才登上历史舞台。
西方从“印象派”到现代派，还不到50年时间，又从现代派到抽象派绘画不到30年。
印象派绘画，打破了高度写实的封闭性和绘画造型的唯一性，那就是“写实”二字。现代派又打破了写实的具体性，到了抽象画，具体性也没有了，只有色彩，没有形象性。
如果绘画形象都没有了，还有什么未来可言？
所以，我们认为，抽象画已经的绘画的末路了。
绘画作品不能只有色彩，没有形象，一旦没有形象谁会去欣赏？绘画创作的路子也就越来越窄了。
绘画主要通过形象和色彩描绘丰富多彩的世界之美。如果只有色彩，描绘的对象肯定就越来越少了。
没有可欣赏的绘画，当然就没有创作了。
但是，抽象画也是一个丰富的体系。印象派、现代派、抽象画，基本上是一个体系。在这个体系里，也包括中国画体系。因为，中国画体系是真正的抽象画体系，他是由绘画和书法集合的一种绘画艺术形式。
所以，未来的绘画将会是历史上各种绘画创作方法的集合应用到局面。中国画和西洋画互相融通的基础，也会越来越雄厚。
例如，中国画现在就是中国画西画等各种绘画技法互相融合的集合绘画。
我们的写意画可以融合在工笔画中，工笔画也可以融合在写意画中。中国画还可以吸收西画的色彩方法。
事实上，中国画也是抽象画，自从37年前李小山提出中国画穷途末路以后。中国画仍然在发展，而且发展的比西方绘画更好。
为什么？因为中国画是纯粹的绘画，它与写实无关。而且与书法融合在一起，更加丰富了绘画的艺术营养。
所以，当照相机自从1838年问世以后，对油画的威胁就没有停止过。但是，照相机与中国画一点关系也没有。
中国画不是一个摹写自然的机器，而是对自然感受的表达。所以，中国画不是完全写实，也不是完全不写实，而是像齐白石说的，是“妙在似与不似之间”，那么，这个似与不似之间的绘画空间是很大，绘画形象的差别也没有唯一的标准。所以，中国画就可以自由创作属于画家自己的艺术形象。
如果按照西方绘画的写实传统，那么，绘画就有一个“唯一”标准问题。所以，绘画之路，也会走到尽头，这就是超写实主义绘画。超写实绘画还是写实而已。如果描写一个人物 大家画的都有模有样，甚至分辨不出来谁画的，这种绘画，确实很无聊的。
西方绘画到了印象派就打破了绘画写实的封闭性和唯一性，所以，绘画又枯木逢春了。
但是，西方绘画在打破写实的唯一性和封闭性以后，又走向另一个极端：极度不写实，极度抽象，这样，又把绘画的路给绝了。
我们纵观中国和西方绘画发展的共同规律：那就是绘画需要一定的抽象性，但是，完全把形象扔掉，也就把绘画毁了。
所以，未来的绘画仍然是写实和写意为基本的绘画手段。
事实上，真正用抽象画创作绘画作品的画家，也是极少数人。西方大众的绘画仍然是在写实与写意之间，这与中国画的发展已经殊途同归了。什么，抽象画只是绘画发明的一个组成部分而已。
绘画要创造美的形象，这是永恒的主题。