国画现代人物画代表作品，大家喜欢中国画里的山水人物还是花鸟呢？
喜欢那里的画及山水，心中有有爱到那都很美，不信你试试，如果心里每天都想着怎样发财呀怎样把别人的钱怎样弄在自己手里呀在美的风景都不会觉得美，对金钱看淡点。我就是走到那里就觉得都美，我的家乡我也觉得美，第二故乡也很美，自己的小花园也美，我是四川人，八八年我到过四川的青城山，到九寨沟，黄龙，真是太美了，那里水碧绿，那里的山秀丽，特别是黄龙海子别提多美了，要是现在就不知要拍多少照片，不过上次回家乡拍的视频朋友也说是第二个九寨沟，我喜欢四川的熊猫，喜欢的美食，喜欢我的两个故乡。
人物画的早期发展阶段的代表作有什么？
1、萌芽时期——战国——《人物龙凤图》这是一幅帛画，也是发现的最早的人物画作品。
2、发展时期——魏晋——顾恺之的《女史箴图》
3、鼎盛时期——唐朝前后——这个时期的作品特别多如阎立本的《历代帝王图》、顾闳中的《韩熙载夜宴图》等，到宋代国画就以山水画为主了
想找一些关于古典东方女性的摄影或油画作品？
著名油画家何多苓的代表作《小翟》，人物原型是我国当代著名女诗人翟永明。有人说翟永明是当代中国最漂亮的女诗人之一，这点谁也不能否认。因为翟永明长得确实漂亮。尤其是翟永明那双像葡萄粒一样水灵灵的大眼睛，给人们的印象太深刻了。她那双大眼睛最漂亮，象总汪着一潭碧水。她那双闪烁诗人睿智光芒的大眼睛不仅使很多写诗的人喜欢和痴迷，而且也激发和倾倒了画家的情感抑或冲动。何多苓笔下的《小翟》，具有东方古典女人的美。画家用温情的笔勾画出中国女人的美和魅力。作为油画家，何多苓的造型功力是坚实而全面的，人物、景象在他的笔下显得很有生命力。在形式语言上画家用灵动的画笔和感悟抑或单纯感与中国传统的水墨画融合在美妙之处。 何多苓说：“对外轮廓的限制很严，轮廓里的东西画得很充实、微妙也是得之于中国传统艺术之启发。”《小翟》就是用诗人那双水汪汪的大眼睛来表现画家娴熟细腻的绘画语言和功底的。 拉斐尔说：“我为了创造一个完美的女性形象，不得不观察许多美丽的妇女，然后选出那最美的一个做为我的模特。” 油画家杨飞云作品中的众多女人都具备了中国古典女人的美。我读过杨飞云许多作品如：《思古》、《蓦然》、《北方姑娘》、《黄猫》、《动与静》、《盛装》和《黑色金丝绒》等等等等。这些作品，每一幅作品都独具特色和个性。通过这些作品，我感到画家不仅有他独特的绘画语言，而且表现出画家对色彩的悟性连同对颜色光线的敏感度，以及驾驭色彩的绘画深度和向度。 学术界给杨飞云定位是：“他是中国现代油画界的一位扛鼎人物，他的绘画以其纯净的古典主义美质而享誉中国画坛，在他承续西方古典艺术传统的人物画中，流溢着一个当代中国画者在二十年的创作生涯中，因感领一种伟大的精神而生发出来的荣光之美。这种美，纯粹、宁静，吐露着的一种生命的真，正像本世纪杰出的神学思想家巴尔塔萨所说的：“真是在的无蔽。一切在作为在真中敞明自身，意味着在从无的遮蔽和神性意旨的奥秘中出场，进入此在，并在此在中作为开显的本质奉献给认识的目光。” 美学理论说，古典主义的美学原则从根本上来说并不在于它特有的一些形式、技艺和方法，而是一种古典主义的艺术精神，这种源于生命感动的内在精神构成了希腊艺术、特别是文艺复兴一来西方古典艺术的精髓之所在。生命本身便是宇宙中最奇妙的结晶，艺术家们便是有感于上帝的创造而通过另外一双神奇的眼睛，看到了这个世界和人自身的荣光之美，并通过绘画、音乐、建筑等艺术形式将其赋形。这样，在我们的文化中便出现了真正的艺术传统，所谓的光、形、结构、色彩、图式，乃至秩序、平衡、虚实、厚薄等等，这些构成绘画艺术形态的基本语言，其实最终都渊源于古典精神中的超验之维。美术理论家们认为：杨飞云早在八十年代初就对那种纯正的古典艺术开始有所领受，他与当时的绝大多数青年画家不同，并没有盲目地追逐热闹纷繁的现代艺术大潮，而是短暂地经历了一段心灵的现代艺术创作冲动，穿越苏联现实主义绘画和早期印象派的领地，并在取得了扎实的造型和色彩的基本训练之后，很快地就对古典主义的绘画一往情深起来。有人曾说他的艺术风格得益于中国的学院派教育，在我看来，对此应该从表层和深层两个方面来看待。杨飞云说：“每当我真诚地深入里面，用我的心灵与有限的智力去触碰那无限宽广的大智慧时，那让我着迷的恩赐就赐给了我，我被深深地吸引了，一种解读绘画奥秘的幸福油然而生，研习的兴致倍增。那不是技巧样式的探访，而是对绘画本质规律的理解与触摸，对于大师高贵品质的体验与经历，我非常地感恩于此。” 他一九九四年创作的《思古》145x97cm从画面看，是一位面色清瘦，手持丝绣古典圆扇，静坐在一把古香古色的木椅上，一双大大的眼睛在仰视前方。我读了这画后一直在考虑，画家杨飞云在为画取名时为什么叫《思古》，画家在作品中要表现的思想内涵，也许多少是受西方古典美术和中国古老文化传统的影响有关吧。我认为，画家在选材时就怀着一种思念亘古和本质文化的想法和思考去绘制自己理想的画卷，这就是画家的追求。杨飞云说：“我曾经长时间地痴迷于古典大师画面的精妙效果，模仿着去接近他。”因此，画家在选材和为作品取名上就流露出画家的初衷和心灵深处的痴迷与追求。从这点看，他完全是受西方大师的影响所致。《思古》的画面色彩完全是呈现暗淡的冷色调子，黑色的背景，黑赫色的坐椅，非常鲜明地衬托出黄皮肤的中国女人。画面中的女人身穿的服饰，显出了既古典又高贵女人的气质。从她那凝视前方的眼神看，我猜想画家心中的《思古》女人，也许就是画家理想中的中国大家闺秀式的女人。“手持丝扇的清秀女人/静静地坐在一把古色的椅子上/古典而高贵的服饰/衬托出一副清癯而消瘦的面容/一双大大眼睛/神情地凝视着远方/远方究竟有多远/比远古还远吗/思古/是思念更古老的人类起源的亘古/是思念一种更本质更原始的思古。。。。。。” 杨飞云的另一幅《盛装》162x130cm2004年，这幅画的构思和创意和《思古》有很多相似之处。不过，《盛装》画面中的女人显得比《思古》中的女人似乎更有内涵。人物的表情也比《思古》显得亲切些，画面的感染力也要强些。再有，从女人的穿戴上看更能表现《盛装》的本质和内涵。《盛装》中的女人身穿大绒的衣裙身披红色的披肩，一双洁白细腻纤细的手坦露在裙子上，从画面的颜色搭配上显得更加对比，过度也非常协调。女人沉稳的表情，就像在对人们说着什么。古典的穿戴，古香古色的居室，衬托出现代女性的大气和高雅。我想这也是杨飞云所表现的思想内涵吧。“身着华贵盛装的女人/静坐在古朴典雅的殿堂/面带微笑/充满想望的眼神/似乎在等待情人的到来/深红色的大绒衣裙/不仅表现出女人的高雅的气质/盛装/更能表现女人内心喜悦。。。。。。” 《黑色的金丝绒》呈现的是一位皮肤细腻侧身在床边的裸体女人。女人的表情显得很平静，她用右手挡住自己的一只眼睛，她用另一只眼睛注视前方。她把女人的美完全呈现给了这个世界。从画面看，女人的内心是干净的纯洁的没有杂质的。但是画家为什么叫《黑色的金丝绒》呢？我想画家是通过黑色的金丝绒来衬托女人的纯洁和细腻的美。也许还有更深一层的含义吧。“身体洁白细腻的女人/斜侧在黑色的金丝绒上/她用一只手遮住了自己最美丽的地方/一只手有挡住了自己目光/女人的身躯是世上最纯洁地方/她那羊脂玉般的肌肤/在画家的笔下/奏出哗哗响的春光/同时还能灵动一双仙女神圣的翅膀。。。。。。” 然而《北方姑娘》则显得女人的纯洁和质朴。它没有《黄猫》中的姑娘那样灵动、悠闲，会享受生活的幸福和愉悦。就连画面里猫都显得是那样地幸福。“扶在椅背上的少女/她内心的世界/要比椅子上的花猫更悠畅/身后的竹节海棠/静静地舒展着它叶子/不动声色的花猫/象少女的心事一样/在等待着/一丝柔风或者一缕恬淡月光。。。。。。” 我感觉到《黄猫》的女人，是画家心中理想化或者是诗意般的美好向往。或许是他的孩子和学生的现实生活的写照。这幅画给人的感觉太青纯太恬静了。我觉得象是画家在用画写诗。杨飞云一直认为，艺术毕竟是艺术，它不是观念，不是言谈，不是行为，而是一种必须通过特殊的工具才能企及的特殊的审美观照形态，画是画出来的，需要持久的训练和专门的技巧，如同戴着镣铐跳舞，不经过严格的专业训练，不掌握专门的技艺，不具备扎实的语言功底，谈不上绘画艺术。艺术是需要基本功的，但再好的基本功也成就不了伟大的艺术。这话说得非常精辟。在艺术形式和艺术语言之上，还有另外一种东西，那就是精神。其实象《思古》、《盛装》都是表现精神和追求的最好版本。我不敢评价他的艺术水准，更不敢给大师级的古典风格画家定位。对于杨飞云的艺术我只能从一个深层的古典精神的维度来考察，聆听杨飞云的绘画语言，每一幅作品都在向人们诉说着什么。在他众多作品中我们可以感受到他那无与伦比的艺术技法所带给我们的不仅仅是审美的快感，还有很空灵的诗意。但如果敞开我们的另外一双眼睛，就可以看到在他的作品中，流动着对于生命奥秘的去蔽、观照、呈亮，甚至感恩。杨飞云曾这样写道：
人物画区别？
人物画是以人物形象为主体的绘画，人物画又分为道释画，仕女画，肖像画，风俗画，历史故事画等。而文人画是泛指封建社会文人，士大夫的绘画，故又称“士人画”，以区别于民间画工和宫廷画院画家的作品。
文人画是士大夫词翰之余的消遣或自我表现，故又称之为“墨戏之作”。一风俗画是人物画的一种。是以社会生活风习为题材的人物画。始于汉代，如辽阳、望都等地墓室壁画和画像石、画像砖等。
你认为欣赏国画与欣赏油画作品的方式一样吗？
国画与油画产生的文化背景完全不同，因此，欣赏它们的方式是完全不同的。
国画从春秋战国末期产生，到现在已有2200多年，在这漫长的发展过程中，形成了一套完善的创作方式和审美标准，这些都是依靠东方文化理念和文化背景生成的，必然带有东方式的审美要求。
总体来说，欣赏国画要比欣赏油画复杂很多，要求也更多，主要表现在以下几个层面。
其一，先观看画面的整体气韵是否生动，是否能给观者带来一些联想和震撼。
国画的产生跟华夏民族的文化心理是一致的，都是把世间万物当做一个整体来审视，宇宙和自然为最大，世间万物都是它们的有机组成部分，宏观物质的运行如果是和谐的，那么，微观的运行必定也是和谐的。
因此，在国画中，不论是山水画，还是花鸟画和人物画，画家都会把画面组合成一个整体，用整体的气韵来表现特定的情怀与格调，进而感染观者。
或者是清新自然，恬淡闲适，或者是华美壮丽，或者是寂静肃穆，这些就是由整体气韵所展现出来的意境，是国画最重要的特质。
其二，再看笔墨和线条是否有趣味。
国画主要以线条来造型，像人物、动物、树干、石头、水流、花花草草等，都是先通过用线条勾勒出造型，之后再用各种皴擦点染手法来营造画面的体积感。线条造型的方法完全采用书法用笔，在用笔过程中，如果书法功底差强人意，画出的线条，塑造的形象，都会出现许多硬伤，根本看不到刚柔并济的趣味。
其三，最后看画出的形象是否符合比例关系，以及构图是否有新意。
虽然国画对造型的要求不高，但画家还是遵循严格的比例关系来创作。唐代著名画家兼诗人王维曾在绘画理论著作《山水论》中说：凡画山水，意在笔先。丈山尺树，寸马分人。
从这句话完全能看出，国画虽然注重的是意境的表达，但是，对物象之间的比例关系却一点都不马虎，在刻画山、树、马、人时，要严格遵循自然比例关系，这也是促成构图和谐的基本保证。
并且，在构图时，在遵循自然关系的前提下，可以适当夸张一些，以此来寻求突破。
油画是西方文化背景下的产物，是通过造型、光影、色彩、笔触来体现审美趣味。到如今，油画虽然已经发展600余年，但自始至终，都没有脱离科学手段的辅助，在造型上，依然遵循“焦点透视法”原理和解剖学原理，非常看重物与物之间空间关系的组成，以及物象的结构比例关系。
在光影上，则迷恋自然光影的真实感受，光影关系亮暗分明，在色彩上。油画则尽可能地还原物象的固有色彩，自然色彩是什么样子，画家必须调配出什么样的色彩，再覆盖上去，如同把物象从空间里搬到了画布上，达到视觉上的真实感是第一要素。
中国近现代著名国画大师有哪些？
谢邀！喜爱中国画艺术朋友，一起聊聊有关艺术的话题，提出中国近现代著名国画大师有哪些的问题，了解和鉴赏中国画艺术，我们就要清楚中国画发展史，再谈中国画创作笔墨技法变化、审美观和艺术理论知识，真正积累中国画艺术传统学养和中华文化艺术传统修养。所以，一般情况下，往往是对中国画艺术的代表性画家和代表作作为主线，学习代代中国画发展历史过程中，通过对代代中国画代表性的画家研究，逐步展开代代中国画时代性、民族性和个性化的创作研究，也就是提出问题中的有所作为和有所贡献的代表性画家，通常所称谓的著名国画大师，近现代的中国画发展进程中，整个时代的历史和社会背景，是中华民族发展历程中出现多灾多难的百年求变时期，热爱和关注自己国家、民族和人民前途命运的中华儿女，都在用自己青春和鲜血，寻找中国变革图强的方向和出路，也影响到中国画的求变道路上的探索，渐渐地形成传统方向、借鉴西化方向和全盘西化方向，创建近现代中国画发展的新式教育学堂、文化艺术社团和展览新交流样式等，其中三个中国画艺术发展方向，人才济济，产生很多不同地域的画派和个性化画家，都在各自求变的发展方向，不断真诚地尝试和开拓，由于篇幅所限，在此从中国画整体综合考虑和选择，也是作为普及中国画知识简要谈谈，从中国画艺术传统的山水、人物和花鸟三个专业方向，对近现代的中国画传承和革新有所贡献的代表性画家进行疏理和导向，纵观中国画发展脉络，结合横看中国画发展现状，近现代的中国画界主要代表性画家有海上画派的吴昌硕、蒲华、任伯年、虚谷等；新金陵画派的徐悲鸿、张大千、陈之佛、傅抱石等；京津画派的陈师曾、于非闇、齐白石、李可染等；岭南画派的居巢、高剑父、高奇峰、陈树人等。（附：中国画代表性画家傅抱石的山水画代表作《待细把江山图画》、徐悲鸿的人物画代表作《李印泉先生造象图》和齐白石的花鸟画代表作《蛙声十里出山泉》等）通过对近现代的中国画发展历程中，在中国画的山水、人物和花鸟三个专业方向的代表性画家和代表作的鉴赏和研究过程，可以了解和学习中国画的传承和革新过程，也能进一步认识和理解当代中国画的困惑和混乱根源所在，使当代中国画创作研究者和喜爱自己民族艺术朋友，更好坚守和传承中国人自己民族的文化传统和中国画的民族艺术传统，薪火相传，创造当代中国画的新文化精神和新艺术传统，促进当代中国画真正的新发展和新繁荣。欢迎你不同的观点和见解交流！谢谢你关注于秋水工作室！